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Lorraine Pinto

Por: Thelma Morales García

Llegó a nuestro país para estudiar español, todo México le parecía lleno de riqueza cultural, pero al probar nuestros platillos típicos a los que no estaba acostumbrada por la sazón tan condimentada y picante, se enfermó y tuvieron que llamar a un médico, ese momento marcó su vida futura, pues se enamoró del doctor y se casó con él, tuvieron dos hijas: Jenny y Gaby. Su creatividad siempre presente, le permitió realizar su gran obra plástica.

Hoy museos tan importantes como el Museo de Arte Moderno en la ciudad de México exhiben sus obras. Sus esculturas se pueden apreciar también en Cancún donde la Glorieta conocida popularmente por quienes ahí viven como “El ceviche” fue gran motivo de orgullo, en realidad su nombre es “Fuente de los caracoles y las estrellas”, misma que en 2013 fue rehabilitada por el Ayuntamiento de Benito Juárez, Quintana Roo.

Lorraine Pinto, nació el 7 de noviembre de 1933 en Nueva York, Estados Unidos y desde 1953 se quedó a vivir en nuestro país; México le abrió los brazos y le mostró su enorme riqueza, en respuesta ella le dio a nuestro país hermosas esculturas que se encuentran en diferentes Estados, como la Fuente de “Los Delfines” que se ubica en la Glorieta de la playa “La Ropa” en Ixtapa Zihuatanejo en el Estado de Guerrero; y la obra “Peces” que se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, en la ciudad de México, por cierto, fue amiga cercana de Tamayo y su esposa Olga.

También realizó bustos de bronce para personajes como el de Rufino Tamayo; el de Mario Moreno “Cantinflas” solicitado por la ANDA y en el 2009 el dedicado al maestro Luis Nishizawa por su cumpleaños 91 y que se develó en el Museo-Taller Luis Nishizawa, en la ciudad de Toluca en el mes de febrero, que coincidió con el cumpleaños de maestro Nishizawa.

En 2012, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México realizó la exposición de los “Precursores del arte cinético”, entre los que destacaron: David Alfaro Siqueiros, Mathias Goeritz, Germán Cueto, Diego Matthai, Xavier Esqueda, Pedro Friedeberg, Ernesto Mallard, Feliciano Béjar, Víctor Vasarely, Víctor Morales, Rogelio Polesello, Hersúa, Francisco Moyao, Luis Urías, Enrique Bostelmann, Federico Silva, Manuel Felguérez, Ramiro Chaves, Sebastian y la única mujer Lorraine Pinto.

Este arte se desarrolló durante las décadas de los sesenta y setenta, se basaba fundamentalmente en el movimiento y la transformación. La definición de cinético se desprende de la palabra griega Kino que significa movimiento; también se le conoce como arte óptico, pues la piezas creadas se realizaron con componentes mecánicos, luminosos y sonoros. Tuve la oportunidad de estar presente en el recorrido de dicha exposición, con la maestra Lorraine Pinto; quien nos explicó que de este arte se desprende aquella bola llena de cristales que se colocaba en la pista de las Discotecas, el ícono de ese tiempo era el actor John Travolta ataviado con un traje blanco y bailando para la película “Fiebre de sábado por la noche”.

Yo conocí a la maestra Lorraine Pinto, en el año 2008 porque existía una faceta de su obra casi desconocida hasta ese momento y estaba relacionada con la gran admiración que ella sentía por todas las manifestaciones populares de nuestro país, como es el arte popular y la artesanía, por ello comenzó a coleccionar piezas de artesanía que compraba en sus viajes por México, pero un día su hija Gaby le mostró una caja de cristal donde se observaba una ofrenda en miniatura dedicada al Día de Muertos; en ese momento se le ocurrió que podía armar una caja de madera donde pudiera conservar esas piezas artesanales que tanto admiraba, así comenzó lo que sería una colección de cajas temáticas que muestran una composición hecha desde lo más profundo del alma de la pintora.

