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🧿 𝑪𝒂𝒔𝒕𝒂𝒏̃𝒖𝒆𝒍𝒂𝒔: 𝒎𝒖𝒄𝒉𝒐 𝒂𝒏𝒕𝒆𝒔 𝒅𝒆𝒍 𝒇𝒍𝒂𝒎𝒆𝒏𝒄𝒐 🧿
Si pensamos en unas castañuelas, lo normal es que aparezcan en nuestra cabeza una bailaora, un traje de volantes y música española.
Pero las castañuelas son bastante más antiguas que el flamenco y su historia tampoco empieza exactamente en España.Lo primero que hay que decir es que **nadie sabe quién inventó las castañuelas**.
A veces se afirma que fueron los fenicios quienes las llevaron a la península Ibérica, pero no existe una prueba que permita asegurarlo.
Lo que sí encontramos desde la Antigüedad son instrumentos formados por piezas que se golpean entre sí en distintas culturas del Mediterráneo.Los griegos utilizaban los llamados crótalos, relacionados con la música y la danza, y en el antiguo Egipto también aparecen instrumentos de percusión de este tipo.
Eran sencillos en concepto: dos piezas que chocan y producen sonido.
A partir de ahí hubo muchas variantes y no podemos convertirlas todas en las «primeras castañuelas».En la península Ibérica, estos instrumentos fueron adquiriendo sus propias formas y usos a lo largo de los siglos.
Mucho antes de que existiera el flamenco ya estaban presentes en diferentes tradiciones musicales y de danza.De hecho, tampoco han sido exclusivamente andaluzas.
En distintas zonas de España han recibido nombres diferentes.
Se conocen como **palillos**, **castañetas** o **postizas**, entre otros nombres, y en Canarias encontramos las famosas **chácaras**.
Cambian también el tamaño, la forma y la manera de tocarlas según la tradición de cada lugar.El nombre «castañuela» tiene una explicación bastante sencilla.
Procede de **castaña**, probablemente por la semejanza de su forma con una castaña partida.
La palabra está documentada en castellano desde finales del siglo XV, aunque el instrumento ya existía mucho antes.Y aunque parecen dos simples trozos de madera, fabricarlas bien tiene bastante más ciencia de la que parece.
Tradicionalmente se han utilizado maderas duras como **ébano, boj, nogal o granadillo**, aunque también encontramos ejemplares realizados con otras maderas.
La elección importa porque la densidad y las características de cada material influyen directamente en el sonido.Las dos piezas de un par tampoco son idénticas.
La que produce el sonido más agudo recibe tradicionalmente el nombre de **hembra** y suele llevarse en la mano derecha.
La de sonido más grave es el **macho** y se coloca en la izquierda.
El músico puede conseguir distintos ritmos y matices combinando golpes, roces y movimientos de los dedos.Y aquí aparece otra curiosidad: **no todas las castañuelas antiguas eran de madera**.
También se fabricaron ejemplares de hueso, marfil, metal e incluso plata.
Algunos de estos objetos podían ser verdaderas piezas de lujo, muy alejadas de las castañuelas populares que asociamos con las fiestas y los bailes.Con el paso del tiempo, el instrumento quedó especialmente ligado a la danza española.
Durante los siglos XVIII y XIX adquirió mucha importancia en la llamada **escuela bolera**, donde tocar las castañuelas dejó de ser simplemente acompañar un baile y pasó a convertirse en una técnica que requería bastante entrenamiento.Después llegaría el flamenco y las incorporaría a algunas de sus formas de baile y música.
Pero conviene no confundir las cosas: **las castañuelas no nacieron con el flamenco ni son un instrumento exclusivamente flamenco**.También salieron de España.
Durante los siglos XIX y XX, compositores europeos las utilizaron en sus obras cuando querían introducir determinados ritmos o evocar ambientes españoles.
Bizet las empleó en *Carmen*; Ravel las utilizó en algunas de sus composiciones y otros músicos hicieron lo mismo.Así acabaron convirtiéndose en una imagen sonora de España incluso para personas que jamás habían tenido unas castañuelas entre las manos.
Y hay otra cosa que ha cambiado bastante: su fabricación.
Las castañuelas destinadas a bailarines profesionales siguen fabricándose artesanalmente, pero actualmente también existen modelos hechos con materiales sintéticos y compuestos.
Estos permiten conseguir sonidos muy concretos y ofrecen una mayor resistencia frente a la humedad y los cambios de temperatura.Al final, resulta curioso pensar que un instrumento tan asociado a una imagen concreta de España tenga un origen tan difícil de señalar.
No podemos decir quién fue la primera persona que fabricó unas castañuelas.
Tampoco podemos asegurar que fueran los fenicios quienes las trajeron hasta aquí.Lo que sí podemos seguir es una historia mucho más interesante: la de una idea muy sencilla —dos piezas que chocan para producir un sonido— que aparece en diferentes culturas, atraviesa siglos, cambia de forma y termina convirtiéndose en uno de los sonidos más reconocibles de la música y la danza españolas.
Y todo empezó con algo bastante más pequeño que una orquesta:
dos piezas en las manos de alguien que sabía hacerlas sonar.
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Deventer abre las puertas al falsificador que engañó a los nazis
#Arte #falsificadoresdelArte #HanVanMeegeren #podcast #historiadelArte De falsificador a héroe local En el episodio de El Sueño del Artista dedicado a Han van Meegeren contamos la historia del pintor despreciado que, armado con pinceles y un rencor infinito, creó falsos Vermeer tan perfectos que engañaron a los mayores expertos del mundo y estafó al mismísimo Hermann Göring. Lo que no pudimos contar…
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El dolor de Hiroshima y Nagasaki convertido en arte .
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Los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki no solo transformaron el panorama geopolítico al final de la 2 GM sino que también dejaron una huella profunda en el arte y la cultura de Japón. Lejos de ser un tema silenciado, esta tragedia se convirtió en un motor creativo que, a través del trauma y la censura, dio origen a algunas de las expresiones artísticas más radicales y conmovedoras del siglo XX.
Durante los años de la ocupación estadounidense (1945-1952), las fuerzas aliadas impusieron una estricta censura sobre cualquier representación de los bombardeos atómicos. Se prohibieron fotografías, testimonios y obras de arte que mostraran la devastación, con el objetivo de controlar la narrativa de la guerra y la posguerra. A pesar de ello, los artistas encontraron formas de resistir y crear.
Un ejemplo de ellos lo podemos encontrar en :
Los paneles de HiroshimaLos Paneles de Hiroshima (Genbaku no Zu): Iri y Toshi Maruki,( Maruki Iri y Akamatsu Toshiko. ) testigos directos de la devastación, comenzaron en 1950 una monumental serie de 15 paneles que fusionan la técnica tradicional de la tinta sumi con un realismo desgarrador. Su obra, que documenta el horror desde la perspectiva de las víctimas, se convirtió en un símbolo de resistencia y memoria, siendo exhibida masivamente en Japón y en el extranjero.
Los paneles de HiroshimaLa pareja, que vivía cerca de Hiroshima, fue testigo de las terribles consecuencias tras las explosiones y comenzó la creación en 1950, completándola en 1982, un proceso que duró 32 años y dio como resultado un total de 15 obras
También podemos mencionar dentro de este apartado a la joven Yayoi Kusama quien pintó Atomic Bomb (1954), una obra temprana que, con su estilo abstracto y obsesivo, canalizaba la atmósfera apocalíptica y el trauma de la posguerra.
En fotografía tenemos a Shomei Tomatsu capturó en su serie Nagasaki 11:02 (1961) objetos cotidianos deformados por la explosión, como una botella de cerveza o un reloj detenido a la hora del bombardeo, transformando lo mundano en un poderoso símbolo del horror nuclear. Por otro lado, Kikuji Kawada en su fotolibro Chizu (The Map) (1965) utilizó imágenes casi abstractas de las manchas en el techo de la cúpula de la bomba atómica para reflexionar sobre la devastación y el nacionalismo.
Fotografía de la serie Nagasaki 11:02El primer encuentro de Tomatsu con Nagasaki se remonta a 42 años. A pedido de un grupo de sobrevivientes de la bomba atómica, hizo fotos en Nagasaki y publicó una colección de fotografías, combinadas con fotos de Hiroshima tomadas por Ken Domon. Fue 15 años después de que la bomba fuera lanzada en Nagasaki. Tomatsu tenía 31 años.
La ruptura de la vanguardia
El trauma colectivo y la liberación de la censura impulsaron movimientos que rechazaron las tradiciones y buscaron nuevas formas de expresión y que no todas las llamadas vanguardias artísticas surgieron en Europa o sus alrededores también surgieron fuera del viejo continente .
· Gutai (具体): Fundado en 1954, este colectivo buscaba el «arte puro» a través de la experimentación con el cuerpo, el tiempo y los materiales. Sus acciones, que a menudo implicaban destrucción y azar, reflejaban la fragilidad y la impermanencia de la vida en un mundo que había sido testigo de la aniquilación instantánea.
· Mono-ha (もの派): Surgido a finales de los 60, este movimiento se centró en la relación entre los materiales naturales (piedra, madera) y el espacio que los rodea, creando «encuentros con el ser» que invitaban a una reflexión meditativa sobre la existencia y el vacío.
· Butoh (舞踏): Esta forma de danza teatral, fundada por Tatsumi Hijikata, emergió como una «encarnación de los impulsos destructivos y visionarios de la vanguardia de posguerra». A través de cuerpos pintados de blanco que se retorcían y convulsionaban, el Butoh canalizaba el trauma psíquico de la guerra en un lenguaje visual de intensidad primigenia y apocalíptica.
