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Alebrijes iluminados llenan de magia y color el Centro Histórico de CDMX
Los alebrijes iluminados llenaron de magia, luz y color el Centro Histórico de la Ciudad de México. El Paseo de Alebrijes Iluminados reunió a cientos de visitantes en la Alameda Central para celebrar el arte popular mexicano. 🎨✨ #Alebrijes #CDMX #ArtePopular #El Universal----------------------------------------------------------------------------------------------------------- MÁS NOTICIAS EN:…
Movimento de artistas do RJ lança manifesto em defesa do Centro Cultural dos Correios
Lorraine Pinto
Por: Thelma Morales García
Llegó a nuestro país para estudiar español, todo México le parecía lleno de riqueza cultural, pero al probar nuestros platillos típicos a los que no estaba acostumbrada por la sazón tan condimentada y picante, se enfermó y tuvieron que llamar a un médico, ese momento marcó su vida futura, pues se enamoró del doctor y se casó con él, tuvieron dos hijas: Jenny y Gaby. Su creatividad siempre presente, le permitió realizar su gran obra plástica.
Hoy museos tan importantes como el Museo de Arte Moderno en la ciudad de México exhiben sus obras. Sus esculturas se pueden apreciar también en Cancún donde la Glorieta conocida popularmente por quienes ahí viven como “El ceviche” fue gran motivo de orgullo, en realidad su nombre es “Fuente de los caracoles y las estrellas”, misma que en 2013 fue rehabilitada por el Ayuntamiento de Benito Juárez, Quintana Roo.
Lorraine Pinto, nació el 7 de noviembre de 1933 en Nueva York, Estados Unidos y desde 1953 se quedó a vivir en nuestro país; México le abrió los brazos y le mostró su enorme riqueza, en respuesta ella le dio a nuestro país hermosas esculturas que se encuentran en diferentes Estados, como la Fuente de “Los Delfines” que se ubica en la Glorieta de la playa “La Ropa” en Ixtapa Zihuatanejo en el Estado de Guerrero; y la obra “Peces” que se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, en la ciudad de México, por cierto, fue amiga cercana de Tamayo y su esposa Olga.
También realizó bustos de bronce para personajes como el de Rufino Tamayo; el de Mario Moreno “Cantinflas” solicitado por la ANDA y en el 2009 el dedicado al maestro Luis Nishizawa por su cumpleaños 91 y que se develó en el Museo-Taller Luis Nishizawa, en la ciudad de Toluca en el mes de febrero, que coincidió con el cumpleaños de maestro Nishizawa.
En 2012, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México realizó la exposición de los “Precursores del arte cinético”, entre los que destacaron: David Alfaro Siqueiros, Mathias Goeritz, Germán Cueto, Diego Matthai, Xavier Esqueda, Pedro Friedeberg, Ernesto Mallard, Feliciano Béjar, Víctor Vasarely, Víctor Morales, Rogelio Polesello, Hersúa, Francisco Moyao, Luis Urías, Enrique Bostelmann, Federico Silva, Manuel Felguérez, Ramiro Chaves, Sebastian y la única mujer Lorraine Pinto.
Este arte se desarrolló durante las décadas de los sesenta y setenta, se basaba fundamentalmente en el movimiento y la transformación. La definición de cinético se desprende de la palabra griega Kino que significa movimiento; también se le conoce como arte óptico, pues la piezas creadas se realizaron con componentes mecánicos, luminosos y sonoros. Tuve la oportunidad de estar presente en el recorrido de dicha exposición, con la maestra Lorraine Pinto; quien nos explicó que de este arte se desprende aquella bola llena de cristales que se colocaba en la pista de las Discotecas, el ícono de ese tiempo era el actor John Travolta ataviado con un traje blanco y bailando para la película “Fiebre de sábado por la noche”.
Yo conocí a la maestra Lorraine Pinto, en el año 2008 porque existía una faceta de su obra casi desconocida hasta ese momento y estaba relacionada con la gran admiración que ella sentía por todas las manifestaciones populares de nuestro país, como es el arte popular y la artesanía, por ello comenzó a coleccionar piezas de artesanía que compraba en sus viajes por México, pero un día su hija Gaby le mostró una caja de cristal donde se observaba una ofrenda en miniatura dedicada al Día de Muertos; en ese momento se le ocurrió que podía armar una caja de madera donde pudiera conservar esas piezas artesanales que tanto admiraba, así comenzó lo que sería una colección de cajas temáticas que muestran una composición hecha desde lo más profundo del alma de la pintora.