Cada caja muestra las piezas perfectamente acomodadas y que en conjunto realzan la belleza de la composición, los temas en los que Lorraine Pinto se inspiró, le dieron el título a cada obra como: “Chiapas”, “Árbol de la vida”, “La Lotería”, “Frutos”, “Fiesta Mexicana”, “Ecología 1 y 2”, “Comprando para el Día de Muertos”, “El Caribe”, “El Mercado”, “El baile de Día de Muertos”, “Día del Niño”, “16 de Septiembre”, “La Fiesta Brava”, “El deporte mexicano” y “La Revolución”.

También realizó varios cuadros inspirándose en el arte plumario de México; sabemos que antes de la llegada de los españoles al nuevo mundo y gracias a las estelas mayas que aún se conservan, nuestro pueblo cultivaba el arte plumario, gracias a que en nuestro territorio había incontables especies de aves como el quetzal y que Moctezuma exigía a los pueblos como tributo, también algunos cronistas de la época hablan de los numerosos vestidos ofrecidos a Cortés y que en la actualidad sólo aparece en la artesanía textil de Zinacantán, Chiapas en el Huipil de boda que utilizan las indígenas y los rebozos de plumas de Ahuirán, Michoacán. La belleza de los cuadros de Lorraine Pinto muestran ese arte plumario ya casi desaparecido en nuestro país y que ella utilizó como una forma de admiración hacia nuestra cultura y una forma de rescate de este arte.

Nuestra amistad nació de ese gusto en común por el arte popular mexicano, en ella encontré a una mujer sabia, de gran creatividad, admiradora de las costumbres de nuestro país, gran artista, pero fundamentalmente una gran mujer y madre admirable. La última vez que platiqué con ella fue el dos de julio de 2026, su voz siempre tan entrañable para mí al decirme que debíamos de reunirnos para platicar de tantas noticias y novedades. Mi querida amiga falleció el 20 de julio y como agradecimiento por todos los momentos compartidos, dejo estas líneas como testimonio del gran legado que hoy forma parte del patrimonio artístico de nuestro país.

Espero sus comentarios en el correo [email protected]

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:stargif: 𝑪𝒍𝒆𝒎𝒆𝒏𝒕𝒊𝒏𝒆 𝑯𝒖𝒏𝒕𝒆𝒓: 𝑳𝒂 𝒎𝒖𝒋𝒆𝒓 𝒒𝒖𝒆 𝒑𝒊𝒏𝒕𝒐́ 𝒍𝒂 𝒉𝒊𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒄𝒖𝒂𝒏𝒅𝒐 𝒍𝒆 𝒏𝒆𝒈𝒂𝒓𝒐𝒏 𝒍𝒂𝒔 𝒍𝒆𝒕𝒓𝒂𝒔 :stargif:

Clementine Hunter pasó medio siglo recogiendo algodón.
Literalmente medio siglo.
Desde niña hasta bien entrada la madurez, con el sol de Luisiana cayéndole encima y una vida que no dejaba espacio para soñar.
No sabía leer, no sabía escribir y nunca pudo firmar su nombre.
El sistema ya había decidido quién era y hasta dónde podía llegar.

Y entonces, a los 53 años, encontró unos tubos de pintura tirados a la basura.

No buscaba convertirse en artista.
Ni en referente.
Ni en nada parecido.
Simplemente pensó que era una pena desperdiciar esos colores.
Así que pintó.
En una persiana vieja.
Luego en cartones, botellas, tapas de frascos, lo que hubiera a mano.
Pintó lo único que conocía: su mundo.
Bautismos en el río Cane, días de lavado, bodas, funerales, bailes del sábado, campos de algodón.

Mientras los museos miraban a otro lado, Clementine estaba dejando un archivo visual irreemplazable de la vida criolla negra del sur de Estados Unidos.
Sin academicismos.
Sin perspectiva “correcta”. Sin pedir permiso.

