#premiosgoya2026 — Public Fediverse posts
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Tendríamos que hablar seriamente de lo bueno que es Nacho Sánchez. Y llamo hablar a lo que sería describir una realidad pasmosa. Luego, desearle proyectos contundentes, con un peso suficiente para hacerle brillar. Es un actor dotadísimo que, además, tiene unas facciones acomodadizas que le dan para sumergirse en todos los géneros, vigentes y venideros.
La guionista y directora María Herrera fraguó -y logró con ello la nominación al Goya- el corto El cuento de una noche de verano contando con el intérprete y con Olivia Delcán.
Con un guion directo y de regusto ácido, Herrera regala a Delcán y Sánchez dos personajes de los que, como público, no se sale fácilmente pasados sus veinte minutos. ESE tipo de personajes.
Una noche de verano que comienza y termina de cuento, uno carnal, donde el sexo largo y bastante realista (pese a caer en el cliché artificial de guardar los genitales del objetivo con mantas, posturas retorcidas o cambios de plano ad hoc, como si el cuerpo fuese algo extravagante; aunque peor sería usar postizos) se adueña de todo el nudo, en tanto el amanecer llega, o se escapa tras la persiana.
La pasión requiere de contextos, en plural, según las personas y las situaciones. Porque a veces genera el inicio de algo, su fin o, como en el corto, el nudo. Nudo tiene varias acepciones. Así como los lobos del cuento no siempre se disfrazan, a veces obran con su pellejo a la vista. Porque en la intimidad, en carne viva, somos más frágiles, y por tanto los consensos comunes deberían estar sobre la mesa, sobre la cama, y mantenerse firmes antes, durante y después. Si no es así no es acuerdo, sino cuento.
El amanecer siempre nos alcanza, no necesitamos a nadie para admirarlo.
https://www.filmaffinity.com/es/film769965.html
#popazo #cine #cinema #elcuentodeunanochedeverano #cortometraje #drama #movie #movies #film #filme #films #pelicula #premiosGoya2026 #premiosgoya #corto #short #shortmovie #art #sex #sexual #nachosanchez #mariaherrera #oliviadelcan -
Tendríamos que hablar seriamente de lo bueno que es Nacho Sánchez. Y llamo hablar a lo que sería describir una realidad pasmosa. Luego, desearle proyectos contundentes, con un peso suficiente para hacerle brillar. Es un actor dotadísimo que, además, tiene unas facciones acomodadizas que le dan para sumergirse en todos los géneros, vigentes y venideros.
La guionista y directora María Herrera fraguó -y logró con ello la nominación al Goya- el corto El cuento de una noche de verano contando con el intérprete y con Olivia Delcán.
Con un guion directo y de regusto ácido, Herrera regala a Delcán y Sánchez dos personajes de los que, como público, no se sale fácilmente pasados sus veinte minutos. ESE tipo de personajes.
Una noche de verano que comienza y termina de cuento, uno carnal, donde el sexo largo y bastante realista (pese a caer en el cliché artificial de guardar los genitales del objetivo con mantas, posturas retorcidas o cambios de plano ad hoc, como si el cuerpo fuese algo extravagante; aunque peor sería usar postizos) se adueña de todo el nudo, en tanto el amanecer llega, o se escapa tras la persiana.
La pasión requiere de contextos, en plural, según las personas y las situaciones. Porque a veces genera el inicio de algo, su fin o, como en el corto, el nudo. Nudo tiene varias acepciones. Así como los lobos del cuento no siempre se disfrazan, a veces obran con su pellejo a la vista. Porque en la intimidad, en carne viva, somos más frágiles, y por tanto los consensos comunes deberían estar sobre la mesa, sobre la cama, y mantenerse firmes antes, durante y después. Si no es así no es acuerdo, sino cuento.