Literatura y cine: La narrativa del trauma
En la Literatura: La «generación Genbaku bungaku» (literatura de la bomba atómica) produjo testimonios desgarradores como Lluvia negra de Masuji Ibuse (1965), una novela que, basada en diarios y entrevistas reales, retrata la enfermedad por radiación y la discriminación que sufrieron los hibakusha. Autores como Ôta Yôko y Tôge Sankichi también dejaron obras fundamentales sobre la experiencia atómica.
El cine japonés de posguerra reflejó este trauma de forma directa e indirecta. La corriente kaiju eiga (cine de monstruos) surgió con Godzilla (1954), una criatura despertada por pruebas nucleares que se convirtió en una poderosa metáfora del miedo a la energía atómica. Películas como Los niños de Hiroshima (1952) abordaron el tema de forma realista, mientras que el anime Akira (1988) lo hizo desde una óptica distópica.
El impacto de Hiroshima y Nagasaki en el arte japonés fue profundo y duradero. Lejos de ser un tabú silenciado, la bomba atómica se convirtió en un tema central que los artistas abordaron con una urgencia y una diversidad notables. Desde el testimonio directo de los Maruki hasta la experimentación radical del Gutai, pasando por la metáfora de Godzilla, el arte japonés de posguerra es un testimonio de la capacidad de la creación humana para transformar el dolor en memoria y crítica social.
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🧿 𝑨𝒏𝒕𝒐𝒏𝒊 𝑮𝒂𝒖𝒅𝒊́: 𝒗𝒊𝒅𝒂, 𝒐𝒃𝒓𝒂𝒔 𝒚 𝒖𝒏 𝒇𝒊𝒏𝒂𝒍 𝒒𝒖𝒆 𝒂𝒖́𝒏 𝒅𝒖𝒆𝒍𝒆 🧿
Hablar de Antoni Gaudí es hablar de alguien que no solo construyó edificios.
Construyó una manera distinta de mirar el mundo.Su historia tampoco es una de esas biografías perfectamente ordenadas, donde todo parece conducir desde la infancia hasta la gloria.
Hay talento, obsesión, religión, carácter, aislamiento y un final tan absurdo como cruel.Antoni Gaudí nació el 25 de junio de 1852 en Reus, aunque Riudoms también aparece en algunas biografías porque su familia tenía allí una casa y pasaba temporadas.
Era hijo de una familia de caldereros, y aquel contacto temprano con el trabajo del metal probablemente contribuyó a desarrollar su extraordinaria capacidad para entender el volumen y las formas.Además, fue un niño de salud delicada.
Pasó largas temporadas de reposo y aprovechó aquellas horas para observar algo que terminaría siendo fundamental en su obra: la naturaleza.Mientras otros aprendían mirando libros, Gaudí miraba árboles, huesos, plantas, animales, montañas y estructuras naturales.
Para él, la naturaleza no era simplemente algo bonito.
Era una maestra.
Y esa idea acabaría apareciendo en prácticamente todo lo que construyó.
En 1873 comenzó sus estudios de arquitectura en Barcelona y compaginó la formación con trabajos en distintos talleres y estudios.
Cuando obtuvo el título, en 1878, ya había llamado la atención por su manera poco convencional de entender la arquitectura.Existe una frase atribuida al director de la Escuela de Arquitectura, Elies Rogent, después de entregarle el título:
«No sé si hemos dado el título a un loco o a un genio».
Probablemente un poco de las dos cosas.
Porque el Gaudí joven estaba bastante lejos del hombre austero y casi ascético que hoy solemos imaginar.
Vestía bien, cuidaba su aspecto, frecuentaba teatros, conciertos y tertulias y disfrutaba de la buena mesa.
Tenía carácter, orgullo y unas ideas muy claras sobre lo que quería hacer.También se enamoró.
Se sabe de su interés por varias mujeres y de su relación con Pepeta Moreu, pero nunca llegó a casarse.
Con el paso de los años, su vida personal fue quedando cada vez más reducida mientras aumentaban su dedicación al trabajo y su fervor religioso.Su transformación fue progresiva.
Y mientras él cambiaba, su arquitectura también lo hacía.
Una de sus primeras obras importantes fue la Casa Vicens, construida entre 1883 y 1885.
Allí todavía se aprecia una fuerte influencia oriental y mudéjar, con cerámicas, colores y una decoración muy distinta de lo que después asociaríamos inmediatamente con Gaudí.También está el Palacio Güell, donde empezó a desarrollar algunas de sus soluciones espaciales y decorativas más personales.
Y después llegó el Park Güell.
Aunque hoy lo conocemos como uno de los parques más famosos del mundo, originalmente nació como un proyecto urbanístico impulsado por Eusebi Güell.
La idea era crear una ciudad-jardín para familias acomodadas.El proyecto fracasó económicamente.
Solo se construyeron algunas de las viviendas previstas.
Pero Gaudí convirtió aquel fracaso inmobiliario en uno de los lugares más reconocibles de Barcelona: caminos ondulantes, columnas, formas inspiradas en la naturaleza, cerámica y aquel famoso banco serpenteante cubierto de trencadís.
Luego está la Casa Milà, La Pedrera, terminada en 1912.
Una fachada ondulante, sin prácticamente una línea recta, que en su momento provocó más de una burla.
Y aquí conviene hacer una precisión con una de las obras más famosas que suelen atribuirse directamente a Gaudí.
La Casa Batlló no fue construida por él desde cero.
El edificio original había sido construido en 1877 por Emili Sala Cortés, que además había sido profesor de Gaudí.
En 1903 lo compró el industrial textil Josep Batlló y encargó a Gaudí una profunda remodelación.Entre 1904 y 1906, Gaudí transformó completamente el edificio.
La fachada que conocemos hoy, los balcones, el tejado, los patios interiores y buena parte de su distribución son fruto de aquella intervención.
Es decir: Casa Batlló es una obra de Gaudí, sí, pero por remodelación, no porque él levantara el edificio original.
Y quizá precisamente por eso resulta tan interesante.
Gaudí no necesitaba empezar desde cero para convertir un edificio corriente en algo completamente distinto.
También trabajó fuera de Cataluña.
En Comillas, Cantabria, encontramos El Capricho, construido entre 1883 y 1885 para Máximo Díaz de Quijano.
Sus girasoles, cerámicas y formas coloristas muestran todavía al Gaudí joven, antes de que su arquitectura alcanzara la complejidad que tendría años después.Pero ninguna obra terminaría marcando tanto su vida como la Sagrada Familia.
Gaudí asumió el proyecto en 1883, cuando todavía estaba trabajando en otras obras.
Con los años fue dedicándole cada vez más tiempo.
Hasta que en 1914 tomó una decisión radical: abandonó prácticamente todos los demás proyectos y se concentró exclusivamente en la Sagrada Familia.
Los últimos doce años de su vida estuvieron dedicados al templo.
Llegó incluso a instalarse cerca de su taller y a vivir de una manera cada vez más austera.
En 1925 se terminó el campanario de san Bernabé, de cien metros de altura.
Fue la única de las grandes torres del templo que Gaudí llegó a ver terminada.
Después, la historia dio un giro brutal.
El 7 de junio de 1926, Gaudí salió de la Sagrada Familia y se dirigió, como hacía habitualmente, hacia el oratorio de Sant Felip Neri.
En la Gran Via de les Corts Catalanes, entre las calles Girona y Bailèn, fue atropellado por un tranvía de la línea 30.
Quedó gravemente herido.
Y aquí aparece uno de los detalles más crueles de su historia.
Gaudí llevaba años descuidando completamente su aspecto.
Vestía de manera sencilla, llevaba ropa gastada y apenas llevaba consigo documentación.Los que acudieron a ayudarlo no reconocieron al hombre que había diseñado algunos de los edificios más famosos de Barcelona.
Lo confundieron con un indigente.
Un policía tuvo que ordenar que un taxi lo llevara al Hospital de la Santa Creu.
Cuando sus colaboradores descubrieron lo ocurrido, ya era demasiado tarde.
Gaudí tenía varias costillas fracturadas y graves lesiones internas.
Murió allí tres días después, el 10 de junio de 1926.
Tenía 73 años.
La ironía resulta difícil de ignorar.
Uno de los arquitectos más famosos de su tiempo fue tratado como un desconocido precisamente cuando más necesitaba ayuda.
Y aquel hombre que había pasado los últimos años de su vida prácticamente aislado terminó siendo despedido por una multitud.
El 12 de junio, miles de personas acompañaron su féretro hasta la Sagrada Familia.
La ciudad que no lo había reconocido en la calle salió después a despedirlo.
Gaudí fue enterrado en la cripta de la Sagrada Familia, en la capilla de la Virgen del Carmen.
Pero su historia todavía tenía otro capítulo.
Durante la Guerra Civil, en 1936, un incendio destruyó parte del taller de Gaudí y muchas de sus maquetas, planos, fotografías y documentos.
Una parte de aquello que podía haber permitido reconstruir exactamente sus intenciones desapareció para siempre.
Por eso la Sagrada Familia que vemos hoy no es simplemente un edificio que Gaudí dejó a medio terminar.
Es también el resultado de décadas de trabajo de otros arquitectos, utilizando los materiales que sobrevivieron, fotografías, planos publicados y las propias maquetas conservadas.
Gaudí murió sin verla terminada.
Y probablemente nunca podremos saber con absoluta precisión cómo habría sido si hubiera podido continuar trabajando en ella durante décadas.
Pero quizá ahí está una de las cosas más fascinantes de su legado.