Los críticos la llamaron “primitiva”, “ingenua”, “arte popular”.
Como si eso fuera un límite.
Ella siguió pintando.
Más de 5.000 obras.
Trabajando.
Criando hijos.
Viviendo en la pobreza.
Pintando hasta casi los 101 años.

Sus cuadros se vendían por centavos mientras empezaban a falsificarlos.
Su firma —una C y una H al revés, entrelazadas— se convirtió en símbolo de autenticidad. Irónico para alguien a quien le negaron las letras toda su vida.

Hoy su obra está en el Smithsonian.
Hay un día oficial con su nombre.
Se estudia su trabajo como preservación cultural esencial.
El reconocimiento llegó tarde, sí.
Demasiado tarde para cambiar su vida material.
Pero llegó.

Clementine Hunter no intentó pintar como los maestros europeos.
Estaba haciendo algo mucho más radical: asegurarse de que su gente no desapareciera de la historia.
Demostró que la creatividad no necesita títulos, ni juventud, ni dinero.
Solo memoria, constancia y la obstinación de pintar incluso cuando solo tienes una persiana vieja.

Le negaron la educación.
Así que escribió la historia con pinceles.

Murió el 1 de enero de 1988, en Natchitoches, Luisiana, con 101 años.
Su muerte fue natural, consecuencia de la edad.
Había pintado hasta apenas un mes antes de fallecer.
No dejó de crear mientras tuvo fuerzas, como si pintar fuera simplemente otra forma de respirar.

Cerró los ojos sin haber salido casi nunca de su tierra, sin haber visto en persona muchos de los museos que hoy conservan su obra.
Pero dejó algo mucho más duradero: un testimonio visual completo de una comunidad que el arte oficial había decidido ignorar.

▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣

#clementinehunter #historiadelarte #artepopular #resiliencia #memoriahistorica #arteyfeminismo #arteafroamericano #historiaolvidada #creatividad #arteconalma

:stargif: 𝑪𝒍𝒆𝒎𝒆𝒏𝒕𝒊𝒏𝒆 𝑯𝒖𝒏𝒕𝒆𝒓: 𝑳𝒂 𝒎𝒖𝒋𝒆𝒓 𝒒𝒖𝒆 𝒑𝒊𝒏𝒕𝒐́ 𝒍𝒂 𝒉𝒊𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒄𝒖𝒂𝒏𝒅𝒐 𝒍𝒆 𝒏𝒆𝒈𝒂𝒓𝒐𝒏 𝒍𝒂𝒔 𝒍𝒆𝒕𝒓𝒂𝒔 :stargif:

Clementine Hunter pasó medio siglo recogiendo algodón.
Literalmente medio siglo.
Desde niña hasta bien entrada la madurez, con el sol de Luisiana cayéndole encima y una vida que no dejaba espacio para soñar.
No sabía leer, no sabía escribir y nunca pudo firmar su nombre.
El sistema ya había decidido quién era y hasta dónde podía llegar.

Y entonces, a los 53 años, encontró unos tubos de pintura tirados a la basura.

No buscaba convertirse en artista.
Ni en referente.
Ni en nada parecido.
Simplemente pensó que era una pena desperdiciar esos colores.
Así que pintó.
En una persiana vieja.
Luego en cartones, botellas, tapas de frascos, lo que hubiera a mano.
Pintó lo único que conocía: su mundo.
Bautismos en el río Cane, días de lavado, bodas, funerales, bailes del sábado, campos de algodón.

Mientras los museos miraban a otro lado, Clementine estaba dejando un archivo visual irreemplazable de la vida criolla negra del sur de Estados Unidos.
Sin academicismos.
Sin perspectiva “correcta”. Sin pedir permiso.

Los críticos la llamaron “primitiva”, “ingenua”, “arte popular”.
Como si eso fuera un límite.
Ella siguió pintando.
Más de 5.000 obras.
Trabajando.
Criando hijos.
Viviendo en la pobreza.
Pintando hasta casi los 101 años.

Sus cuadros se vendían por centavos mientras empezaban a falsificarlos.
Su firma —una C y una H al revés, entrelazadas— se convirtió en símbolo de autenticidad. Irónico para alguien a quien le negaron las letras toda su vida.