El amanecer siempre nos alcanza, no necesitamos a nadie para admirarlo.
https://www.filmaffinity.com/es/film769965.html
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Tendríamos que hablar seriamente de lo bueno que es Nacho Sánchez. Y llamo hablar a lo que sería describir una realidad pasmosa. Luego, desearle proyectos contundentes, con un peso suficiente para hacerle brillar. Es un actor dotadísimo que, además, tiene unas facciones acomodadizas que le dan para sumergirse en todos los géneros, vigentes y venideros.
La guionista y directora María Herrera fraguó -y logró con ello la nominación al Goya- el corto El cuento de una noche de verano contando con el intérprete y con Olivia Delcán.
Con un guion directo y de regusto ácido, Herrera regala a Delcán y Sánchez dos personajes de los que, como público, no se sale fácilmente pasados sus veinte minutos. ESE tipo de personajes.
Una noche de verano que comienza y termina de cuento, uno carnal, donde el sexo largo y bastante realista (pese a caer en el cliché artificial de guardar los genitales del objetivo con mantas, posturas retorcidas o cambios de plano ad hoc, como si el cuerpo fuese algo extravagante; aunque peor sería usar postizos) se adueña de todo el nudo, en tanto el amanecer llega, o se escapa tras la persiana.
La pasión requiere de contextos, en plural, según las personas y las situaciones. Porque a veces genera el inicio de algo, su fin o, como en el corto, el nudo. Nudo tiene varias acepciones. Así como los lobos del cuento no siempre se disfrazan, a veces obran con su pellejo a la vista. Porque en la intimidad, en carne viva, somos más frágiles, y por tanto los consensos comunes deberían estar sobre la mesa, sobre la cama, y mantenerse firmes antes, durante y después. Si no es así no es acuerdo, sino cuento.
El amanecer siempre nos alcanza, no necesitamos a nadie para admirarlo.
https://www.filmaffinity.com/es/film769965.html
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Premios Goya 2026: 40 años premiando el séptimo arte | #RollingStoneES
https://es.rollingstone.com/premios-goya-2026-40-anos-premiando-el-septimo-arte/
#barcelona #cine #cineytv #españa #goya #noticia #peliculas #premiosgoya #premiosgoya2026
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Premios Goya 2026: 40 años premiando el séptimo arte | #RollingStoneES
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Dolores Fonzi en la entrega de los premios Goya: “La ultraderecha vino a destruirlo todo” | #RollingStoneES
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Dolores Fonzi en la entrega de los premios Goya: “La ultraderecha vino a destruirlo todo” | #RollingStoneES
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¿Y ahora qué hacemos con este subidón, con esta gala tan "rápida" que nos ha tenido casi sin resuello comentando? ¿Nos ponemos a ver un capi de El súper?
#premiosGoya2026 #goya2026 #premiosgoya
https://www.filmaffinity.com/es/film472383.html -
Salgo del armario goyesco, aquí mi porrilla.
#premiosGoya2026 #goya2026 #premiosgoya -
Por momentos Tosar entonó como si encarnara a una persona ebria.
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Si La cena funciona tan bien es, en enorme medida, por su guion, para nada baladí. Una comedia con fondo, uno muy bien posicionado, que se ve del tirón.
#premiosGoya2026 #goya2026 #premiosgoya -
Decorado, justo ese cine que tanto necesitamos. Cero complaciente y enteramente comprometido. No es para todo el mundo pero todo el mundo debería intentar asomarse a él y pensar en lo que cuenta. 👏🏻
#premiosGoya2026 #goya2026 #premiosgoya -
📌Campamentos de verano 2026
📌“Mi amigo de hojalata”: teatro, títeres y multimedia para toda la familia en Carabanchel
📌Premios Goya 2026: películas, nominados, presentadores, trailers
📌II Feria del Cómic en Madrid con entrada gratuita y 10% de descuento en compras
https://carabanchel.net/
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https://www.europesays.com/es/418883/ Luisa Mayol: una década de amor junto a Luis Tosar, una carrera en dos continentes y Nala, el nuevo miembro de la familia que les ha robado el corazón #Celebrities #Cine #CineEspañol #Entertainment #Entretenimiento #ES #España #Famosos #LuisTosar #PremiosGoya2026 #Spain
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La memoria enraíza. Sin testimonios perdemos la oportunidad de tocar los orígenes.