Cada caja muestra las piezas perfectamente acomodadas y que en conjunto realzan la belleza de la composición, los temas en los que Lorraine Pinto se inspiró, le dieron el título a cada obra como: “Chiapas”, “Árbol de la vida”, “La Lotería”, “Frutos”, “Fiesta Mexicana”, “Ecología 1 y 2”, “Comprando para el Día de Muertos”, “El Caribe”, “El Mercado”, “El baile de Día de Muertos”, “Día del Niño”, “16 de Septiembre”, “La Fiesta Brava”, “El deporte mexicano” y “La Revolución”.
También realizó varios cuadros inspirándose en el arte plumario de México; sabemos que antes de la llegada de los españoles al nuevo mundo y gracias a las estelas mayas que aún se conservan, nuestro pueblo cultivaba el arte plumario, gracias a que en nuestro territorio había incontables especies de aves como el quetzal y que Moctezuma exigía a los pueblos como tributo, también algunos cronistas de la época hablan de los numerosos vestidos ofrecidos a Cortés y que en la actualidad sólo aparece en la artesanía textil de Zinacantán, Chiapas en el Huipil de boda que utilizan las indígenas y los rebozos de plumas de Ahuirán, Michoacán. La belleza de los cuadros de Lorraine Pinto muestran ese arte plumario ya casi desaparecido en nuestro país y que ella utilizó como una forma de admiración hacia nuestra cultura y una forma de rescate de este arte.
Nuestra amistad nació de ese gusto en común por el arte popular mexicano, en ella encontré a una mujer sabia, de gran creatividad, admiradora de las costumbres de nuestro país, gran artista, pero fundamentalmente una gran mujer y madre admirable. La última vez que platiqué con ella fue el dos de julio de 2026, su voz siempre tan entrañable para mí al decirme que debíamos de reunirnos para platicar de tantas noticias y novedades. Mi querida amiga falleció el 20 de julio y como agradecimiento por todos los momentos compartidos, dejo estas líneas como testimonio del gran legado que hoy forma parte del patrimonio artístico de nuestro país.
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:stargif: 𝑪𝒍𝒆𝒎𝒆𝒏𝒕𝒊𝒏𝒆 𝑯𝒖𝒏𝒕𝒆𝒓: 𝑳𝒂 𝒎𝒖𝒋𝒆𝒓 𝒒𝒖𝒆 𝒑𝒊𝒏𝒕𝒐́ 𝒍𝒂 𝒉𝒊𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒄𝒖𝒂𝒏𝒅𝒐 𝒍𝒆 𝒏𝒆𝒈𝒂𝒓𝒐𝒏 𝒍𝒂𝒔 𝒍𝒆𝒕𝒓𝒂𝒔 :stargif:
Clementine Hunter pasó medio siglo recogiendo algodón.
Literalmente medio siglo.
Desde niña hasta bien entrada la madurez, con el sol de Luisiana cayéndole encima y una vida que no dejaba espacio para soñar.
No sabía leer, no sabía escribir y nunca pudo firmar su nombre.
El sistema ya había decidido quién era y hasta dónde podía llegar.
Y entonces, a los 53 años, encontró unos tubos de pintura tirados a la basura.
No buscaba convertirse en artista.
Ni en referente.
Ni en nada parecido.
Simplemente pensó que era una pena desperdiciar esos colores.
Así que pintó.
En una persiana vieja.
Luego en cartones, botellas, tapas de frascos, lo que hubiera a mano.
Pintó lo único que conocía: su mundo.
Bautismos en el río Cane, días de lavado, bodas, funerales, bailes del sábado, campos de algodón.
Mientras los museos miraban a otro lado, Clementine estaba dejando un archivo visual irreemplazable de la vida criolla negra del sur de Estados Unidos.
Sin academicismos.
Sin perspectiva “correcta”. Sin pedir permiso.
Los críticos la llamaron “primitiva”, “ingenua”, “arte popular”.
Como si eso fuera un límite.
Ella siguió pintando.
Más de 5.000 obras.
Trabajando.
Criando hijos.
Viviendo en la pobreza.
Pintando hasta casi los 101 años.
Sus cuadros se vendían por centavos mientras empezaban a falsificarlos.