Hoy su obra está en el Smithsonian.
Hay un día oficial con su nombre.
Se estudia su trabajo como preservación cultural esencial.
El reconocimiento llegó tarde, sí.
Demasiado tarde para cambiar su vida material.
Pero llegó.

Clementine Hunter no intentó pintar como los maestros europeos.
Estaba haciendo algo mucho más radical: asegurarse de que su gente no desapareciera de la historia.
Demostró que la creatividad no necesita títulos, ni juventud, ni dinero.
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Le negaron la educación.
Así que escribió la historia con pinceles.

Murió el 1 de enero de 1988, en Natchitoches, Luisiana, con 101 años.
Su muerte fue natural, consecuencia de la edad.
Había pintado hasta apenas un mes antes de fallecer.
No dejó de crear mientras tuvo fuerzas, como si pintar fuera simplemente otra forma de respirar.

Cerró los ojos sin haber salido casi nunca de su tierra, sin haber visto en persona muchos de los museos que hoy conservan su obra.
Pero dejó algo mucho más duradero: un testimonio visual completo de una comunidad que el arte oficial había decidido ignorar.

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El sistema ya había decidido quién era y hasta dónde podía llegar.

Y entonces, a los 53 años, encontró unos tubos de pintura tirados a la basura.

No buscaba convertirse en artista.
Ni en referente.
Ni en nada parecido.
Simplemente pensó que era una pena desperdiciar esos colores.
Así que pintó.
En una persiana vieja.
Luego en cartones, botellas, tapas de frascos, lo que hubiera a mano.
Pintó lo único que conocía: su mundo.
Bautismos en el río Cane, días de lavado, bodas, funerales, bailes del sábado, campos de algodón.

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Como si eso fuera un límite.
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La capital del país celebra el Gran Desfile de Muertos

Ciudad de México honra la vida y la memoria en el Desfile de Día de Muertos, reafirmando su identidad y creatividad popular.

Por Fausto Hernández | Reportero                                                       

El gran Desfile de Día de Muertos 2025 reunió a más de un millón 450 mil personas en el corazón de la capital. La ceremonia fue encabezada por Clara Brugada Molina, presidente de la Ciudad de México, quien subrayó la importancia de mantener viva una tradición que trasciende el tiempo.

Desde la Puerta de los Leones, junto al Paseo de la Reforma, Brugada Molina señaló que el Día de Muertos representa una herencia espiritual que une al pueblo mexicano. Aseguró que esta festividad simboliza la continuidad entre la vida y la muerte, una expresión que habita en cada flor de cempasúchil.

El desfile se convirtió en una expresión colectiva donde miles de artistas, músicos y familias se congregaron. Visitantes nacionales y extranjeros llenaron las calles para admirar carros alegóricos, catrinas monumentales y comparsas multicolores que rindieron tributo a personajes emblemáticos.

Tradición y memoria viva

El recorrido de 8.7 kilómetros evocó momentos esenciales de la historia mexicana. Entre los homenajes se recordaron figuras como Carlos Monsiváis, Paquita la del Barrio, Tongolele y Rockdrigo González, íconos que dejaron huella en la cultura popular y siguen inspirando a nuevas generaciones.

El evento también recordó la fundación de la Gran México-Tenochtitlán, ocurrida hace 700 años, y el sismo de 1985, símbolo de resiliencia ciudadana. Las comparsas y colectivos plasmaron en sus obras la historia, la memoria y la fuerza del pueblo capitalino.

Brugada Molina resaltó que el Desfile de Día de Muertos no es solo un espectáculo, sino una manifestación de identidad nacional. “Cada carro alegórico, cada danza, cada canción refleja el espíritu solidario y creativo de nuestra ciudad”, afirmó ante miles de asistentes.

Cultura que une comunidades

Más de ocho mil participantes integraron el desfile, provenientes de colectivos artísticos, comunidades culturales y centros educativos. En la edición 2025 se incluyeron más de 50 comparsas, batucadas, carnavales y contingentes de diferentes estados del país.