Lo que hace Cristina Urgel en el corto La conversación que nunca tuvimos es agarrar un material exiguo y dialogar con él. Así, un entrañable espectro de su pasado reciente, se sienta a la mesa camilla cuando ya parecía pertenecer a ese otro espacio que es el recuerdo, para darles las claves de sus vidas.
Porque lo que no se dice mancha -al menos- tanto como lo expuesto. Y las manchas hay que lavarlas, al menos probar a ver si salen, para quedarse en paz.
Con una breve grabación de la abuela Celia ("Qué me iban a decir: ¡Puta!), la directora y su madre completan medias confesiones que asimilan con tragos de café. Unas notas de voz y unos diálogos derivados de ellas -también parcos, muy castellanos que diría Cristina- marcan el desarrollo, donde tanto el tono como el color de voz de la abuela y de la madre (Cristina, con acierto cinematográfico, ejerce de narradora y guía), clavan y expanden los significados que responden al de dónde venimos anhelado.
El corto evita los rodeos y las emociones desbordadas, y es que no podía hacerse de otra manera, hubiera sido hacerle un feo al sentir castellano de la abuela.
https://www.filmaffinity.com/es/film413071.html
#popazo #cine #cinema #laconversacionquenuncatuvimos #cortometraje #drama #movie #movies #film #filme #films #pelicula #premiosGoya2026 #premiosgoya #corto #short #shortmovie #art #cristinaurgel #familia #family -
La memoria enraíza. Sin testimonios perdemos la oportunidad de tocar los orígenes.
Lo que hace Cristina Urgel en el corto La conversación que nunca tuvimos es agarrar un material exiguo y dialogar con él. Así, un entrañable espectro de su pasado reciente, se sienta a la mesa camilla cuando ya parecía pertenecer a ese otro espacio que es el recuerdo, para darles las claves de sus vidas.
Porque lo que no se dice mancha -al menos- tanto como lo expuesto. Y las manchas hay que lavarlas, al menos probar a ver si salen, para quedarse en paz.
Con una breve grabación de la abuela Celia ("Qué me iban a decir: ¡Puta!), la directora y su madre completan medias confesiones que asimilan con tragos de café. Unas notas de voz y unos diálogos derivados de ellas -también parcos, muy castellanos que diría Cristina- marcan el desarrollo, donde tanto el tono como el color de voz de la abuela y de la madre (Cristina, con acierto cinematográfico, ejerce de narradora y guía), clavan y expanden los significados que responden al de dónde venimos anhelado.
El corto evita los rodeos y las emociones desbordadas, y es que no podía hacerse de otra manera, hubiera sido hacerle un feo al sentir castellano de la abuela.
https://www.filmaffinity.com/es/film413071.html
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La memoria enraíza. Sin testimonios perdemos la oportunidad de tocar los orígenes.
Lo que hace Cristina Urgel en el corto La conversación que nunca tuvimos es agarrar un material exiguo y dialogar con él. Así, un entrañable espectro de su pasado reciente, se sienta a la mesa camilla cuando ya parecía pertenecer a ese otro espacio que es el recuerdo, para darles las claves de sus vidas.
Porque lo que no se dice mancha -al menos- tanto como lo expuesto. Y las manchas hay que lavarlas, al menos probar a ver si salen, para quedarse en paz.
Con una breve grabación de la abuela Celia ("Qué me iban a decir: ¡Puta!), la directora y su madre completan medias confesiones que asimilan con tragos de café. Unas notas de voz y unos diálogos derivados de ellas -también parcos, muy castellanos que diría Cristina- marcan el desarrollo, donde tanto el tono como el color de voz de la abuela y de la madre (Cristina, con acierto cinematográfico, ejerce de narradora y guía), clavan y expanden los significados que responden al de dónde venimos anhelado.
