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  1. 🧿 𝑱𝒆𝒂𝒏𝒊𝒆 𝒚 𝑨𝒍 𝑻𝒐𝒎𝒂𝒊𝒏𝒊, 𝒍𝒂 𝒑𝒂𝒓𝒆𝒋𝒂 𝒒𝒖𝒆 𝒆𝒍 𝒄𝒊𝒓𝒄𝒐 𝒄𝒐𝒏𝒗𝒊𝒓𝒕𝒊𝒐́ 𝒆𝒏 “𝒓𝒂𝒓𝒆𝒛𝒂” 🧿

    Durante décadas, los carteles de feria intentaron venderlos como si fueran una especie de espectáculo imposible.

    “La pareja más extraña del mundo”.
    “El gigante y la mujer sin piernas”.
    “Una curiosidad humana”.

    Pero detrás de aquellos anuncios exagerados había algo muchísimo más sencillo y mucho más real: dos personas que se enamoraron y construyeron una vida juntos en una época que apenas sabía tratar con dignidad a quienes eran diferentes.

    Al Tomaini nació en 1912 y desde niño empezó a crecer de forma descomunal debido a gigantismo causado probablemente por un tumor en la glándula pituitaria.
    Terminó alcanzando más de 2 metros y 40 centímetros de altura y llegó a pesar alrededor de 160 kilos.
    Sus manos eran enormes, usaba zapatos gigantescos y llamaba la atención allá donde iba.

    Pero quienes lo conocieron decían algo curioso: que era un hombre tranquilo, amable y bastante tímido.

    Antes del circo había trabajado como pescador y también en tareas relacionadas con el agua y los muelles.
    No soñaba necesariamente con ser una atracción pública.
    Pero en los años 30, para muchas personas con condiciones físicas poco comunes, el espectáculo ambulante era casi la única forma de encontrar trabajo estable y ganar dinero.

    Ahí terminó entrando en el circuito de ferias y sideshows.

    Y fue allí donde conoció a Jeanie.

    Jeanie Tomaini, nacida como Jeanie Lake, había venido al mundo con una malformación congénita que le impedía desarrollar las piernas.
    Medía aproximadamente 60 centímetros y se desplazaba utilizando las manos y la fuerza del torso.
    Pero reducirla a eso sería no entender quién era realmente.

    Jeanie era increíblemente fuerte.

    Hacía acrobacias, equilibrios, números físicos y rutinas que dejaban al público sorprendido.
    Tenía una personalidad vivísima, mucho sentido del humor y una enorme capacidad para manejar un mundo que constantemente intentaba convertirla en objeto de exhibición.

    Cuando ella y Al empezaron su relación, mucha gente pensó que era simplemente parte del espectáculo.

    Pero no.

    Se enamoraron de verdad.

    Y eso era precisamente lo que más desconcertaba al público.

    Porque en aquella época muchísima gente veía a las personas con diferencias físicas como curiosidades, no como personas normales capaces de tener relaciones reales, deseos propios o una vida familiar corriente.

    Se casaron en 1936.

    Y aunque siguieron trabajando un tiempo en espectáculos itinerantes, poco a poco fueron cansándose de vivir constantemente convertidos en cartel publicitario.

    Los promotores explotaban muchísimo a los artistas de feria.
    Muchas veces controlaban incluso cómo debían hablar, vestir o relacionarse en público.
    Las historias personales se exageraban o directamente se inventaban para vender entradas.

    Jeanie y Al terminaron buscando algo distinto.

    Y lo encontraron en un lugar muy peculiar: Gibsonton, Florida.

    El pueblo, conocido como “Gibtown”, se convirtió desde mediados del siglo XX en refugio para artistas de circo, feriantes y trabajadores de carnavales ambulantes.
    Allí vivían gigantes, mujeres barbudas, tragasables, domadores, enanos y artistas de todo tipo durante la temporada baja.

    Era uno de los pocos sitios donde nadie miraba raro a nadie.

    Allí podían caminar por la calle sin convertirse automáticamente en espectáculo.

    Y en ese lugar Jeanie y Al construyeron por fin una vida normal.