Instituciones como la Red de Fábricas de Artes y Oficios (Faros), los programas culturales de Pilares y las Utopías participaron activamente. Estos espacios han impulsado la formación artística de jóvenes, artesanos y maestros que promueven la cultura como herramienta de transformación social.

“En cada obra están las manos de nuestras artesanas, de los cartoneros, de los talleres comunitarios”, expresó Brugada Molina. Agradeció el esfuerzo colectivo que convirtió al desfile en una experiencia inclusiva, donde la creatividad popular construyó un puente entre el pasado y el presente.

Celebración con identidad mexicana

El desfile arrancó puntualmente a las 14:00 horas con el carro alegórico “Corazón de Tenochtitlan: 700 años”, creado por el taller El Volador. Dos serpientes emplumadas, un águila sobre el nopal y el Huey Teocalli simbolizaron la raíz prehispánica de la Ciudad de México.

Niños, jóvenes y adultos acompañaron el paso de las comparsas entre aplausos, música y color. Turistas de distintos países fotografiaron cada escena, llevándose una muestra del amor que los mexicanos profesan por sus tradiciones y por sus muertos.

El recorrido estuvo dividido en nueve bloques temáticos: 700 años, El último viaje, Faros, De México para el mundo, Comunitaria, Utopías, Tradición y renovación, La gran Ciudad de México y el bloque del Injuve, todos unidos por un mensaje de orgullo y memoria. –sn–

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Tradición y memoria viva

El recorrido de 8.7 kilómetros evocó momentos esenciales de la historia mexicana. Entre los homenajes se recordaron figuras como Carlos Monsiváis, Paquita la del Barrio, Tongolele y Rockdrigo González, íconos que dejaron huella en la cultura popular y siguen inspirando a nuevas generaciones.

El evento también recordó la fundación de la Gran México-Tenochtitlán, ocurrida hace 700 años, y el sismo de 1985, símbolo de resiliencia ciudadana. Las comparsas y colectivos plasmaron en sus obras la historia, la memoria y la fuerza del pueblo capitalino.

Brugada Molina resaltó que el Desfile de Día de Muertos no es solo un espectáculo, sino una manifestación de identidad nacional. “Cada carro alegórico, cada danza, cada canción refleja el espíritu solidario y creativo de nuestra ciudad”, afirmó ante miles de asistentes.

Cultura que une comunidades

Más de ocho mil participantes integraron el desfile, provenientes de colectivos artísticos, comunidades culturales y centros educativos. En la edición 2025 se incluyeron más de 50 comparsas, batucadas, carnavales y contingentes de diferentes estados del país.

Instituciones como la Red de Fábricas de Artes y Oficios (Faros), los programas culturales de Pilares y las Utopías participaron activamente. Estos espacios han impulsado la formación artística de jóvenes, artesanos y maestros que promueven la cultura como herramienta de transformación social.

“En cada obra están las manos de nuestras artesanas, de los cartoneros, de los talleres comunitarios”, expresó Brugada Molina. Agradeció el esfuerzo colectivo que convirtió al desfile en una experiencia inclusiva, donde la creatividad popular construyó un puente entre el pasado y el presente.

Celebración con identidad mexicana

El desfile arrancó puntualmente a las 14:00 horas con el carro alegórico “Corazón de Tenochtitlan: 700 años”, creado por el taller El Volador. Dos serpientes emplumadas, un águila sobre el nopal y el Huey Teocalli simbolizaron la raíz prehispánica de la Ciudad de México.

Niños, jóvenes y adultos acompañaron el paso de las comparsas entre aplausos, música y color. Turistas de distintos países fotografiaron cada escena, llevándose una muestra del amor que los mexicanos profesan por sus tradiciones y por sus muertos.