No dejó solamente edificios.
Dejó una forma de mirar.
Mirar la naturaleza, las estructuras, la luz, el espacio y hasta los pequeños detalles como si todo escondiera una solución que todavía no habíamos descubierto.
Y casi un siglo después de su muerte, seguimos entrando en sus edificios con la misma sensación:
que alguien estuvo allí antes que nosotros y vio algo que los demás todavía no sabíamos mirar.
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𝘎𝘢𝘶𝘥𝘪́ (1960): 𝘜𝘯𝘢 𝘥𝘦 𝘭𝘢𝘴 𝘱𝘳𝘪𝘮𝘦𝘳𝘢𝘴 𝘢𝘥𝘢𝘱𝘵𝘢𝘤𝘪𝘰𝘯𝘦𝘴 𝘥𝘳𝘢𝘮𝘢𝘵𝘪𝘤𝘢𝘴 𝘦𝘯 𝘦𝘭 𝘤𝘪𝘯𝘦 𝘦𝘴𝘱𝘢𝘯̃𝘰𝘭, 𝘥𝘪𝘳𝘪𝘨𝘪𝘥𝘢 𝘱𝘰𝘳 𝘑𝘰𝘴𝘦́ 𝘔𝘢𝘳𝘪́𝘢 𝘈𝘳𝘨𝘦𝘮𝘪́.
𝘕𝘢𝘳𝘳𝘢 𝘦𝘯 𝘵𝘰𝘯𝘰 𝘥𝘦 𝘥𝘳𝘢𝘮𝘢 𝘣𝘪𝘰𝘨𝘳𝘢𝘧𝘪𝘤𝘰 𝘭𝘢 𝘷𝘪𝘥𝘢 𝘺 𝘭𝘢 𝘵𝘳𝘢𝘨𝘪𝘤𝘢 𝘮𝘶𝘦𝘳𝘵𝘦 𝘥𝘦𝘭 𝘢𝘳𝘵𝘪𝘴𝘵𝘢 𝘢𝘭 𝘴𝘦𝘳 𝘢𝘵𝘳𝘰𝘱𝘦𝘭𝘭𝘢𝘥𝘰 𝘱𝘰𝘳 𝘶𝘯 𝘵𝘳𝘢𝘯𝘷𝘪́𝘢.https://www.youtube.com/watch?v=0rIrrZ-GSAc ➡️𝑃𝑒𝑙𝑖𝑐𝑢𝑙𝑎 𝐶𝑜𝑚𝑝𝑙𝑒𝑡𝑎
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🧿 𝑫𝒂𝒍𝒊́: 𝒈𝒆𝒏𝒊𝒐, 𝒆𝒙𝒄𝒆𝒔𝒐 𝒚 𝒖𝒏 𝒑𝒆𝒓𝒔𝒐𝒏𝒂𝒋𝒆 𝒔𝒊𝒏 𝒇𝒓𝒆𝒏𝒐 🧿
Salvador Dalí nació en 1904 en Figueres y acabó convirtiéndose en la cara más reconocible del surrealismo.
Tenía una técnica casi fotográfica que pulió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, pero lo que lo hizo único fue su obsesión por convertir los sueños en imágenes.
Ahí entra la influencia de Sigmund Freud: hormigas, huevos, cuerpos deformados… todo ese mundo simbólico que aparece en cuadros como La persistencia de la memoria.Hasta aquí, el Dalí “de manual”.
Pero su vida fue bastante más incómoda de lo que suelen contar.No era solo excéntrico.
Hay testimonios de comportamientos violentos y una relación muy complicada con su entorno, incluida Gala Dalí.
Su vínculo fue intenso, pero también desequilibrado, con episodios de agresividad en ambos sentidos en la etapa final.
Tampoco ayudaba su relación con la sexualidad: miedo, voyeurismo y una constante necesidad de controlar la situación desde fuera.Con los animales, más de lo mismo.
Los utilizaba como parte de su espectáculo, buscando provocar.
No era tanto crueldad gratuita como una obsesión por romper límites… pero eso no lo hace menos incómodo de ver hoy.Su personalidad tampoco encajaba bien ni siquiera entre los suyos.
André Breton, harto de su obsesión por el dinero, lo rebautizó como “Avida Dollars”.
Y no iba desencaminado: Dalí convirtió su propia figura en un producto.
Mientras otros artistas tomaban postura contra el régimen, él no tuvo problema en mostrarse cercano al franquismo, lo que le ganó bastantes enemistades.La relación con Gala merece capítulo aparte.
Se conocieron en Cadaqués cuando ella aún estaba casada con Paul Éluard.
Dalí quedó fascinado.
Ella vio en él a un genio… y también a alguien a quien dirigir.
Se casaron, no tuvieron hijos, y acabaron viviendo una relación abierta muy peculiar.
Gala tenía amantes jóvenes y Dalí lo aceptaba, incluso lo financiaba.
El famoso “pacto de Púbol” lo resume bien: él le regaló un castillo y solo podía visitarla con permiso.Los últimos años fueron duros.
Enfermedad, dependencia de medicamentos y episodios violentos.
Aun así, cuando Gala murió, Dalí se vino abajo completamente.Hasta su herencia fue un último giro inesperado: dejó todo al Estado español, fuera familia y Generalitat.
Una decisión que aún hoy genera debate y que dejó su obra en manos de la Fundación Gala-Salvador Dalí.Y ni muerto dejó de ser Dalí.
Está enterrado en el Teatro-Museo Dalí, bajo los pies de los visitantes.
Literalmente.
Cuando lo exhumaron en 2017, su bigote seguía intacto, colocado como siempre.Su obsesión con la identidad venía de lejos: tuvo un hermano mayor con su mismo nombre que murió antes de que él naciera.
De niño le dijeron que era su reencarnación.
Creció con esa idea en la cabeza.
No es raro que necesitara llamar la atención constantemente.También vivía lleno de manías: llevaba un trozo de madera como amuleto, tenía pánico a los saltamontes y necesitaba rituales para sentirse seguro.
No era postureo del todo; había miedo real detrás del personaje.Eso sí, sabía perfectamente lo que hacía.
Su “locura” era, en gran parte, construida.
Inventó el método paranoico-crítico para provocar imágenes y luego pintarlas con precisión milimétrica.
Y fuera del lienzo, era puro espectáculo: conferencias con traje de buzo, paseos con animales raros… todo pensado para no pasar desapercibido.Hay anécdotas que lo resumen mejor que cualquier análisis.
Como cuando destrozó un escaparate en Nueva York tras modificarle una obra y acabó detenido.
O cuando diseñó el logo de Chupa Chups en una servilleta en menos de una hora, con la idea brillante de colocarlo arriba para que siempre se viera.También colaboró con Walt Disney en “Destino”, un proyecto surrealista que tardó décadas en terminarse, y llegó a crear uno de los primeros hologramas artísticos junto a Alice Cooper.
Todo le interesaba si podía convertirlo en algo extraño y nuevo.Y luego está su lado más pícaro: pagar cenas con cheques dibujados.
Sabía que nadie los cobraría porque valían más como obra que como dinero.Al final, Dalí fue eso: un genio técnico, un provocador constante y una persona difícil.
Separar al artista de la obra aquí no es fácil… pero tampoco se puede entender uno sin el otro.▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣
/𝘗𝘳𝘰𝘵𝘢𝘨𝘰𝘯𝘪𝘻𝘢𝘥𝘢 𝘱𝘰𝘳 𝘉𝘦𝘯 𝘒𝘪𝘯𝘨𝘴𝘭𝘦𝘺, 𝘴𝘦 𝘤𝘦𝘯𝘵𝘳𝘢 𝘦𝘯 𝘭𝘰𝘴 𝘢𝘯̃𝘰𝘴 70 𝘦𝘯 𝘕𝘶𝘦𝘷𝘢 𝘠𝘰𝘳𝘬.
𝘔𝘶𝘦𝘴𝘵𝘳𝘢 𝘭𝘢 𝘥𝘦𝘤𝘢𝘥𝘦𝘯𝘤𝘪𝘢 𝘥𝘦𝘭 𝘢𝘳𝘵𝘪𝘴𝘵𝘢, 𝘴𝘶 𝘵𝘰𝘳𝘮𝘦𝘯𝘵𝘰𝘴𝘢 𝘳𝘦𝘭𝘢𝘤𝘪𝘰́𝘯 𝘤𝘰𝘯 𝘎𝘢𝘭𝘢 𝘺 𝘦𝘭 𝘤𝘢𝘰𝘴 𝘲𝘶𝘦 𝘳𝘰𝘥𝘦𝘢𝘣𝘢 𝘴𝘶 𝘧𝘪𝘨𝘶𝘳𝘢 𝘱𝘶́𝘣𝘭𝘪𝘤𝘢 𝘺𝘢 𝘤𝘰𝘯𝘷𝘦𝘳𝘵𝘪𝘥𝘢 𝘦𝘯 𝘮𝘢𝘳𝘤𝘢./#dali #surrealismo #historiadelarte #curiosidades #arte #culturageneral #biografias #historia
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Arte » El viejo guitarrista ciego – Pablo Picasso»
Aquí tienes la información detallada sobre esta emblemática obra de Pablo Picasso:
- Título original: The Old Guitarist (registrado en inglés por su conservación en Estados Unidos).
- Título en español: El viejo guitarrista ciego (o simplemente El viejo guitarrista).
- Autor: Pablo Picasso.
- Estilo pictórico: Expresionismo / Período Azul de Picasso.
- Siglo y año: Siglo XX, pintado entre finales de 1903 y principios de 1904.