    Abrieron un restaurante y campamento de pesca llamado Giant’s Camp, cerca del río.
    El local se hizo muy popular entre pescadores, vecinos y artistas del circo.
    Al cocinaba pescado, saludaba a los clientes y era conocido por su carácter amable.
    La gente del pueblo terminó apreciándolo muchísimo.

    Con el tiempo incluso llegó a ejercer como jefe de policía y de bomberos de Gibsonton.
    Y eso dice bastante sobre cómo lo veía realmente la comunidad: no como una rareza de feria, sino como un vecino respetado.

    Mientras tanto, Jeanie administraba parte del negocio, llevaba tareas relacionadas con la oficina postal local y seguía siendo el verdadero motor organizativo de la familia.

    Porque sí, tuvieron familia.

    Adoptaron dos hijas y construyeron un hogar juntos.

    Eso es probablemente lo más importante de toda esta historia.

    Mientras el mundo seguía intentando venderlos como “fenómenos”, ellos estaban haciendo exactamente lo mismo que millones de personas normales: trabajar, pagar cuentas, criar niñas, cocinar, discutir, enamorarse y vivir.

    Y quizá precisamente por eso siguen fascinando hoy.

    Porque obligan a mirar de frente algo incómodo: cómo durante muchísimo tiempo la sociedad convirtió las diferencias físicas en entretenimiento público.

    Los llamados “freak shows” del siglo XIX y principios del XX mezclaban explotación y supervivencia de una manera complicada.
    Muchos artistas eran utilizados y exhibidos cruelmente.
    Pero al mismo tiempo, para bastantes de ellos esos espectáculos eran también el único lugar donde podían ganar dinero, viajar y encontrar una comunidad donde no fueran rechazados.

    Gibsonton nació en parte de esa necesidad.

    Y Jeanie y Al representan perfectamente esa contradicción.

    No fueron simples víctimas pasivas ni personajes de cuento.

    Fueron dos personas que intentaron tomar el control de sus propias vidas dentro de un sistema que constantemente quería reducirlos a una imagen impactante.

    Al murió en 1962 con solo 49 años, probablemente debido a complicaciones relacionadas con su gigantismo.
    Su muerte afectó muchísimo a la comunidad de Gibsonton.

    Pero Jeanie siguió adelante.

    Continuó administrando el negocio familiar durante años y siguió siendo una figura muy querida del pueblo.
    Nunca abandonó aquel lugar donde por fin había encontrado algo parecido a la normalidad.

    Y quizá ahí está la parte más bonita de toda esta historia.

    Que después de años siendo observados como espectáculo, consiguieron construir un espacio donde podían simplemente ser marido y mujer.

    No “el gigante y la mujer diminuta”.

    Solo Jeanie y Al.

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    ➡️ 𝐷𝑜𝑐𝑢𝑚𝑒𝑛𝑡𝑎𝑙

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  10. 🧿𝑳𝒂 𝒂𝒗𝒆𝒓𝒔𝒊𝒐́𝒏 𝒅𝒆 𝑱. 𝑹. 𝑹. 𝑻𝒐𝒍𝒌𝒊𝒆𝒏 𝒉𝒂𝒄𝒊𝒂 𝑫𝒊𝒔𝒏𝒆𝒚 🧿

    J. R. R. Tolkien no era precisamente un admirador de Walt Disney.
    Le reconocía talento, pero eso no le impedía sentir un rechazo bastante profundo hacia sus películas.
    En una carta de 1964 llegó a decir que ese talento le parecía «irremediablemente corrompido».
    Es una afirmación dura, sobre todo si tenemos en cuenta la enorme influencia que Disney ya tenía entonces en el mundo de la animación.

    Para entender de dónde venía esa aversión, conviene recordar que Tolkien no veía los cuentos de hadas como simples historias para entretener a los niños.
    Era filólogo, conocía bien la literatura medieval y llevaba años estudiando las lenguas, las leyendas y los mitos que acabarían alimentando su propia obra.
    Cuando publicó *El hobbit* en 1937, no estaba construyendo únicamente una aventura fantástica: estaba dando forma a un mundo con su historia, sus pueblos, sus tradiciones y una mitología que se extendería después en *El señor de los anillos*.