El recorrido estuvo dividido en nueve bloques temáticos: 700 años, El último viaje, Faros, De México para el mundo, Comunitaria, Utopías, Tradición y renovación, La gran Ciudad de México y el bloque del Injuve, todos unidos por un mensaje de orgullo y memoria. –sn–

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La capital del país celebra el Gran Desfile de Muertos

Ciudad de México honra la vida y la memoria en el Desfile de Día de Muertos, reafirmando su identidad y creatividad popular.

Por Fausto Hernández | Reportero                                                       

El gran Desfile de Día de Muertos 2025 reunió a más de un millón 450 mil personas en el corazón de la capital. La ceremonia fue encabezada por Clara Brugada Molina, presidente de la Ciudad de México, quien subrayó la importancia de mantener viva una tradición que trasciende el tiempo.

Desde la Puerta de los Leones, junto al Paseo de la Reforma, Brugada Molina señaló que el Día de Muertos representa una herencia espiritual que une al pueblo mexicano. Aseguró que esta festividad simboliza la continuidad entre la vida y la muerte, una expresión que habita en cada flor de cempasúchil.

El desfile se convirtió en una expresión colectiva donde miles de artistas, músicos y familias se congregaron. Visitantes nacionales y extranjeros llenaron las calles para admirar carros alegóricos, catrinas monumentales y comparsas multicolores que rindieron tributo a personajes emblemáticos.

Tradición y memoria viva

El recorrido de 8.7 kilómetros evocó momentos esenciales de la historia mexicana. Entre los homenajes se recordaron figuras como Carlos Monsiváis, Paquita la del Barrio, Tongolele y Rockdrigo González, íconos que dejaron huella en la cultura popular y siguen inspirando a nuevas generaciones.

El evento también recordó la fundación de la Gran México-Tenochtitlán, ocurrida hace 700 años, y el sismo de 1985, símbolo de resiliencia ciudadana. Las comparsas y colectivos plasmaron en sus obras la historia, la memoria y la fuerza del pueblo capitalino.

Brugada Molina resaltó que el Desfile de Día de Muertos no es solo un espectáculo, sino una manifestación de identidad nacional. “Cada carro alegórico, cada danza, cada canción refleja el espíritu solidario y creativo de nuestra ciudad”, afirmó ante miles de asistentes.

Cultura que une comunidades

Más de ocho mil participantes integraron el desfile, provenientes de colectivos artísticos, comunidades culturales y centros educativos. En la edición 2025 se incluyeron más de 50 comparsas, batucadas, carnavales y contingentes de diferentes estados del país.

Instituciones como la Red de Fábricas de Artes y Oficios (Faros), los programas culturales de Pilares y las Utopías participaron activamente. Estos espacios han impulsado la formación artística de jóvenes, artesanos y maestros que promueven la cultura como herramienta de transformación social.

“En cada obra están las manos de nuestras artesanas, de los cartoneros, de los talleres comunitarios”, expresó Brugada Molina. Agradeció el esfuerzo colectivo que convirtió al desfile en una experiencia inclusiva, donde la creatividad popular construyó un puente entre el pasado y el presente.

Celebración con identidad mexicana

El desfile arrancó puntualmente a las 14:00 horas con el carro alegórico “Corazón de Tenochtitlan: 700 años”, creado por el taller El Volador. Dos serpientes emplumadas, un águila sobre el nopal y el Huey Teocalli simbolizaron la raíz prehispánica de la Ciudad de México.

Niños, jóvenes y adultos acompañaron el paso de las comparsas entre aplausos, música y color. Turistas de distintos países fotografiaron cada escena, llevándose una muestra del amor que los mexicanos profesan por sus tradiciones y por sus muertos.

El recorrido estuvo dividido en nueve bloques temáticos: 700 años, El último viaje, Faros, De México para el mundo, Comunitaria, Utopías, Tradición y renovación, La gran Ciudad de México y el bloque del Injuve, todos unidos por un mensaje de orgullo y memoria. –sn–

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La capital del país celebra el Gran Desfile de Muertos

Ciudad de México honra la vida y la memoria en el Desfile de Día de Muertos, reafirmando su identidad y creatividad popular.