- País: España (creado en Barcelona). Actualmente se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago, Estados Unidos.
- Género: Pintura de género / Retrato social.
- Descripción: La obra muestra a un hombre anciano, demacrado y ciego, vestido con harapos, que se encorva sobre una gran guitarra marrón. La paleta de colores está dominada por tonos azules monótonos y tristes, lo que acentúa la atmósfera de melancolía, pobreza y aislamiento. La guitarra es el único elemento con un color cálido, sugiriendo que la música es el único consuelo o fuente de vida del protagonista.
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El 15 de agosto de 1967 muere en Bruselas, a la edad de 68 años,
🎨 René Magritte
Influyente pintor belga.
Su #Pintura, un personal 'surrealismo', fue bastante criticada por los puristas de ese movimiento.
Su propia imagen, convertida en leitmotiv de muchos de sus cuadros, hace que su obra sea muy reconocible a primera vista.
#HistoriaDelArte #Cultura -
El 6 de agosto, cosas del calendario 😉...
Se puede reunir en un post 😅, a dos fundamentales de la #HistoriaDelArte
En 1660 moría en Madrid, un genio de la pintura española,
🎨 Diego Velázquez
Y en este día de 1928, nacía en Pittsburgh, el mítico artista pop estadounidense,
🎨 Andy Warhol
#Pintores #Arte #Cultura -
OBRA DEL ARTE DEL DÍA «El almuerzo de los remeros»
- Título original: Le Déjeuner des canotiers
- Título en español: El almuerzo de los remeros
- Autor: Pierre-Auguste Renoir
- Estilo pictórico: Impresionismo
- Siglo y año: Siglo XIX (1881)
- País: Francia
- Género: Escena de género (retrato colectivo)
- Descripción: La pintura muestra una agradable tarde soleada captura la encanto y la esencia de la desconexión, la amistad y esas charlas relajadas disfrutando del tiempo libre con los seres queridos, eso mismo plasma esta obra maestra de Renoir.
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Lorraine Pinto
Por: Thelma Morales García
Llegó a nuestro país para estudiar español, todo México le parecía lleno de riqueza cultural, pero al probar nuestros platillos típicos a los que no estaba acostumbrada por la sazón tan condimentada y picante, se enfermó y tuvieron que llamar a un médico, ese momento marcó su vida futura, pues se enamoró del doctor y se casó con él, tuvieron dos hijas: Jenny y Gaby. Su creatividad siempre presente, le permitió realizar su gran obra plástica.
Hoy museos tan importantes como el Museo de Arte Moderno en la ciudad de México exhiben sus obras. Sus esculturas se pueden apreciar también en Cancún donde la Glorieta conocida popularmente por quienes ahí viven como “El ceviche” fue gran motivo de orgullo, en realidad su nombre es “Fuente de los caracoles y las estrellas”, misma que en 2013 fue rehabilitada por el Ayuntamiento de Benito Juárez, Quintana Roo.
Lorraine Pinto, nació el 7 de noviembre de 1933 en Nueva York, Estados Unidos y desde 1953 se quedó a vivir en nuestro país; México le abrió los brazos y le mostró su enorme riqueza, en respuesta ella le dio a nuestro país hermosas esculturas que se encuentran en diferentes Estados, como la Fuente de “Los Delfines” que se ubica en la Glorieta de la playa “La Ropa” en Ixtapa Zihuatanejo en el Estado de Guerrero; y la obra “Peces” que se encuentra en el Museo de Arte Contemporáneo Internacional Rufino Tamayo, en la ciudad de México, por cierto, fue amiga cercana de Tamayo y su esposa Olga.
También realizó bustos de bronce para personajes como el de Rufino Tamayo; el de Mario Moreno “Cantinflas” solicitado por la ANDA y en el 2009 el dedicado al maestro Luis Nishizawa por su cumpleaños 91 y que se develó en el Museo-Taller Luis Nishizawa, en la ciudad de Toluca en el mes de febrero, que coincidió con el cumpleaños de maestro Nishizawa.
En 2012, el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México realizó la exposición de los “Precursores del arte cinético”, entre los que destacaron: David Alfaro Siqueiros, Mathias Goeritz, Germán Cueto, Diego Matthai, Xavier Esqueda, Pedro Friedeberg, Ernesto Mallard, Feliciano Béjar, Víctor Vasarely, Víctor Morales, Rogelio Polesello, Hersúa, Francisco Moyao, Luis Urías, Enrique Bostelmann, Federico Silva, Manuel Felguérez, Ramiro Chaves, Sebastian y la única mujer Lorraine Pinto.
Este arte se desarrolló durante las décadas de los sesenta y setenta, se basaba fundamentalmente en el movimiento y la transformación. La definición de cinético se desprende de la palabra griega Kino que significa movimiento; también se le conoce como arte óptico, pues la piezas creadas se realizaron con componentes mecánicos, luminosos y sonoros. Tuve la oportunidad de estar presente en el recorrido de dicha exposición, con la maestra Lorraine Pinto; quien nos explicó que de este arte se desprende aquella bola llena de cristales que se colocaba en la pista de las Discotecas, el ícono de ese tiempo era el actor John Travolta ataviado con un traje blanco y bailando para la película “Fiebre de sábado por la noche”.
Yo conocí a la maestra Lorraine Pinto, en el año 2008 porque existía una faceta de su obra casi desconocida hasta ese momento y estaba relacionada con la gran admiración que ella sentía por todas las manifestaciones populares de nuestro país, como es el arte popular y la artesanía, por ello comenzó a coleccionar piezas de artesanía que compraba en sus viajes por México, pero un día su hija Gaby le mostró una caja de cristal donde se observaba una ofrenda en miniatura dedicada al Día de Muertos; en ese momento se le ocurrió que podía armar una caja de madera donde pudiera conservar esas piezas artesanales que tanto admiraba, así comenzó lo que sería una colección de cajas temáticas que muestran una composición hecha desde lo más profundo del alma de la pintora.
Cada caja muestra las piezas perfectamente acomodadas y que en conjunto realzan la belleza de la composición, los temas en los que Lorraine Pinto se inspiró, le dieron el título a cada obra como: “Chiapas”, “Árbol de la vida”, “La Lotería”, “Frutos”, “Fiesta Mexicana”, “Ecología 1 y 2”, “Comprando para el Día de Muertos”, “El Caribe”, “El Mercado”, “El baile de Día de Muertos”, “Día del Niño”, “16 de Septiembre”, “La Fiesta Brava”, “El deporte mexicano” y “La Revolución”.
También realizó varios cuadros inspirándose en el arte plumario de México; sabemos que antes de la llegada de los españoles al nuevo mundo y gracias a las estelas mayas que aún se conservan, nuestro pueblo cultivaba el arte plumario, gracias a que en nuestro territorio había incontables especies de aves como el quetzal y que Moctezuma exigía a los pueblos como tributo, también algunos cronistas de la época hablan de los numerosos vestidos ofrecidos a Cortés y que en la actualidad sólo aparece en la artesanía textil de Zinacantán, Chiapas en el Huipil de boda que utilizan las indígenas y los rebozos de plumas de Ahuirán, Michoacán. La belleza de los cuadros de Lorraine Pinto muestran ese arte plumario ya casi desaparecido en nuestro país y que ella utilizó como una forma de admiración hacia nuestra cultura y una forma de rescate de este arte.
Nuestra amistad nació de ese gusto en común por el arte popular mexicano, en ella encontré a una mujer sabia, de gran creatividad, admiradora de las costumbres de nuestro país, gran artista, pero fundamentalmente una gran mujer y madre admirable. La última vez que platiqué con ella fue el dos de julio de 2026, su voz siempre tan entrañable para mí al decirme que debíamos de reunirnos para platicar de tantas noticias y novedades. Mi querida amiga falleció el 20 de julio y como agradecimiento por todos los momentos compartidos, dejo estas líneas como testimonio del gran legado que hoy forma parte del patrimonio artístico de nuestro país.
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El arte de la locura: Pintores malditos que retrataron sus propios demonios
La delgada línea entre la genialidad creativa y los trastornos mentales a través de los lienzos más oscuros de la historia del arte
A lo largo de los siglos, el arte ha funcionado como un espejo fiel de la mente humana, pero para algunos creadores ese espejo se convirtió en una ventana hacia sus peores pesadillas y obsesiones personales. El mito del pintor maldito no nació de la nada, sino de creadores reales que sufrieron trastornos mentales severos, depresiones profundas o alucinaciones constantes, y que encontraron en los pinceles la única herramienta disponible para vaciar el dolor que llevaban dentro. En lugar de pintar paisajes bonitos o retratos de la alta sociedad, estos artistas decidieron romper las reglas de su época para plasmar de forma cruda sus propios demonios, transformando su sufrimiento en obras maestras que siguen conmoviendo y asustando a quienes las miran hoy en día.
Uno de los ejemplos más claros de esta lucha interna fue el pintor noruego Edvard Munch, quien estuvo marcado desde su infancia por la enfermedad, la muerte de sus familiares y un miedo terrible a heredar los problemas psiquiátricos que corrían en su familia. Su obra más famosa, pintada en 1893, nació directamente de una crisis de ansiedad que el propio artista describió en sus diarios, donde sintió cómo un grito infinito cruzaba la naturaleza mientras el cielo se teñía de un rojo sangre. Munch no buscaba retratar lo que veía con los ojos, sino lo que sentía en el pecho, utilizando líneas curvas y colores violentos para transmitir la desesperación y la soledad que lo acompañaron durante toda su vida, un estilo que abrió las puertas al expresionismo moderno.