    Ese mismo año, Disney estrenó en Estados Unidos *Blancanieves y los siete enanitos*, el primer largometraje animado de la compañía.
    La película fue un acontecimiento para el cine y demostró que la animación podía sostener una historia larga y atraer a un público enorme.
    Su estreno comercial en el Reino Unido llegó en 1938, y fue después de ese estreno cuando Tolkien acudió a verla con su amigo C. S. Lewis, el escritor de *Las crónicas de Narnia*.

    Los dos tenían sus reservas, aunque no exactamente por las mismas razones.
    Lewis dejó por escrito sus críticas a la película, especialmente al tratamiento de los enanos, que le parecían caricaturescos.
    Tolkien también rechazaba ese estilo.
    Para alguien tan interesado en la mitología y en el peso de las tradiciones literarias, convertir unas criaturas con una larga historia cultural en personajes cómicos podía resultar bastante molesto.

    Pero su desacuerdo con Disney iba más allá de los enanos de *Blancanieves*.
    Tenía que ver con su manera de entender la fantasía y con lo que consideraba importante conservar en una historia.

    En su ensayo *Sobre los cuentos de hadas*, publicado en una versión revisada en 1947, Tolkien explicó que estos relatos podían tratar cuestiones muy serias.
    No eran necesariamente historias ingenuas ni tenían por qué proteger al lector de todo lo desagradable.
    Podían hablar de la muerte, del miedo, del fracaso y del mal, y al mismo tiempo ofrecer esperanza.
    Para él, la fantasía no consistía en escapar de la realidad sin más, sino en explorar aspectos de la experiencia humana desde otro mundo.

    Una de sus ideas más conocidas es la *eucatástrofe*, el giro inesperado que permite que una historia termine felizmente cuando todo parecía perdido.
    El concepto es importante porque Tolkien no entendía el final feliz como una solución fácil.
    Para que la alegría tuviera verdadero sentido, el peligro debía ser real y la posibilidad de perderlo todo tenía que haber estado presente.
    La esperanza no borraba el sufrimiento anterior: precisamente por eso el desenlace podía emocionar.

    Esta forma de entender los cuentos ayuda a explicar sus reservas ante determinadas adaptaciones, aunque sería exagerado afirmar que toda su crítica a Disney se reducía a una discusión sobre los finales felices.
    De hecho, *Blancanieves* contiene escenas oscuras y una villana que no resulta precisamente inofensiva.
    El problema, desde la perspectiva de Tolkien, estaba también en el tratamiento de los personajes, en el tono humorístico y en la manera de transformar materiales tradicionales para adaptarlos al lenguaje de los estudios Disney.

    La diferencia entre ambos se aprecia especialmente al comparar sus formas de trabajar con la fantasía.
    Disney convertía cuentos conocidos en películas con una identidad visual muy marcada, canciones, humor y personajes reconocibles. Tolkien, en cambio, daba una importancia enorme a la coherencia interna de sus mundos, a sus lenguas y a la historia que había detrás de cada pueblo.
    Sus enanos no eran simplemente compañeros de aventura con personalidades distintas; formaban parte de una tradición imaginaria mucho más amplia, que él había desarrollado con sus propias referencias mitológicas.

    Por eso los nombres y las caracterizaciones de los siete enanitos podían parecerle una simplificación de algo que, para él, tenía más profundidad.
    No significa que una adaptación deba ser idéntica a su fuente ni que cambiar un personaje sea necesariamente un error.
    Significa que Tolkien valoraba especialmente aquellos elementos que permitían que un mundo fantástico pareciera tener vida propia, más allá de lo que el lector veía directamente en la historia.

    Su rechazo quedó expresado de forma muy clara en una carta a J. L. Curry fechada el 15 de julio de 1964.
    En ella reconocía el talento de Disney, pero decía que le parecía irremediablemente corrompido y que el efecto general de sus películas le resultaba desagradable.
    También criticaba duramente sus prácticas comerciales.
    No era, por tanto, una discrepancia que podamos atribuir únicamente a una diferencia de gustos cinematográficos.