El corto evita los rodeos y las emociones desbordadas, y es que no podía hacerse de otra manera, hubiera sido hacerle un feo al sentir castellano de la abuela.
https://www.filmaffinity.com/es/film413071.html
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Si alguien me dice que Gómez Pereira tendría un taquillazo a estas alturas de la película... le habría creído. Manuel, un clásico del cine doméstico, no ha dejado de intentarlo. Siempre estuvo ahí, y además entendiéndose con las nuevas hornadas de intérpretes.
Aparte, Manuel ha seguido trabajando con personas llenas de oficio. Firma la adaptación de La cena con Oristrell y García Serrano.
Es justo haciendo suyo un material ajeno como Manuel ha atinado. En esta historia ha puesto lo aprendido dirigiendo títulos como ¿Por qué lo llaman amor cuando quieren decir sexo?, Todos los hombres sois iguales o El juego del ahorcado.
Ser una cinta con vocación masiva, ligera, palomitera, nada tiene de malo. La cena no se esconde. Su honestidad está clara. <<No se puede ser neutral.>> Aquí se sigue una fórmula que suele funcionar, y más cuando el director la conoce tanto. El esquema está muy manido (Manuel en cierto modo lo lleva usando toda la vida) pero que el conjunto marche con tanta pulcritud es menos habitual.
Largo de fácil digestión, que no renuncia a los mensajes directos ("Conozco bien a los ricos: no sabrían vivir en un mundo sin pobres"), a tener textura, aunque sea de mousse. Esto también era compatible: ser divertida y asequible a la vez que poseer cierto fondo.
El ritmo es equilibradísimo. Las escenas van al compás y el texto rima tensión con alivios cómicos y guiños a la cultura popular (ese cocinero murciano: "¡Mi pastelicoh!").
Interpretativamente el largo se lo llevan Carlos Serrano y Elvira Minguez, pese a la entrega de San Juan y, en menor medida, de Casas.
Es de celebrar que haya hecho taquilla, que su ajetreo y su mensaje lleguen. Encima, su final no final podría propiciar una vuelta de los personajes a las salas: <<Hay que organizar una cena.>>
https://www.filmaffinity.com/es/film309861.html
#popazo #cine #cinema #lacena #movistar #mariocasas #drama #movie #movies #film #filme #films #pelicula #premiosGoya2026 #premiosgoya #albertosanjuan #gay #comedia #comedy #humour -
Una de las grandes lecciones de la vida es que el amor no es suficiente. Las buenas intenciones, en lo artístico, tampoco: se pueden tener en cuenta, ahora bien, el valor está en la obra, no en el talante con el que se ideó y construyó.
Gerard Oms (y equipo, los equipos siempre) llenó de mimos su Molt lluny. En esta película no hay nada dejado al azar, tiene personalidad. De hecho, en gran medida es la de un entregadísimo Mario Casas. Y entregado, tampoco es especialmente inspirado. Esta vez no.
El Sergio de Muy lejos parece un hombre de hojalata sin lubricar. Tieso. Robótico. Sin matices. Una cosa es la introversión, el miedo, el poderoso miedo, a salir, a verse fuera de sí, y otra este ensimismamiento gestual.
Aparte, lo de este filme es un llegar tarde de manual. Y en nada interfiere aquí que se contextualice a finales de la primera década de este milenio. Cuando ya creíamos que la trama era la genérica pérdida de sentido de la vida de Sergio y la habíamos comprado, el guion la concreta... y da bajona en comparación a esa sustancia inexacta que teníamos.
Muy lejos tiene un pase como una peli indie de director primerizo y abundantes dejes de todo eso. Es que es todo eso. Hay que comprenderlo y ser benevolentes: nadie nace sabiendo, y al pasar las historias al papel, luego a imagen y después editarlas, encima se tranforman y se hacen otras. Cómo no entender esos tics, encima sin experiencia en el largometraje.
Lo que aflige al Sergio de Oms en la Europa circa 2008 hubiese sido más apto de plasmarse, en los mismos términos, diez años antes, en el anterior milenio. Tal cual se muestra se queda en una zona ingrata entre lo extemporáneo y la boutade, por más ternura que desprendan los personajes y la película al completo.