Otro caso sumamente profundo es el del británico Louis Wain, un dibujante del siglo XIX que se hizo famoso por ilustrar gatos con características humanas, vistiendo ropas elegantes y jugando cartas. Con el paso de los años, Wain comenzó a desarrollar esquizofrenia, una situación que cambió por completo su forma de trabajar y de ver el mundo. Sus dibujos de felinos estables y tiernos se transformaron poco a poco en figuras geométricas hipercomplejas llenas de colores eléctricos, trazos repetitivos y patrones abstractos que parecían estallar en energía, reflejando de forma matemática cómo su mente se iba desorganizando por la enfermedad. Estas obras nos demuestran que la locura no destruyó su talento, sino que lo llevó a descubrir una forma de expresión totalmente adelantada a su tiempo, donde el lienzo era el único lugar seguro para darle orden a su caos interno.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
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Las doce impresiones , más allá del grupo Batignolles . Parte I
#impresionismo #Arte #pintura #HistoriadelArte #ElSueñodelArtista Impression fue el nombre del cuadro pintado por Monet que casualmente daría nombre a una de las vanguardias artísticas más conocidas por el público en general y que , posteriormente una gran generación de pintores beberían de las aguas del Impresionismo para generar sus propias ideas . Pese que esta vanguardia artística es una de las más…
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El 13 de julio de 1954 muere, una semana después de haber cumplido 47 años, la genial,
🖌️ Frida Kahlo (Coyoacán, Ciudad de México; 1907 - 1954)
Mexicana universal.
Pintora y figura icónica del siglo XX en la #HistoriaDelArte y también muy presente en la memoria de la #CulturaPopular -
«Te mereces un amante que te quiera despeinada, con todo y todas las razones que te hacen despertarte deprisa y los demonios que no te dejan dormir»
✨️🎨 Frida Kahlo (1907-1954)
Un 6 de julio, nace en Ciudad de México. esta icónica pintora y mexicana universal.
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https://www.europesays.com/es/621667/ La máquina de contar historias que importamos de Italia #arte #ArteYDiseño #Arts #ArtsAndDesign #Design #Diseño #Entertainment #Entretenimiento #ES #España #Exposiciones #HistoriaDelArte #Italia #MuseoDelPrado #Spain
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Ilustraciones eróticas y satíricas de Martin van Maële (1905)
📰 Título original: Madcap Erotic Scenes from La Grande Danse Macabre des Vifs by Martin van Maële, 1905
🤖 IA: Es clickbait ⚠️
👥 Usuarios: Es clickbait ⚠️Ver resumen IA completo https://es.killbait.com/ilustraciones-eroticas-y-satiricas-de-martin-van-maele-1905.html?utm_source=mastodon_social&utm_medium=social&utm_campaign=killbait_es.mastodon_social
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¿Cómo nos ve el mundo? 🧐 Descubre la nueva exhibición del MUNAL, un viaje visual a través de las pinturas y archivos que definieron la identidad e imagen internacional de México. Toda la información en la nota. 📝✨ #NoticiasCultura #INBAL #HistoriaDelArte #AgendaCultural
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“Quien de verdad sabe de qué habla no encuentra razones para levantar la voz”
Un 2 de mayo muere,
🎨 🪶 Leonardo da Vinci (1452-1519)
Uno de los más populares y aceptados genios del #Renacimiento y de la humanidad.
Sugiero: La muy recomendable biografía que le dedica el gran especialista 🖊️ Walter Isaacson
Editada en español por Bebate 👇️
#HistoriaDelArte #ArteItaliano -
¿De dónde salió realmente el término "Gótico"?
Hoy pensamos en catedrales altas o en chicos con ropa oscura, pero originalmente la palabra "gótico" nació como un insulto. Durante el Renacimiento, los críticos italianos usaban este término para burlarse de la arquitectura de la Edad Media, asociándola con los "godos", las tribus bárbaras que habían saqueado Roma. Para ellos, ese estilo lleno de picos y vitrales era tosco, salvaje y carente de la elegancia clásica. Siglos después, en el XVIII, el término resurgió con la literatura de castillos en ruinas y fantasmas, dándole ese toque romántico y melancólico que hoy conocemos. Pasamos de ser "bárbaros que destruyen ciudades" a ser "almas atormentadas en cementerios" solo por un cambio de perspectiva histórica.
S.P. Filósofa Urbana
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:stargif: 𝑫𝒂𝒍𝒊́: 𝒈𝒆𝒏𝒊𝒐, 𝒆𝒙𝒄𝒆𝒔𝒐 𝒚 𝒖𝒏 𝒑𝒆𝒓𝒔𝒐𝒏𝒂𝒋𝒆 𝒔𝒊𝒏 𝒇𝒓𝒆𝒏𝒐 :stargif:
Salvador Dalí nació en 1904 en Figueres y acabó convirtiéndose en la cara más reconocible del surrealismo.
Tenía una técnica casi fotográfica que pulió en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, pero lo que lo hizo único fue su obsesión por convertir los sueños en imágenes.
Ahí entra la influencia de Sigmund Freud: hormigas, huevos, cuerpos deformados… todo ese mundo simbólico que aparece en cuadros como La persistencia de la memoria.Hasta aquí, el Dalí “de manual”.
Pero su vida fue bastante más incómoda de lo que suelen contar.No era solo excéntrico.
Hay testimonios de comportamientos violentos y una relación muy complicada con su entorno, incluida Gala Dalí.
Su vínculo fue intenso, pero también desequilibrado, con episodios de agresividad en ambos sentidos en la etapa final.
Tampoco ayudaba su relación con la sexualidad: miedo, voyeurismo y una constante necesidad de controlar la situación desde fuera.Con los animales, más de lo mismo.
Los utilizaba como parte de su espectáculo, buscando provocar.
No era tanto crueldad gratuita como una obsesión por romper límites… pero eso no lo hace menos incómodo de ver hoy.Su personalidad tampoco encajaba bien ni siquiera entre los suyos.
André Breton, harto de su obsesión por el dinero, lo rebautizó como “Avida Dollars”.
Y no iba desencaminado: Dalí convirtió su propia figura en un producto.
Mientras otros artistas tomaban postura contra el régimen, él no tuvo problema en mostrarse cercano al franquismo, lo que le ganó bastantes enemistades.La relación con Gala merece capítulo aparte.
Se conocieron en Cadaqués cuando ella aún estaba casada con Paul Éluard.
Dalí quedó fascinado.
Ella vio en él a un genio… y también a alguien a quien dirigir.
Se casaron, no tuvieron hijos, y acabaron viviendo una relación abierta muy peculiar.
Gala tenía amantes jóvenes y Dalí lo aceptaba, incluso lo financiaba.
El famoso “pacto de Púbol” lo resume bien: él le regaló un castillo y solo podía visitarla con permiso.Los últimos años fueron duros.
Enfermedad, dependencia de medicamentos y episodios violentos.
Aun así, cuando Gala murió, Dalí se vino abajo completamente.Hasta su herencia fue un último giro inesperado: dejó todo al Estado español, fuera familia y Generalitat.
Una decisión que aún hoy genera debate y que dejó su obra en manos de la Fundación Gala-Salvador Dalí.Y ni muerto dejó de ser Dalí.
Está enterrado en el Teatro-Museo Dalí, bajo los pies de los visitantes.
Literalmente.
Cuando lo exhumaron en 2017, su bigote seguía intacto, colocado como siempre.Su obsesión con la identidad venía de lejos: tuvo un hermano mayor con su mismo nombre que murió antes de que él naciera.
De niño le dijeron que era su reencarnación.
Creció con esa idea en la cabeza.
No es raro que necesitara llamar la atención constantemente.También vivía lleno de manías: llevaba un trozo de madera como amuleto, tenía pánico a los saltamontes y necesitaba rituales para sentirse seguro.
No era postureo del todo; había miedo real detrás del personaje.Eso sí, sabía perfectamente lo que hacía.
Su “locura” era, en gran parte, construida.
Inventó el método paranoico-crítico para provocar imágenes y luego pintarlas con precisión milimétrica.
Y fuera del lienzo, era puro espectáculo: conferencias con traje de buzo, paseos con animales raros… todo pensado para no pasar desapercibido.Hay anécdotas que lo resumen mejor que cualquier análisis.
Como cuando destrozó un escaparate en Nueva York tras modificarle una obra y acabó detenido.
O cuando diseñó el logo de Chupa Chups en una servilleta en menos de una hora, con la idea brillante de colocarlo arriba para que siempre se viera.También colaboró con Walt Disney en “Destino”, un proyecto surrealista que tardó décadas en terminarse, y llegó a crear uno de los primeros hologramas artísticos junto a Alice Cooper.
Todo le interesaba si podía convertirlo en algo extraño y nuevo.Y luego está su lado más pícaro: pagar cenas con cheques dibujados.
Sabía que nadie los cobraría porque valían más como obra que como dinero.Al final, Dalí fue eso: un genio técnico, un provocador constante y una persona difícil.
Separar al artista de la obra aquí no es fácil… pero tampoco se puede entender uno sin el otro.▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣
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De los talleres gráficos a las instituciones emblemáticas: se revelan los hitos que permitieron la formación de la identidad visual oaxaqueña. El compromiso de sus artistas con lo social y lo estético sigue marcando el pulso del arte contemporáneo en México. 🏛️ #ArteMexicano #HistoriaDelArte
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Despegando hacia el futuro con «Afrofuturismo: Imaginarios del Porvenir»
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Hace unos meses, mientras navegaba entre libros, música terminado en una espiral de búsquedas hacia nuevos conocimientos . En ese navegar constante descubrí a una serie de no pocos creadores que tenían algo en común , aunque se expresaran en distintas manifestaciones artísticas aún así mantenían una misma idea constante expresar de una forma diferente menos centralizada , las ideas , los pensamientos de toda una cultura que otros medios decidían pasar de largo o si hablaban del tema lo hacían con una mirada muy lejana a la realidad distorsionando a su conveniencia toda la identidad de una cultura.