    Conviene, eso sí, distinguir los hechos de las interpretaciones.
    No tenemos base para asegurar que Tolkien considerase *Blancanieves* una película peligrosa exactamente por las razones que hoy podríamos imaginar.
    Sí sabemos que rechazaba profundamente el estilo de Disney y que sus ideas sobre los cuentos de hadas ayudan a comprender parte de ese rechazo.

    También es razonable relacionar esa preocupación con su cautela ante las posibles adaptaciones de su propia obra.
    Tolkien temía que trasladar sus libros a otros medios implicara perder elementos importantes, y era muy consciente de que una historia podía cambiar considerablemente al pasar de la página a la pantalla.
    En *El señor de los anillos*, personajes como Sam, Gollum o Boromir tienen motivaciones y contradicciones que no se entienden bien si los reducimos a una sola característica.
    Su importancia está precisamente en esa complejidad.

    Ahora bien, tampoco hace falta convertir a Tolkien en el defensor de una fantasía pura y a Disney en el responsable de haberla estropeado.
    Las películas de Disney han acercado los cuentos tradicionales a varias generaciones y han dejado una huella enorme en la cultura popular. Tolkien, por su parte, construyó un universo literario de una profundidad extraordinaria.
    Se pueden disfrutar ambas cosas sin fingir que sus autores entendían la fantasía de la misma manera.

    Lo interesante de esta historia es que plantea una cuestión que sigue vigente: ¿qué ocurre cuando una obra se adapta para llegar a un público más amplio?
    A veces los cambios permiten que una historia encuentre una nueva vida; otras veces se pierden matices, tradiciones o significados que eran importantes en el original.
    No hay una respuesta única, porque depende de la obra y de lo que se haga con ella.

    Tolkien desconfiaba de la forma en que Disney transformaba los cuentos, mientras que Disney demostró que esas historias podían convertirse en un fenómeno cinematográfico.
    Ambos dejaron una huella enorme, aunque siguieron caminos muy distintos.

    Y quizá ahí esté lo más interesante: una historia puede hacernos reír, emocionarnos o acompañarnos durante la infancia, pero también puede contener muchas más cosas de las que percibimos a primera vista.
    La cuestión no es que los cuentos deban ser siempre oscuros o complicados, sino que no conviene dar por hecho que simplificarlos nunca tiene consecuencias.

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    #tolkien #disney #mitologia #cuentosdehadas #literatura #historiacultural #fantasia #culturapop #narrativa #filologia

  11. El mañana que nunca llegó: El choque entre los futuros de la ficción y nuestra realidad

    Las fechas emblemáticas de la ciencia ficción, los autos voladores que nos prometieron y los verdaderos caminos que tomó la tecnología en nuestro presente.

    Cuando nos ponemos a revisar las viejas películas, cómics y novelas de ciencia ficción que se hicieron en el siglo pasado, da una sensación muy extraña. Quienes crecieron leyendo esas historias o viendo las producciones de Hollywood estaban seguros de que, al pasar la barrera del año 2000, la vida humana iba a cambiar por completo y seríamos como los personajes de los viajes espaciales. En la televisión y las salas de cine nos aseguraban que para este momento de la historia viajar a otros planetas sería cosa de todos los días, los autos voladores llenarían los cielos de las ciudades para que cualquiera pudiera ir al trabajo en ellos, la ingeniería genética nos dejaría clonar personas para tener refacciones médicas y los robots con inteligencia artificial caminarían por las calles, ya fuera para ayudarnos con el quehacer o para armar una rebelión contra la humanidad. Sin embargo, basta con asomarse a la ventana para ver que los coches siguen atorados en el tráfico sobre el asfalto y que las máquinas, aunque son muy avanzadas, no tienen alma ni conciencia propia.