Faltó apretar sin temor, ir mes lluny.
https://www.filmaffinity.com/es/film777661.html
#popazo #cine #cinema #muylejos #movistar #Moltlluny #drama #movie #movies #film #filme #films #pelicula #premiosGoya2026 #premiosgoya #queer #lgbt #lgtbi #gay #homosexual #filmin -
Una de las grandes lecciones de la vida es que el amor no es suficiente. Las buenas intenciones, en lo artístico, tampoco: se pueden tener en cuenta, ahora bien, el valor está en la obra, no en el talante con el que se ideó y construyó.
Gerard Oms (y equipo, los equipos siempre) llenó de mimos su Molt lluny. En esta película no hay nada dejado al azar, tiene personalidad. De hecho, en gran medida es la de un entregadísimo Mario Casas. Y entregado, tampoco es especialmente inspirado. Esta vez no.
El Sergio de Muy lejos parece un hombre de hojalata sin lubricar. Tieso. Robótico. Sin matices. Una cosa es la introversión, el miedo, el poderoso miedo, a salir, a verse fuera de sí, y otra este ensimismamiento gestual.
Aparte, lo de este filme es un llegar tarde de manual. Y en nada interfiere aquí que se contextualice a finales de la primera década de este milenio. Cuando ya creíamos que la trama era la genérica pérdida de sentido de la vida de Sergio y la habíamos comprado, el guion la concreta... y da bajona en comparación a esa sustancia inexacta que teníamos.
Muy lejos tiene un pase como una peli indie de director primerizo y abundantes dejes de todo eso. Es que es todo eso. Hay que comprenderlo y ser benevolentes: nadie nace sabiendo, y al pasar las historias al papel, luego a imagen y después editarlas, encima se tranforman y se hacen otras. Cómo no entender esos tics, encima sin experiencia en el largometraje.
Lo que aflige al Sergio de Oms en la Europa circa 2008 hubiese sido más apto de plasmarse, en los mismos términos, diez años antes, en el anterior milenio. Tal cual se muestra se queda en una zona ingrata entre lo extemporáneo y la boutade, por más ternura que desprendan los personajes y la película al completo.
Faltó apretar sin temor, ir mes lluny.
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Una de las grandes lecciones de la vida es que el amor no es suficiente. Las buenas intenciones, en lo artístico, tampoco: se pueden tener en cuenta, ahora bien, el valor está en la obra, no en el talante con el que se ideó y construyó.
Gerard Oms (y equipo, los equipos siempre) llenó de mimos su Molt lluny. En esta película no hay nada dejado al azar, tiene personalidad. De hecho, en gran medida es la de un entregadísimo Mario Casas. Y entregado, tampoco es especialmente inspirado. Esta vez no.
El Sergio de Muy lejos parece un hombre de hojalata sin lubricar. Tieso. Robótico. Sin matices. Una cosa es la introversión, el miedo, el poderoso miedo, a salir, a verse fuera de sí, y otra este ensimismamiento gestual.
Aparte, lo de este filme es un llegar tarde de manual. Y en nada interfiere aquí que se contextualice a finales de la primera década de este milenio. Cuando ya creíamos que la trama era la genérica pérdida de sentido de la vida de Sergio y la habíamos comprado, el guion la concreta... y da bajona en comparación a esa sustancia inexacta que teníamos.
Muy lejos tiene un pase como una peli indie de director primerizo y abundantes dejes de todo eso. Es que es todo eso. Hay que comprenderlo y ser benevolentes: nadie nace sabiendo, y al pasar las historias al papel, luego a imagen y después editarlas, encima se tranforman y se hacen otras. Cómo no entender esos tics, encima sin experiencia en el largometraje.
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Gerard Oms (y equipo, los equipos siempre) llenó de mimos su Molt lluny. En esta película no hay nada dejado al azar, tiene personalidad. De hecho, en gran medida es la de un entregadísimo Mario Casas. Y entregado, tampoco es especialmente inspirado. Esta vez no.