Pero entonces descubrí un universo distinto. Un lugar donde las naves espaciales se visten de telas africanas, donde el jazz viaja a Saturno, donde los ancestros susurran desde códigos de programación y se critica el pasado se repiensa el presente y se sueña en un futuro mejor desde un solo lugar .
Ese lugar se llama Afrofuturismo.
Y desde el 23 de abril, vamos a compartirlo contigo con un nuevo proyecto «Afrofuturismo: Imaginarios del Porvenir», una serie de 5 capítulos producida por El Sueño del Artista junto a la escritora española Keren Turno : El Rincón de Keren .
¿De qué va esto?
El afrofuturismo no es solo ciencia ficción con personas negras. Es una herramienta para criticar el presente, sanar el pasado e imaginar futuros donde todes tengamos cabida. A lo largo de esta temporada, exploraremos desde la
historia secreta de este movimiento recordando a sus pioneros y pensadores ( Sun Ra, Octavia Butler, Mark Dery).
Daremos un vistazo a lo referente que se realiza en la literatura y el cine más actual , seguiremos al ritmo de la música con un jazz cósmico e incluso el reggaetón pero con raíz afro , por supuesto no podíamos dejar de hablar del impacto que ha tenido este movimiento en las artes visuales con sus pioneros que van desde el icónico Basquiat hasta Wangechi Mutu, también aprovechamos para hablar de cómo se comporta el afrofuturismo en campos mas modernos como el cómic africano y los videojuegos .
Y terminaremos este recorrido con la pregunta del millón ¿ Porqué el Afrofuturismo importa hoy ?
Todo esto desde dos miradas: la del Rincón de Keren (contexto español y afroespañol) y la de este humilde redactor El Sueño del Artista (desde Cuba, con sabor latinoamericano y caribeño).
Aprovechemos para hablar o escribir un poco de las voces que se encuentran detrás del micrófono
Keren Turno es escritora española especializada en literatura especulativa y afrofuturismo. Colabora con medios como Zenda y participa en antologías de ficción contemporánea. Actualmente lleva a cabo la promoción de su nuevo y más reciente libro Bekekó
Bekokó» es de esos libros que se sienten. Entre África y España, su protagonista nos arrastra por un viaje de identidad, amor, dolor y superación que conecta desde la primera página. Tiene verdad, emoción y una voz humana que hace imposible mirar hacia otro lado. Ideal para quienes buscan una novela intensa, actual y con alma, de las que te transforman.
Su mirada afroespañola es única y necesaria.
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El Sueño del Artista ( este humilde redactor). Es un proyecto independiente donde confluye podcast , blog y sueños creado desde Cuba, con el corazón puesto en el arte, la cultura y el pensamiento crítico , siendo voz en ocasiones de las culturas de los pueblos.
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¿ Por qué el 23 de abril?
Si eres de los que necesita una fecha especial para todo pues el propio 23 de abril es el Día del Libro, una fecha perfecta para celebrar las historias que nos ayudan a imaginar mundos nuevos. Y también porque, como dice el refrán: “no hay mejor momento que ahora”. Los cinco capítulos estarán disponibles desde el 23 de abril cada jueves en Spreaker, y muy pronto en Spotify, Apple Podcasts y iVoox. Puedes escucharlos en el orden que quieras, aunque te recomiendo empezar por el capítulo 1 para coger el hilo y la vibra cósmica.
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Porque el futuro no está escrito, y tenemos derecho a imaginarlo.
Gracias por llegar hasta aquí. Nos escuchamos o nos leemos muy pronto.
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:stargif: 𝑳𝒂 𝒆𝒔𝒑𝒂𝒅𝒂 𝒅𝒆 𝑷𝒆𝒅𝒓𝒐 𝒚 𝒍𝒂 𝒐𝒓𝒆𝒋𝒂 𝒅𝒆 𝑴𝒂𝒍𝒄𝒐 :stargif:
No es la espada de Malco.
Es una pieza alemana de madera, realizada hacia 1800, que representa el episodio bíblico del arresto de Jesús en Getsemaní.
Según el Evangelio de Juan, Simón Pedro hirió con una espada a Malco, siervo del sumo sacerdote, y le cortó la oreja derecha.Por eso esta obra resulta tan singular.
El artista decidió unir en un solo objeto el arma y la herida.
La espada lleva una oreja tallada en la propia hoja, de modo que la escena puede identificarse al instante, incluso sin conocer demasiado el pasaje bíblico.
Es una forma muy directa —casi didáctica— de contar una historia religiosa mediante un objeto.No se trata de un arma histórica ni de una reliquia del hecho.
Es una interpretación visual y simbólica de un episodio muy conocido de la Pasión.
La pieza está policromada y parcialmente dorada, mide unos 40 centímetros y probablemente fue pensada como objeto devocional o como elemento de enseñanza religiosa.
En los siglos XVIII y XIX no era raro que iglesias o colecciones privadas tuvieran este tipo de piezas curiosas que ayudaban a “recordar” episodios de la Biblia a través de imágenes fáciles de identificar.Más que mostrar solo violencia, la obra remite a un momento muy concreto del relato cristiano.
Malco fue el siervo del sumo sacerdote judío Caifás que participó en el arresto de Jesús en el huerto de Getsemaní.
Es una figura secundaria en la historia, pero se volvió memorable precisamente por ese momento caótico en el que Pedro desenvainó la espada.Hay algunos datos interesantes sobre él.
Era, según los textos, un sirviente o representante directo del sumo sacerdote.
Por eso estaba presente entre los guardias del templo que acompañaron a la patrulla encargada de detener a Jesús aquella noche.
No era un soldado romano, sino parte del grupo que actuaba bajo autoridad religiosa.El episodio de la oreja aparece en los cuatro evangelios, pero solo el Evangelio de Juan menciona su nombre de forma explícita (Juan 18:10).
Ese pequeño detalle ha hecho pensar a algunos estudiosos que el autor podía conocer la identidad de la víctima o que el nombre se había conservado en la tradición oral de las primeras comunidades cristianas.Según el Evangelio de Lucas (22:50-51), Jesús intervino inmediatamente después del golpe.
Tocó la herida y la curó.
Ese gesto suele considerarse el último milagro realizado por Jesús antes de su crucifixión.El momento también ha generado muchas interpretaciones históricas.
La teoría de que Pedro “falló” el golpe no es descabellada.
Muchos historiadores y teólogos creen que Pedro no buscaba simplemente herir a Malco, sino detener la detención por la fuerza.
En otras palabras, probablemente intentó matar.Pedro era pescador, acostumbrado al trabajo físico duro, pero no un combatiente entrenado.
En la oscuridad y el caos de Getsemaní —antorchas, guardias, gritos, movimiento— lo más probable es que lanzara un tajo descendente hacia la cabeza o el cuello de Malco.Si Malco se movió en el último momento —algo bastante lógico cuando ves venir una espada— el golpe habría rozado el lado de la cabeza y cortado la oreja.
El hecho de que fuera la derecha sugiere un tajo cruzado, probablemente ejecutado con la mano dominante.Ese pequeño desvío pudo cambiar mucho las cosas.
Si Pedro hubiera matado a un servidor del sumo sacerdote en ese momento, los guardias habrían tenido un motivo inmediato para reaccionar con violencia.
Es muy posible que la detención de Jesús hubiera terminado en un enfrentamiento armado con consecuencias graves para los discípulos.El propio Jesús detiene la situación.
Según el relato, le dice a Pedro:
“Vuelve tu espada a su lugar; porque todos los que tomen espada, a espada perecerán”.Ese gesto no solo reprende la violencia.
También evita que el arresto se convierta en un incidente sangriento que habría alterado completamente el desarrollo posterior de la Pasión.La tradición cristiana posterior añadió aún más capas a la historia.
Algunas leyendas medievales cuentan que Malco, impresionado por el milagro de la curación, terminó convirtiéndose al cristianismo años después.
No hay pruebas históricas de ello, pero la idea se difundió bastante en sermones y textos devocionales.Y ahí vuelve a cobrar sentido aquella curiosa espada de madera del siglo XIX.
El artista captó justo ese instante extraño en el que se cruzan tres cosas: la violencia humana, el error del golpe… y el milagro que viene después.
Por eso la oreja está tallada en la hoja.
No representa solo la herida.
Representa el momento exacto en que la historia cambia.Un objeto pequeño, casi extraño a primera vista, pero que encierra uno de los episodios más curiosos y comentados de los relatos de la Pasión.
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José Luis Bustamante celebra 50 años en la pintura
El artista plástico celebra medio siglo de trayectoria con una historia marcada por la persistencia, el simbolismo y la convicción de que el arte no es inspiración, sino combate diario frente al lienzo
Por Adriana López | Reportera
José Luis Bustamante no duda cuando mira hacia atrás y después de 50 años frente al lienzo, define su trayectoria como un viaje largo, intenso y profundamente humano, donde la pintura no ha sido solo una profesión, sino una forma de vida.
“Ha sido algo maravilloso recorrer este camino lleno de sueños, de lucha, de esfuerzo, de alegrías y de triunfos”, afirma desde su estudio en este pueblo mágico del estado de Morelos, rodeado de obra, historia y memoria.