Su firma —una C y una H al revés, entrelazadas— se convirtió en símbolo de autenticidad. Irónico para alguien a quien le negaron las letras toda su vida.
Hoy su obra está en el Smithsonian.
Hay un día oficial con su nombre.
Se estudia su trabajo como preservación cultural esencial.
El reconocimiento llegó tarde, sí.
Demasiado tarde para cambiar su vida material.
Pero llegó.
Clementine Hunter no intentó pintar como los maestros europeos.
Estaba haciendo algo mucho más radical: asegurarse de que su gente no desapareciera de la historia.
Demostró que la creatividad no necesita títulos, ni juventud, ni dinero.
Solo memoria, constancia y la obstinación de pintar incluso cuando solo tienes una persiana vieja.
Le negaron la educación.
Así que escribió la historia con pinceles.
Murió el 1 de enero de 1988, en Natchitoches, Luisiana, con 101 años.
Su muerte fue natural, consecuencia de la edad.
Había pintado hasta apenas un mes antes de fallecer.
No dejó de crear mientras tuvo fuerzas, como si pintar fuera simplemente otra forma de respirar.
Cerró los ojos sin haber salido casi nunca de su tierra, sin haber visto en persona muchos de los museos que hoy conservan su obra.
Pero dejó algo mucho más duradero: un testimonio visual completo de una comunidad que el arte oficial había decidido ignorar.
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Invitación al Sexto Festival por la Dignidad de los Pueblos 2025, el mismo ha sido organizado por colectivos y redes latinoamericanas y cuyo objetivo es buscar un espacio de encuentro entre diversas expresiones artísticas y culturales, para visibilizar luchas en toda el Abya Yala.
Sábado 29 de noviembre. Hora: 3pm.
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🎨 ¡Ya abrió! La Bienal Arte/Sano ÷ Artistas 8.0 se inaugura en el Museo de Arte Popular (MAP). Una exposición que fusiona el arte popular con el arte contemporáneo. ¡Visítala en la CDMX! #Artesanía #MAP #ArtePopular https://zurl.co/Cv8Rp
La capital del país celebra el Gran Desfile de Muertos
Ciudad de México honra la vida y la memoria en el Desfile de Día de Muertos, reafirmando su identidad y creatividad popular.
Por Fausto Hernández | Reportero
El gran Desfile de Día de Muertos 2025 reunió a más de un millón 450 mil personas en el corazón de la capital. La ceremonia fue encabezada por Clara Brugada Molina, presidente de la Ciudad de México, quien subrayó la importancia de mantener viva una tradición que trasciende el tiempo.
Desde la Puerta de los Leones, junto al Paseo de la Reforma, Brugada Molina señaló que el Día de Muertos representa una herencia espiritual que une al pueblo mexicano. Aseguró que esta festividad simboliza la continuidad entre la vida y la muerte, una expresión que habita en cada flor de cempasúchil.
El desfile se convirtió en una expresión colectiva donde miles de artistas, músicos y familias se congregaron. Visitantes nacionales y extranjeros llenaron las calles para admirar carros alegóricos, catrinas monumentales y comparsas multicolores que rindieron tributo a personajes emblemáticos.
Tradición y memoria viva
El recorrido de 8.7 kilómetros evocó momentos esenciales de la historia mexicana. Entre los homenajes se recordaron figuras como Carlos Monsiváis, Paquita la del Barrio, Tongolele y Rockdrigo González, íconos que dejaron huella en la cultura popular y siguen inspirando a nuevas generaciones.
El evento también recordó la fundación de la Gran México-Tenochtitlán, ocurrida hace 700 años, y el sismo de 1985, símbolo de resiliencia ciudadana. Las comparsas y colectivos plasmaron en sus obras la historia, la memoria y la fuerza del pueblo capitalino.
Brugada Molina resaltó que el Desfile de Día de Muertos no es solo un espectáculo, sino una manifestación de identidad nacional. “Cada carro alegórico, cada danza, cada canción refleja el espíritu solidario y creativo de nuestra ciudad”, afirmó ante miles de asistentes.
Cultura que une comunidades
Más de ocho mil participantes integraron el desfile, provenientes de colectivos artísticos, comunidades culturales y centros educativos. En la edición 2025 se incluyeron más de 50 comparsas, batucadas, carnavales y contingentes de diferentes estados del país.