El Sergio de Muy lejos parece un hombre de hojalata sin lubricar. Tieso. Robótico. Sin matices. Una cosa es la introversión, el miedo, el poderoso miedo, a salir, a verse fuera de sí, y otra este ensimismamiento gestual.
Aparte, lo de este filme es un llegar tarde de manual. Y en nada interfiere aquí que se contextualice a finales de la primera década de este milenio. Cuando ya creíamos que la trama era la genérica pérdida de sentido de la vida de Sergio y la habíamos comprado, el guion la concreta... y da bajona en comparación a esa sustancia inexacta que teníamos.
Muy lejos tiene un pase como una peli indie de director primerizo y abundantes dejes de todo eso. Es que es todo eso. Hay que comprenderlo y ser benevolentes: nadie nace sabiendo, y al pasar las historias al papel, luego a imagen y después editarlas, encima se tranforman y se hacen otras. Cómo no entender esos tics, encima sin experiencia en el largometraje.
Lo que aflige al Sergio de Oms en la Europa circa 2008 hubiese sido más apto de plasmarse, en los mismos términos, diez años antes, en el anterior milenio. Tal cual se muestra se queda en una zona ingrata entre lo extemporáneo y la boutade, por más ternura que desprendan los personajes y la película al completo.
Faltó apretar sin temor, ir mes lluny.
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Alguna vez tendremos que hablar de la querencia de cierto cine por contar sus historias desde una posición económica acomodada, que por lo menos dé para viajar en familiar en familia, y a dificultar la comprensión de la sinopsis intentando parecer interesante -o molar-, logrando el hito opuesto.
Estrany riu podría llevarse la muñeca Pepona.
En esta película hay una voluntad de reflejar los choques de una edad de transición (¿cuál no lo es?, ¿cuándo dejamos de transicionar? Transicionar es obligatorio, si no no estás viviendo), al menos la suponemos, porque la introspección tiene tanto poder sobre la historia que la devora, el modo de narrar actúa como un dique que obstruye el acceso al magro de lo que se está contando.
Y el río debe fluir o es otra cosa.
Por momentos parece que este filme pretende relevar a Carla Simón y a la vez quiere diferenciarse de su cine familiar, optando por contarse hacia dentro y usando el lenguaje cinematográfico hasta el paroxismo. Jugar con las variaciones del río en color, caudal, forma, para hacer paralelismos con el desnorte mental del crío está bien, pero las metáforas deben sustanciarse en acción argumental, todo no puede ser metáfora: estas han de servir a la historia, no opacarla. El cine no es un rompecabezas.
Dídac ya no sabe si es pequeño o adulto, desea pero tiene miedo a dejarse llevar, desconoce -aunque intuye- que el deseo es un fuego y que nadie sale de él tal cual entró. El río es su doppelgänger, ¿y qué?
La de Claret Muxart es una película bonita y pequeña, bienintencionada, diría que hecha para festivales o para el público gafapaster, o que, no descartemos, se realizó con un código comunicativo personal que quizá solo conoce el propio director y su entorno. Esta familia no es como la nuestra
https://www.filmaffinity.com/es/film988747.html
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Lleno de elementos románticos, entre Poe y Dickens diremos para situarnos con facilidad, El fantasma de la Quinta llena de sentimientos desbordados e irracionales la pantalla saliendo airoso, sabiendo manejarlos para que lleguen sin adueñarse del sentido de la historia. La narración siempre los sujeta y conduce. Su animación deliberadamente basta contrastando con el minimalismo del entorno, nada barroco, y el jugarse la narración a un solo personaje, en soliloquio interior podríamos decir -delirante, onomatopéyico, pero guiado por una voz narradora-, resultan un acierto de calado a la hora de jugar con las piezas controlando siempre el balance narrativo. Nada satura, se extraña o sobra. Empatizamos y acompañamos en el delirio creativo, y nos preguntamos si vale la pena vivir en el imperio de las pesadillas aun pasando después a la posteridad.
https://www.filmaffinity.com/es/film588679.html
https://www.youtube.com/watch?v=osJ9dPyz5e0
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Existen tantas formas de comunicarse como personas y circunstancias hay, quiero pensarlo. Comunicarse no es comunicar, el primer término supera en grandeza al segundo al incluir el diálogo interno.