    Esta gran diferencia entre las fechas que ponían en las historias y lo que de verdad pasó ocurre porque la ciencia ficción nunca se trató de adivinar el futuro como si fuera una profecía, sino que siempre funcionó como un espejo de los miedos y las preocupaciones de la época en que se inventó. En las décadas de 1950 y 1960, el mundo entero vio el inicio de los viajes espaciales y los primeros reactores nucleares, lo que hizo que la sociedad pensara que el progreso tecnológico seguiría un camino rápido y directo hacia las estrellas. Si en unos cuantos años pasamos de no tener aviones grandes a pisar la Luna, parecía muy lógico pensar que en el año 2000 la colonización de Marte sería algo normal. Los creadores de historias tomaron esa emoción de su presente y la llevaron al extremo para inventar sus mundos, pero no tomaron en cuenta que la ciencia real avanza despacio y con muchas dificultades, topándose con límites que no se pueden romper, falta de dinero por parte de los políticos y crisis económicas que congelan los proyectos.

    El cine de los años 1980 y 1990 cambió ese entusiasmo por el espacio y prefirió mostrar mundos oscuros y destructivos, pero usando la misma idea de hablar del mañana para quejarse de las cosas que estaban mal en ese momento. Cuando la saga de Terminator puso el fin del mundo en el año 1997, el director de la película no estaba haciendo una investigación científica sobre computadoras, sino que reflejaba el miedo de la gente a una guerra nuclear en los últimos años de la Guerra Fría y el temor a que los militares perdieran el control de sus armas. Lo mismo pasa con las historias cyberpunks que llenaron los cómics y los videojuegos con empresas que mandaban más que los gobiernos y personas con partes de robot en el cuerpo; eran una exageración y una burla hacia la avaricia corporativa y la pérdida de la privacidad que se empezaba a notar en esos tiempos. Los autores ponían fechas muy cercanas porque necesitaban que el público sintiera peligro y urgencia, algo que no habrían logrado si ponían la historia en el año 3000.

    Al comparar esos universos de ficción con la realidad, nos damos cuenta de que la tecnología no se quedó parada, sino que simplemente caminó por un rumbo que casi nadie pudo imaginar. No tenemos las patinetas flotantes de las películas ni vivimos en ciudades en el cielo, pero traemos en el bolsillo un teléfono que en realidad es una computadora muy potente conectada a una red global que cambió la economía, las relaciones y la forma de buscar datos de una manera que antes habría parecido algo sobrenatural. Las historias fallaron en las fechas y en las formas porque se imaginaron aparatos gigantescos y naves espaciales, sin darse cuenta de que la verdadera revolución iba a ocurrir en lo que no se ve, es decir, en los programas, los datos y la interconexión de las personas por internet. El mañana nunca es una línea recta, sino el resultado de las cosas que hacemos todos los días y lo impredecible que puede pasar en el trayecto.

    — A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso

    Alt text via @altbot y @TeLoDescribot

    #CienciaFicción #Cine #CulturaPop #Futuro #Tecnología

  12. Con 80 años, Shelvy Neal celebró su cumple organizando su propio funeral por FOMO: ataúd de cartón, micrófono abierto y 100 invitados, con ella al mando y mucho humor. aidoo.news/noticia/Wl1g2B

    #HistoriasHumanas #FOMO #EstadosUnidos #CulturaPop

  13. #datocurioso

    ¿Sabían que el famoso y extraño coro de la canción Aserejé es en realidad un tema de rap en inglés pero cantado muy mal?

    En el año 2002 todo el mundo andaba bailando este éxito del grupo español Las Ketchup, y aunque en su momento salieron un montón de teorías ridículas sobre supuestos mensajes ocultos, la realidad es mucho más simple y divertida. La canción nos cuenta la historia de Diego, un tipo que llega a una discoteca con toda la actitud y le pide al DJ que ponga su canción favorita, el problema es que el DJ era su amigo, la discoteca estaba llenísima y Diego no sabía ni una sola palabra de inglés.

    Resulta que el tema que Diego quería escuchar era Rapper's Delight, un clásico que la agrupación estadounidense The Sugarhill Gang lanzó en 1979 y que es considerado una de las piezas clave en la historia del hip-hop. Cuando la canción original decía en su arranque I said a hip, hop, the hippie to the hippie, lo que Diego realmente alcanzaba a balbucear y entender en su propia cabeza era el famosísimo aserejé ja de jé de jebe, adaptando el ritmo del rap a su propio idioma y de la forma en que dios le dio a entender.