Instituciones como la Red de Fábricas de Artes y Oficios (Faros), los programas culturales de Pilares y las Utopías participaron activamente. Estos espacios han impulsado la formación artística de jóvenes, artesanos y maestros que promueven la cultura como herramienta de transformación social.
“En cada obra están las manos de nuestras artesanas, de los cartoneros, de los talleres comunitarios”, expresó Brugada Molina. Agradeció el esfuerzo colectivo que convirtió al desfile en una experiencia inclusiva, donde la creatividad popular construyó un puente entre el pasado y el presente.
Celebración con identidad mexicana
El desfile arrancó puntualmente a las 14:00 horas con el carro alegórico “Corazón de Tenochtitlan: 700 años”, creado por el taller El Volador. Dos serpientes emplumadas, un águila sobre el nopal y el Huey Teocalli simbolizaron la raíz prehispánica de la Ciudad de México.
Niños, jóvenes y adultos acompañaron el paso de las comparsas entre aplausos, música y color. Turistas de distintos países fotografiaron cada escena, llevándose una muestra del amor que los mexicanos profesan por sus tradiciones y por sus muertos.
El recorrido estuvo dividido en nueve bloques temáticos: 700 años, El último viaje, Faros, De México para el mundo, Comunitaria, Utopías, Tradición y renovación, La gran Ciudad de México y el bloque del Injuve, todos unidos por un mensaje de orgullo y memoria. –sn–
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Fonart honra a artesanos en Día de Muertos
El Fonart rindió homenaje a artesanos fallecidos con una emotiva ofrenda. Tradición y memoria artesanal.
Por Adriana López | Reportera
El aroma del cempasúchil y la luz de las velas llenaron la tienda del Fondo Nacional para el Fomento de las Artesanías (Fonart) en el Complejo Cultural Los Pinos. La institución inauguró la ofrenda “Manos Que Dieron Vida”, dedicada a los artesanos del país que fallecieron.
El acto rindió tributo a quienes moldearon con sus manos identidad, cultura y tradición mexicana. La ofrenda se presentó como un espacio de respeto, memoria y reconocimiento al trabajo artesanal que continúa dando vida al patrimonio cultural.
Durante la ceremonia, la directora general de Fonart, Sonya Santos Garza, señaló que cada pieza artesanal mantiene viva la esencia de su creador. “La muerte no ha podido silenciar sus manos”, expresó durante la inauguración oficial.
Ofrenda y expoventa artesanal
Acompañaron a Santos Garza la directora del Complejo Cultural Los Pinos, Elisa Lemus Cano, y las maestras artesanas Dorotea Sánchez y Marcelina Peralta de Oaxaca, Ángeles Rodríguez de Michoacán y Nayelly Nazareth Córdoba del Estado de México.
Durante el evento, también dio inicio la expoventa artesanal en la Plaza Jacarandas, junto con talleres dirigidos a familias, con el propósito de acercar al público a los procesos creativos de los artesanos.
La ofrenda integró catrinas elaboradas en Capula, Michoacán, representaciones a escala de talleres de barro y textil, así como herramientas y utensilios utilizados por los creadores para confeccionar sus piezas.
Arte, homenaje y espiritualidad
Entre los elementos más significativos se incluyó una selección de piezas provenientes de distintas regiones del país, algunas galardonadas a nivel nacional. Cada una simbolizó la riqueza y diversidad cultural de México.
Además, un espacio ambientado como camposanto fue adornado con flores de cempasúchil y velas encendidas. Su propósito fue iluminar el camino de los artesanos fallecidos y transmitir la espiritualidad de la tradición del Día de Muertos.
El entorno recreó una atmósfera íntima que invitó a los visitantes a reflexionar sobre la herencia cultural transmitida por generaciones de creadores que dedicaron su vida al arte popular. –sn–
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¡#Tradición y #Color! ✨ El Desfile de Alebrijes Monumentales llenó de magia, creatividad y folclore el Centro Histórico de la CDMX. Conoce los detalles de esta celebración artística que cautivó a miles de asistentes en la nota. #Alebrijes #Desfile #CulturaCDMX #ArtePopular
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🐉✨ ¡El Zócalo se llenó de magia y color!
Más de 200 alebrijes monumentales recorrieron las calles del Centro Histórico durante el 17° Desfile del Museo de Arte Popular, acompañados por música, danza y tradición. 🎭
📍 Paseo de la Reforma | 🗓️ En exhibición hasta el 9 de noviembre
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Venezuela celebra la canonización de José Gregorio Hernández y Carmen Rendiles
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Presentan Festival FIEL en barrios históricos de León
Fomentan identidad barrial e integración social. Celebran cultura popular y comunitaria.