La mala comunicación, y la incomunicación, crea espejismos que torpedean la vida. <<Yo no soy tu enemigo>> dice un personaje de Maspalomas. Y no lo es: todo el mundo es su enemigo, él mismo lo es.
La película del colectivo Moriarti, firmada solo por José Mari Goenaga, juega casi como si de un programa infantil se tratase con los conceptos dentro y fuera, pequeño y grande, lleno y vacío. Casi porque aquí se habla del diálogo y la aceptación con artes adultas tan logradas que pasan por alto.
Eso aprende inesperadamente Vicente de Xanti: al no darnos impedimos que se nos den. <<¿Por quién haces eso?>> La vida puede pasar por ti en un cajón más o menos amplio, en playas multitudinarias o en un cuarto compartido, da igual, porque eso no quiere decir que tú pases por la vida.
Pisar dunas, habitar una cueva.
En Maspalomas hay dos películas. La que querríamos ver (refulgente, guarrona, de pendientes desparejados y reflejos en el pelo), que cose prólogo y epílogo; y el intermezzo, la que hay que ver.
Como una versión adulta de Alicia, Vicente deambula por prisiones abiertas y cerradas, abarrotadas y confinadas, abriéndose y dándose (Plan de Atención y Vida mediante, qué putón) para hacer(se) las paces.
Dicen que si no se nombra no existe: error. Lo omitido está ahí, solo que desenfocado, deshumanizado, al verbalizar algo es cuando gana fisicidad para reclamar su espacio, desde la dignidad.
<<La vida es así, no podemos gustar a todos.>> Pero sí a une misme y de ahí a les elegides, que pueden ser un amigo y un perro, y, ahora sí, al mundo que le den, por decisión, no por dejadez.
https://www.filmaffinity.com/es/film375780.html
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Este hallazgo, que casi que parece más una aparición, una de esas que atrae a buitres trajeados -formal o chic, eso es secundario-, tiene una narrativa veleta que se come la mayor parte del interés que desprende la sinopsis.
Terminas (ya antes te ronda la cuestión) preguntándote qué -te/nos- querían contar.
El documental se hubiera dejado armar con las artimañas del thriller, de la narrativa más pura, de la didáctica en el tema, de las historias de negocios, y amalgama algo de todo ello para terminar con fragancia a poca cosa, a <<Ah, era esto.>>
Sí queda claro al menos un punto social y educativo en estos lances: lo trascendente que es que las obras de arte y las culturales sean accesibles, que terminen en manos del pueblo y sus instituciones, y, si es posible, que tengan un contexto que las explique, para que nos expliquen a nosotras como pueblo y como especie. Y lo difícil que es que eso se dé cuando hay tantos intereses privados moviéndose en las sombras, codiciando para sí mismas, para su ámbito íntimo, carísimas piezas con incalculables historias detrás.
Un ejemplo de todo es que la película se pueda ver gratis... en la web de una institución privada. Al final esta producción, tanto en sí misma como en su parte meta, cabalga entre la alegoría y el oxímoron. Dejo enlace.
https://www.filmaffinity.com/es/film761787.html
https://caixaforumplus.org/v/the-sleeper
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La belleza es uno de los conceptos más serios que maneja la humanidad. Desde lo genérico, sin duda no hemos superado su concepción helénica; en lo humanístico, la filosofía, aún obsesionada con el tema, pocas conclusiones de calado ha alcanzado.
Lo bello ni es nocivo ni benéfico. Se casa con cualquier cosa. De ahí su dificultad. Porque, además, lo estético con frecuencia nos cautiva con promesas falsarias. Debemos rebajar la emocionalidad y reconectar la razón para discernir.
De ahí el éxito de plasmar, casi por daguerrotipia, lo que ocurre en un ruedo, con su antes y su después.