Pero lejos de romantizar el oficio, el artista lo describe con crudeza: pintar es una confrontación permanente. “Es una lucha constante, un pleito total con la tela. Cada vez que entro al estudio me pregunto: ¿y ahora qué voy a hacer?”.
Su historia no comenzó en un entorno artístico. Bustamante es el único en su familia que eligió este camino. Desde niño mostró una inclinación natural por el dibujo, que lo llevó a insistir —literalmente— hasta ser aceptado aun sin la edad y estudios suficientes en la Academia de San Carlos, por el entonces director Héctor Garibay, insistencia que marcó el tono de toda su carrera. –sn–
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30 de marzo, a 280 años del nacimiento de un genio en la #HistoriaDelArte
🎨 Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828)
Dejo dos sugerencias de lectura, muy diferentes:
-El libro que le dedica la historiadora 🖋 Janis Tomlinson
-Y, la #FicciónHistórica con sus últimos días de fondo,
de 🖊️ Javier Alandes
#Arte #CulturaEspañola #Pintura #Biografías -
✝️ ¿Por qué las imágenes de Semana Santa parecen “sufrir” tanto?
💁🏻♀️ Post completo en IG:
https://www.instagram.com/p/DWThy6uCBcA#Imaginería #SemanaSanta #ArteBarroco #HistoriaDelArte #Devoción
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Os comparto uno de los collages fotográficos que más me impactaron.
https://historiasdescartadas.es/collages-cargados-con-conciencia/
#HistoriasDescartadas #Historiadelarte #Collage -
"Afrikanisches Stillleben" (1920) es una obra expresionista de la pintora alemana Dorothea Maetzel-Johannsen inspirada en el arte de los países africanos. La artista, preocupada por mejorar el estado de las bellas artes en su ciudad, cofundó en 1919 el movimiento artístico la Secesión de Hamburgo con este objetivo, pero fue disuelto en 1933 por el Tercer Reich.
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Buenas! En los últimos días he estado haciendo manualidades con la historia del arte y, a base de corta y paga os comparto un artículo sobre el Collage, la técnica artística que se convirtió en un arma creativa para señalar las desigualdades y crear conciencia.
Collages Cargados con Conciencia
https://historiasdescartadas.es/collages-cargados-con-conciencia/
#HistoriasDescartadas #Historiadelarte #Collage -
Un 18 de marzo muere con 81 años,
🎨 Tamara de Lempicka (Varsovia, 1898–Cuernavaca, 1980)
Genial pintora polaca de estilo #ArtDéco
Dejó para la #HistoriaDelArte una increíble galería de retratos de la alta burguesía y decadente aristocracia de su época.
Su biografía, está repleta de misterios que ella misma se encargó de alimentar y por lo tanto se ha escrito mucho sobre su apasionante vida...
Toca sugerir algo diferente y me inclino por la magnífica #NovelaGráfica que le dedican,
🖊️ Virginie Greiner y 🖌️Daphné Collignon
que está editada aquí por Planeta #Cómic
#Arte #Pintura #Sociedad -
⛪️ Elementos del arte gótico.
💁🏾 Post completo en IG:
https://www.instagram.com/p/DV_TgrICLXp#ArteGótico #HistoriaDelArte #EdadMedia #Catedrales #ArquitecturaGótica
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⛪️ Elementos del arte románico.
💁🏽♂️ Post completo en IG:
https://www.instagram.com/p/DV6WaBoiPlv#ArteRománico #HistoriaDelArte #EdadMedia #Arquitectura #EsculturaRománica
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Detrás de “La cuna”: Lo que el episodio sobre Berthe Morisot no pudo contar
#podcast #ElSueñodelArtistaBlog #Impresionismo #Arte #MujeresArtistas #DiadelaMujer #HistoriadelArte #BertheMorisot Estamos de vuelta esta vez con la primera entrega de la serie del podcast "Madre, Mujer, Artista" La cuna (1892 ) por Berthe Morisot Cada 8 de marzo se celebra el día internacional de la mujer para honrar este día publicamos el primer episodio de Madre, Mujer, Artista, donde…
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En sus últimos años se trasladó a Francia bajo la protección de Francisco I de Francia. Murió en 1519 en Amboise.
La imagen romántica del rey sosteniendo su cabeza en el lecho de muerte es probablemente un mito posterior, pero encaja bien con la leyenda.Leonardo dejó obras como la La Gioconda y La Última Cena, pero su legado real está en su método: observar sin prejuicio, cuestionarlo todo, unir disciplinas.
No fue un sabio académico.
Fue un hombre que miraba el mundo como si nadie antes lo hubiera mirado.
Y esa forma de mirar sigue siendo peligrosa hoy, porque obliga a pensar por cuenta propia.▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣
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🏛 Tipos de arcos en la arquitectura.
El arco permitió cubrir grandes espacios y transformar la arquitectura desde la Antigüedad.
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El Chivo Expiatorio del Arte: Lo que no se contó en el episodio .
#podcast #ArteDegenerado #ElSueñodelArtistaBlog #HistoriadelArte #inoclastas #destrucciondeArte Han pasado unos días desde que publicamos el nuevo episodio "El Chivo Expiatorio del Arte" en El Sueño del Artista, ya son 7 episodios de esta II temporada y cómo ya viene siendo costumbre dejamos algunas palabras acerca del episodio Esta vez hablaremos de algunas anotaciones que , quedaron fuera del guion…
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:stargif: 𝑱𝒆𝒂𝒏𝒏𝒆 𝑯𝒆́𝒃𝒖𝒕𝒆𝒓𝒏𝒆: 𝒆𝒍 𝒔𝒂𝒍𝒕𝒐 𝒂𝒍 𝒗𝒂𝒄𝒊́𝒐 𝒒𝒖𝒆 𝒄𝒆𝒓𝒓𝒐́ 𝒍𝒂 𝒉𝒊𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒅𝒆 𝑴𝒐𝒅𝒊𝒈𝒍𝒊𝒂𝒏𝒊 :stargif:
La imagen es brutal: una joven de 21 años, embarazada de ocho meses, se arroja desde un quinto piso dos días después de enterrar al hombre al que amaba.
Durante años se repitió que fue “por amor”.
Pero reducir la muerte de Jeanne Hébuterne a un gesto romántico es una forma cómoda de no mirar lo que realmente ocurrió.Jeanne conoció a Amedeo Modigliani en 1917, en la Académie Colarossi.
Él tenía 33 años; ella, 19.
Era estudiante de pintura, discreta, talentosa, con una mirada intensa que hoy reconocemos en muchos retratos de Modigliani.
Su familia, católica y conservadora, rechazó de inmediato la relación: él era judío, bohemio, enfermo, bebedor, pobre.
Todo lo que una hija “decente” no debía elegir.Jeanne lo eligió igual.
Se fueron a vivir juntos en el París de Montparnasse, entre talleres fríos, deudas y noches largas.
Tuvieron una hija en 1918. Modigliani la pintó una y otra vez: rostro ovalado, cuello alargado, ojos sin pupilas.
La convirtió en icono.
Pero mientras él avanzaba hacia la posteridad, ella iba quedando en la sombra.
También pintaba.
Tenía obra propia.
Casi nadie la miraba.En enero de 1920, Modigliani murió con 35 años, oficialmente de meningitis tuberculosa.
Llevaba días delirando en una habitación miserable.
Jeanne estaba allí.
Lo vio apagarse.
Y no era solo el compañero sentimental el que moría: era el centro de su mundo.Dos días después del funeral —al que él fue despedido como un príncipe de la bohemia— Jeanne regresó a casa de sus padres.
Allí no encontró refugio, sino tensión.
Se discutía el futuro de sus hijos, la niña pequeña y el bebé que estaba a punto de nacer.
En la Francia de 1920, ser madre soltera, sin dinero y sin el “escándalo” de un marido reconocido, era una condena social.
Y su familia nunca había aprobado esa relación.Hay que sumar algo más incómodo: estaba embarazada de ocho meses.
El cuerpo en ese estado vive una tormenta hormonal intensa.
A eso se añadió un shock traumático reciente, duelo agudo, agotamiento físico y un aislamiento casi total.
No tenía estabilidad económica, ni respaldo emocional sólido, ni un horizonte claro.
Solo reproches y un futuro incierto.¿Fue por amor?
Sí, probablemente lo amaba profundamente.
Pero también fue desesperación, desamparo y una sensación de no tener salida.
Cuando una persona pierde su sostén afectivo y además siente que todo alrededor se derrumba, la mente puede estrecharse hasta ver una sola puerta.El 26 de enero de 1920 se lanzó por la ventana del quinto piso.
Murió ella y murió el hijo que esperaba.La diferencia en los entierros es un retrato perfecto de la época.
Modigliani fue enterrado en Père-Lachaise, acompañado por artistas y admiradores.
Jeanne fue sepultada en secreto por su familia en el cementerio de Bagneux.
Silencio, vergüenza, discreción.
Tuvieron que pasar diez años para que el hermano de Modigliani lograra que trasladaran sus restos junto a los de él.
Desde 1930 reposan juntos bajo una inscripción que habla de “compañera devota hasta el sacrificio extremo”.Pero Jeanne no fue solo compañera.
Fue pintora.
Fue una joven que desafió a su entorno y pagó un precio altísimo.
Y su muerte no debería leerse como un gesto romántico sino como el resultado de una suma letal: duelo, presión social, dependencia afectiva, embarazo avanzado y falta de apoyo.La bohemia de Montparnasse nos gusta cuando la vemos en cuadros y fotografías.