Por Fausto Hernández | Reportero                                                       

El gran Desfile de Día de Muertos 2025 reunió a más de un millón 450 mil personas en el corazón de la capital. La ceremonia fue encabezada por Clara Brugada Molina, presidente de la Ciudad de México, quien subrayó la importancia de mantener viva una tradición que trasciende el tiempo.

Desde la Puerta de los Leones, junto al Paseo de la Reforma, Brugada Molina señaló que el Día de Muertos representa una herencia espiritual que une al pueblo mexicano. Aseguró que esta festividad simboliza la continuidad entre la vida y la muerte, una expresión que habita en cada flor de cempasúchil.

El desfile se convirtió en una expresión colectiva donde miles de artistas, músicos y familias se congregaron. Visitantes nacionales y extranjeros llenaron las calles para admirar carros alegóricos, catrinas monumentales y comparsas multicolores que rindieron tributo a personajes emblemáticos.

Tradición y memoria viva

El recorrido de 8.7 kilómetros evocó momentos esenciales de la historia mexicana. Entre los homenajes se recordaron figuras como Carlos Monsiváis, Paquita la del Barrio, Tongolele y Rockdrigo González, íconos que dejaron huella en la cultura popular y siguen inspirando a nuevas generaciones.

El evento también recordó la fundación de la Gran México-Tenochtitlán, ocurrida hace 700 años, y el sismo de 1985, símbolo de resiliencia ciudadana. Las comparsas y colectivos plasmaron en sus obras la historia, la memoria y la fuerza del pueblo capitalino.

Brugada Molina resaltó que el Desfile de Día de Muertos no es solo un espectáculo, sino una manifestación de identidad nacional. “Cada carro alegórico, cada danza, cada canción refleja el espíritu solidario y creativo de nuestra ciudad”, afirmó ante miles de asistentes.

Cultura que une comunidades

Más de ocho mil participantes integraron el desfile, provenientes de colectivos artísticos, comunidades culturales y centros educativos. En la edición 2025 se incluyeron más de 50 comparsas, batucadas, carnavales y contingentes de diferentes estados del país.

Instituciones como la Red de Fábricas de Artes y Oficios (Faros), los programas culturales de Pilares y las Utopías participaron activamente. Estos espacios han impulsado la formación artística de jóvenes, artesanos y maestros que promueven la cultura como herramienta de transformación social.

“En cada obra están las manos de nuestras artesanas, de los cartoneros, de los talleres comunitarios”, expresó Brugada Molina. Agradeció el esfuerzo colectivo que convirtió al desfile en una experiencia inclusiva, donde la creatividad popular construyó un puente entre el pasado y el presente.

Celebración con identidad mexicana

El desfile arrancó puntualmente a las 14:00 horas con el carro alegórico “Corazón de Tenochtitlan: 700 años”, creado por el taller El Volador. Dos serpientes emplumadas, un águila sobre el nopal y el Huey Teocalli simbolizaron la raíz prehispánica de la Ciudad de México.

Niños, jóvenes y adultos acompañaron el paso de las comparsas entre aplausos, música y color. Turistas de distintos países fotografiaron cada escena, llevándose una muestra del amor que los mexicanos profesan por sus tradiciones y por sus muertos.

El recorrido estuvo dividido en nueve bloques temáticos: 700 años, El último viaje, Faros, De México para el mundo, Comunitaria, Utopías, Tradición y renovación, La gran Ciudad de México y el bloque del Injuve, todos unidos por un mensaje de orgullo y memoria. –sn–

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¡#Tradición y #Color! ✨ El Desfile de Alebrijes Monumentales llenó de magia, creatividad y folclore el Centro Histórico de la CDMX. Conoce los detalles de esta celebración artística que cautivó a miles de asistentes en la nota. #Alebrijes #Desfile #CulturaCDMX #ArtePopular

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Venezuela celebra la canonización de José Gregorio Hernández y Carmen Rendiles

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"Borboletando"

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