Por Erika Muñoz | Corresponsal
Se presentó oficialmente el Festival de las Identidades y Expresiones Leonesas (FIEL) “Semillas del Barrio” en la churrería Las Duyas, ubicada en el Centro Histórico de León. La actividad se organizó para compartir los detalles de esta primera edición. El evento tendrá lugar del 8 al 10 de agosto en los barrios San Juan de Dios, San Juan del Coecillo y Barrio Arriba, con entrada gratuita.
La programación estará dirigida a personas de todas las edades e incluirá talleres, charlas, conciertos, murales y actividades comunitarias. El proyecto es iniciativa de la 14ª generación de la Licenciatura en Artes Escénicas y Producción de Espectáculos de la Universidad de León. Participan Zaida Díaz, María José Torres, Jonathan Morales, Fátima Horta, Johann Martínez, Manuel Jauregui, Kevin Ramírez, Johana Hernández, Mara Arévalo, Óscar Licona, Leonardo Porras, Guillermo Rodríguez y Fermín Villanueva.
Mesa de presentación oficial
Durante la mesa informativa, intervino Leonardo Porras, responsable de contenidos y finanzas del festival. También participaron Zaida Díaz, encargada de Producción, y María José Torres, responsable del diseño de imagen. La artista Brenda Ávalos, maestra acompañante del proceso formativo, estuvo presente como invitada.
Se sumaron también José Jacobo Hermosillo, artesano de nieves tradicionales del barrio San Juan de Dios, y Mariela Álvarez, artista escénica del barrio San Juan del Coecillo. La moderación estuvo a cargo de Johana Hernández, responsable de Relaciones Públicas. Las y los expositores coincidieron en el valor simbólico del encuentro.
Actividades del programa FIEL
Porras explicó que los protagonistas del festival son los habitantes de los barrios, como los maestros de la nieve, panaderos tradicionales y artesanos del calzado. Señaló que FIEL no busca representar la cultura barrial desde afuera, sino abrir un espacio de encuentro horizontal. La intención es visibilizar saberes, oficios y expresiones originarias.
Zaida Díaz dio a conocer el programa por día. El viernes 8 de agosto en Barrio Arriba se impartirá un taller de serigrafía por Felipe González y Miguel Contreras, además de una exposición, mural comunitario, danza folclórica y degustación de pan. El sábado 9, en San Juan del Coecillo, habrá actividades en torno al calzado y un taller de cumbia.
Domingo cultural y mensaje visual
El domingo 10 de agosto en San Juan de Dios, se impartirá una clase de nieves por José Jacobo Hermosillo y habrá mural y concierto del “Dueto Dali’sa”, con Sarahí Olivares “La Golondrina” y Lizy Tavares, seguido de degustación de churros. María José Torres detalló que la identidad visual de FIEL buscó representar lo cotidiano de los barrios.
Explicó que el logotipo del festival fue diseñado como una afirmación estética y política desde el territorio. Cada textura, trazo y color representa a quienes habitan estos espacios. FIEL aspira a ser un espejo que devuelva la mirada a quienes usualmente no aparecen en la narrativa cultural dominante. La estética barrial guió toda la imagen del proyecto.
Participación comunitaria activa
Durante la presentación, José Jacobo Hermosillo compartió su experiencia como artesano y reflexionó sobre la importancia cultural de su comunidad. Recalcó el valor de las tradiciones gastronómicas como las nieves artesanales en el tejido barrial. Su participación incluye una clase muestra como parte del programa del domingo.
Por su parte, Mariela Álvarez, conductora de “Voces León”, dio un mensaje sobre la identidad cultural del Barrio del Coecillo. Compartió su historia de vida y habló sobre el papel que ha jugado la comunidad en su formación personal y artística. La presentación concluyó con un recordatorio: la cultura nace de lo cotidiano y habita los barrios. –sn–
Festival FIEL “Semillas del Barrio” en León¡Conéctate con Sociedad Noticias! Suscríbete a nuestro canal de YouTube y activa las notificaciones, o bien, síguenos en las redes sociales: Facebook, Twitter e Instagram.
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Iba caminando por Reforma y me encontré estos nopales. Mi favorito es el rojo.