Es más difícil mirarla cuando termina en una ventana abierta y una familia discutiendo qué hacer con los hijos.La historia de Jeanne Hébuterne es, en el fondo, la historia de una mujer que quedó atrapada entre el amor, el escándalo y la soledad.
Y cuando nadie sostuvo esa red, el vacío hizo el resto.▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣
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:stargif: 𝑪𝒂𝒎𝒊𝒍𝒍𝒆 𝑪𝒍𝒂𝒖𝒅𝒆𝒍, 𝒆𝒍 𝒕𝒂𝒍𝒆𝒏𝒕𝒐 𝒒𝒖𝒆 𝒍𝒂 𝒉𝒊𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒒𝒖𝒊𝒔𝒐 𝒆𝒏𝒄𝒆𝒓𝒓𝒂𝒓 :stargif:
Camille Claudel nació en 1864 con un don que no pedía permiso.
En una Francia donde la Escuela de Bellas Artes estaba cerrada a las mujeres, ella viajó a París decidida a ser escultora. No “aficionada”.
No “musa”. Escultora.
Se formó en talleres privados que aceptaban alumnas y pronto destacó por una fuerza expresiva poco común.
Tenía técnica, sí, pero también algo más difícil de enseñar: una sensibilidad feroz.En 1883 conoció a Auguste Rodin.
Ella tenía diecinueve años.
Él era el escultor más célebre del momento.
Lo que comenzó como una relación de maestro y discípula se transformó en colaboración artística y en un vínculo amoroso intenso y turbulento.
Trabajaron juntos durante años.
Hoy se reconoce que Camille participó activamente en el modelado de manos y pies de grandes conjuntos como "Las Puertas del Infierno".
No fue solo inspiración.
Fue autora.Pero Rodin nunca abandonó a Rose Beuret, su compañera de toda la vida.
Camille quería reconocimiento propio, independencia, un lugar que no dependiera de él.
La ruptura fue devastadora en lo personal y en lo profesional.
El sistema artístico, profundamente masculino, la dejó sola.
Las obras dejaron de venderse.
Las ayudas desaparecieron.En 1899 modeló L’Âge Mûr (La Edad de Madurez).
Es imposible no leerla como autobiografía en bronce.
Un hombre maduro avanza arrastrado por una figura envejecida, mientras una joven desnuda se arrodilla suplicante, con los brazos extendidos en un gesto de desesperación física.
Es una escena de abandono sin maquillaje.
Rodin se sintió aludido.
Y el apoyo que aún le brindaba terminó.A partir de entonces, el aislamiento se volvió más profundo.
Camille comenzó a sospechar que Rodin conspiraba para robarle ideas y arruinar su carrera.
Parte de esa desconfianza tenía raíces reales en un entorno que la minimizaba.
Parte fue derivando hacia una paranoia creciente.
En sus últimos años de libertad destruyó muchas de sus propias obras a martillazos.
No quería que “él” se beneficiara de ellas.
Es un gesto que duele, porque sabemos cuánto talento se perdió ahí.En 1913, apenas ocho días después de la muerte de su padre —el único miembro de la familia que la apoyaba—, su hermano Paul Claudel firmó la orden de internamiento.
Paul, poeta brillante y diplomático respetado, consideró que su hermana era una vergüenza y un riesgo para el honor familiar.
Los médicos enviaron durante años informes señalando que su estado permitía una vida fuera del hospital.
La familia nunca autorizó su salida.Camille pasó treinta años internada en el hospital psiquiátrico de Montfavet.
Escribió cartas lúcidas, suplicando que la dejaran salir, explicando la injusticia de su encierro.
Nadie respondió de forma efectiva.
Durante la ocupación alemana, los hospitales psiquiátricos franceses sufrieron escasez extrema de alimentos.
Se calcula que decenas de miles de pacientes murieron por desnutrición.
Camille fue una de ellos.
Murió el 19 de octubre de 1943.
Ningún familiar asistió a su entierro.
Fue sepultada en una fosa común.Y, sin embargo, su obra sobrevivió.
"Clotho" (1893) muestra a una anciana enredada en sus propios cabellos, como si el destino fuera una trampa viscosa.
Es una imagen brutal de decadencia y asfixia.
"Les Causeuses" (1897) presenta a cuatro mujeres susurrando en un espacio cerrado, casi conspirativo; ahí ya se percibe su sensación de aislamiento.
En "El Abandono" (Shakuntala), el reencuentro amoroso está cargado de fragilidad, no de triunfo.
Sus figuras parecen a punto de quebrarse, como si el mármol respirara tristeza.Hoy su nombre está rehabilitado.
Sus esculturas dialogan de igual a igual con las de Rodin en el Museo de Orsay.
En 2017 se inauguró el Museo Camille Claudel en Nogent-sur-Seine, dedicado íntegramente a su obra.
Ya no es “la amante de”.
Es una de las grandes escultoras de finales del siglo XIX.Pero la rehabilitación no borra la pregunta incómoda: ¿cuántas mujeres fueron silenciadas por no encajar en el molde?
Camille no fue encerrada solo por enfermedad.
Fue encerrada por ser incómoda, brillante y demasiado libre para su tiempo.Su historia no es solo una tragedia artística.
Es una advertencia.
El talento necesita espacio.
Cuando se le niega, no solo se destruye a la persona.
Se empobrece la cultura entera.▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣
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:stargif: 𝑪𝒍𝒆𝒎𝒆𝒏𝒕𝒊𝒏𝒆 𝑯𝒖𝒏𝒕𝒆𝒓: 𝑳𝒂 𝒎𝒖𝒋𝒆𝒓 𝒒𝒖𝒆 𝒑𝒊𝒏𝒕𝒐́ 𝒍𝒂 𝒉𝒊𝒔𝒕𝒐𝒓𝒊𝒂 𝒄𝒖𝒂𝒏𝒅𝒐 𝒍𝒆 𝒏𝒆𝒈𝒂𝒓𝒐𝒏 𝒍𝒂𝒔 𝒍𝒆𝒕𝒓𝒂𝒔 :stargif:
Clementine Hunter pasó medio siglo recogiendo algodón.
Literalmente medio siglo.
Desde niña hasta bien entrada la madurez, con el sol de Luisiana cayéndole encima y una vida que no dejaba espacio para soñar.
No sabía leer, no sabía escribir y nunca pudo firmar su nombre.
El sistema ya había decidido quién era y hasta dónde podía llegar.Y entonces, a los 53 años, encontró unos tubos de pintura tirados a la basura.
No buscaba convertirse en artista.
Ni en referente.
Ni en nada parecido.
Simplemente pensó que era una pena desperdiciar esos colores.
Así que pintó.
En una persiana vieja.
Luego en cartones, botellas, tapas de frascos, lo que hubiera a mano.
Pintó lo único que conocía: su mundo.
Bautismos en el río Cane, días de lavado, bodas, funerales, bailes del sábado, campos de algodón.Mientras los museos miraban a otro lado, Clementine estaba dejando un archivo visual irreemplazable de la vida criolla negra del sur de Estados Unidos.
Sin academicismos.
Sin perspectiva “correcta”. Sin pedir permiso.Los críticos la llamaron “primitiva”, “ingenua”, “arte popular”.
Como si eso fuera un límite.
Ella siguió pintando.
Más de 5.000 obras.
Trabajando.
Criando hijos.
Viviendo en la pobreza.
Pintando hasta casi los 101 años.Sus cuadros se vendían por centavos mientras empezaban a falsificarlos.
Su firma —una C y una H al revés, entrelazadas— se convirtió en símbolo de autenticidad. Irónico para alguien a quien le negaron las letras toda su vida.Hoy su obra está en el Smithsonian.
Hay un día oficial con su nombre.
Se estudia su trabajo como preservación cultural esencial.
El reconocimiento llegó tarde, sí.
Demasiado tarde para cambiar su vida material.
Pero llegó.Clementine Hunter no intentó pintar como los maestros europeos.
Estaba haciendo algo mucho más radical: asegurarse de que su gente no desapareciera de la historia.
Demostró que la creatividad no necesita títulos, ni juventud, ni dinero.
Solo memoria, constancia y la obstinación de pintar incluso cuando solo tienes una persiana vieja.Le negaron la educación.
Así que escribió la historia con pinceles.Murió el 1 de enero de 1988, en Natchitoches, Luisiana, con 101 años.
Su muerte fue natural, consecuencia de la edad.
Había pintado hasta apenas un mes antes de fallecer.
No dejó de crear mientras tuvo fuerzas, como si pintar fuera simplemente otra forma de respirar.Cerró los ojos sin haber salido casi nunca de su tierra, sin haber visto en persona muchos de los museos que hoy conservan su obra.
Pero dejó algo mucho más duradero: un testimonio visual completo de una comunidad que el arte oficial había decidido ignorar.▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣▣
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🛠 La Edad de los Metales: cuando la tecnología transformó la sociedad.
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¿Por qué tanto oro? Para los antiguos egipcios, este metal era la "carne de los dioses". Al ser un material que no se corroe ni pierde su brillo, representaba la eternidad y la divinidad. Enterrar al faraón en 110 kg de oro puro era una forma de garantizar que su cuerpo se transformara en un ser inmortal.
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En #octubre nuestro profe de Historia del Arte vuelve al blog de @AulaPublica con una visión truculenta de la vida de #Goya tras el inicio de su sordera.
Descubre "Goya: lo sublime terrible", de #ELTorres y #FranGalán 👇👇
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https://www.aulapublica.es/donde-habitan-los-monstruos-de-goya/