Lo que muestra Tardes de soledad ya lo sabíamos, no obstante, asistir a ello desde la mirilla, usando las artes mecánicas de lo que podría ser telerrealidad pero dirigidas al terreno cinematoperiodístico, cambia la vaina.
Decía Medem a una novel Manuela Vellés rodando Caótica Ana que solo se moviera natural en los sets y la cámara reflejaría esa verdad. Serra parece haber hecho suya esa máxima con sus cámaras (y micros: logra un sonido de una brutal rectitud) fijas, sin dejar de reservarse como creador, y dentro del campo de la no ficción, esto es, documentando, las artes del montaje para ajustar los brutos a lo que deseaba narrar. Y es que el cine tiene tres brazos narrativos: el guion, el rodaje y el montaje.
Así, sin tomar parte, el cineasta, y esto no es una paradoja, se posiciona sin remedio (la imparcialidad es una entelequia, solo existe la honestidad), mostrando en la intimidad a los profesionales del ruedo, captados en sus primitivas costumbres revestidas de brilli brilli, vistiendo de tecnicismos meros arcaísmos, deseando mancharse, ombliguistas, hoscos.
Hay bellezas terribles, y ruindades ornamentadas que, por estética y costumbre, se pretenden hacer pasar por hermosuras.
https://www.filmaffinity.com/es/film112826.html
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El problema con Belén es que parece de otro tiempo, no porque recree una historia (que sin duda merece ser contada y recordada) de hace años, sino porque el mismo filme parece tener esos años encima, que la recreación lo devora y envejece. Luego está su directora y protagonista, con una interpretación muy eficaz que, no obstante, parece demasiado a medida de la cineasta, sin riesgo, un vehículo (sin desmerecer su talento) ad hoc para su lucimiento. Y claro, esto hace que parezca un largo dibujado en papel milimitrado para gustar a academias y festivales antes que una película enfocada a las salas, con hambre de llevar un hecho a la gente, que cuenta un suceso inverosímil, peliculero hasta el tuétano... no en el sentido en que Fonzi pensó.
https://www.filmaffinity.com/es/film936849.html
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Suelo comentar que hay producciones que tienen que existir. Solo así pueden llegar a alguien. También reflejar a alguien. Y suelo poner de ejemplo Flor del desierto (2009), un largometraje justo en calidad al que vale la pena asomarse. Mejor eso que nada.
Otras películas existen y, además, carecen de grandes defectos. Ahí está Sorda (en femenino, no confundir con la cinta de Cortés-Cavanillas).
Eva Libertad debuta en el largo minutaje (teniendo Sorda una duración felizmente asequible de las que ya no se recuerdan) desde el plano familiar. A saber: la historia parte de uno de sus cortos previos, la protagonista es su hermana Miriam y los espacios domésticos, con más o menos gente, albergan la acción.
Miriam y Eva hacen tándem, lo que narra Sorda podrían haberlo vivido ellas, cada una desde su condición, protagonizando o estando presentes. O haber acaecido en su entorno. Seguro que hay bastante de eso. Lo que ensalza el valor de Sorda como ficción al ponerla frenta a frente con la realidad. No es un documental pero tiene su verdad. Porque una ficción puede ser espejo y ventana a la vez. Tal poder tienen.
Así lo han entendido en la Academia, nominando a las hermanas y a Álvaro Cervantes, cuya implicación para encarnar al oyente Héctor sobresale. Sorda se sostiene sobre este trípode artístico (con perdón de Irureta).
Sorda habla de la zona de confort, la de les oyentes, que expulsan a sordes de su alrededor o les obligan a leer labios pero rara vez se plantean aprender a signar. Violencias pasivas que se ejercen y se sufren. Alienación.
Es Ángela quien nos lo muestra gracias al talento innato de Garlo y a la imaginativa dirección de cámaras de Libertad, que elimina y trae el sonido en escenas clave para ayudarnos a empatizar con Ángela... y para hacernos tragar un sorbo de nuestro remedio. Sienta bien que siente mal.
https://www.filmaffinity.com/es/film132739.html
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