    — A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso

    #DatoCurioso #Música #Historia #LasKetchup #HipHop #CulturaPop

    The Sugarhill Gang - Rapper's Delight (Official Video) - YouTube
    youtube.com/watch?v=mcCK99wHrk0

  14. Pocket Potters lanzará el 23/02/2027 dos guías ilustradas (32 págs.) de McGonagall y Fred/George Weasley, con curiosidades y arte, a la par de la 1ª temporada HBO. aidoo.news/noticia/WegB5j

    #WizardingWorld #LibrosIlustrados #CulturaPop #SeriesTV

  15. Los años 30, la era dorada del pulp. Aquélla fue también la década en que el que los personajes del pulp, y en general el estilo de historias que protagonizaban, saltaron al cine, la radio y, por supuesto, el medio que casi se volvería sinónimo con el género superheroico: los cómics.

    #comics #superheroes #culturapop #literatura

    maikciveira.com/2022/10/los-he

  16. #Cine

    Volver al futuro, Robert Zemeckis, 1985

    Esta es de esas películas que no te cansas de ver y que marcaron por completo los años ochenta. La historia nos lleva con Marty McFly, un chaico que por un descuido termina viajando 30 años atrás en el tiempo. Todo esto pasa gracias a un coche DeLorean modificado por su amigo, el doctor Emmett Brown, un científico bastante excéntrico pero brillante. El verdadero problema empieza cuando Marty llega al año 1955 e interrumpe por accidente el momento justo en que sus papás se conocieron, lo que pone en peligro su propio nacimiento.

    Lo divertido de la trama es ver cómo Marty tiene que ingeniárselas para que sus papás se enamoren a fuerza, mientras el reloj sigue avanzando y busca la manera de regresar a su época. El contraste entre las costumbres de los años cincuenta y la actitud ochentera de Marty deja momentos muy buenos y divertidos que hacen que te encariñes con los personajes desde el primer momento.

    La música es genial, el ritmo no decae en ningún momento y visualmente tiene un encanto único. Es una gran recomendación si quieres pasar un buen rato con una aventura que nos muestra cómo un pequeño cambio en el pasado puede darle un giro completo a tu vida.

    — A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso

    #Cine #CienciaFicción #VolverAlFuturo #Zemeckis #PelículasClásicas #CulturaPop

  17. En la entrada anterior estuvimos hablando de la literatura del siglo XIX y cómo en ella se encuentran los primeros antecedentes verdaderos de la ficción superheroica. Hoy es tiempo de pasar con los abuelitos de los señores fuertotes en pijamas: ¡los héroes del pulp!

    #comics #superheroes #culturapop #pulp

    maikciveira.com/2022/09/los-he

  18. ¿Cómo y quiénes eran los héroes antes de los superhéroes? Eso es lo que vamos a ver en esta serie, que servirá como guía e introducción a los personajes y títulos más emblemáticos que fungieron como antecedentes al superhéroe moderno. Así que… ¿por dónde comenzamos?

    #culturapop #superheroes #literatura

    maikciveira.com/2022/09/los-he

  19. europesays.com/pt/543497/ ‘É 3 de outubro’: como fala banal de ‘Meninas Malvadas’ virou ícone da cultura pop – R7 Entretenimento #cinema #CulturaPop #Entertainment #Entretenimento #Film #Filmes #Movies #Portugal #PT

  20. Shivon Zilis dice que Elon Musk rompió su relación de 5 años sin previo aviso. Está devastada, pero agradece sus 4 hijos y espera seguir como amigos por ellos. aidoo.news/noticia/xQR12O

    #Noticias #Actualidad #Relaciones #CulturaPop #Familia

  21. #datocurioso

    ¿Sabías que el héroe más famoso del anime nació de una leyenda china del siglo XVI?

    El personaje de Goku no es una creación totalmente moderna. Su origen se encuentra en Sun Wukong, el Rey Mono, protagonista de la célebre novela clásica Viaje al Oeste. El creador del manga, Akira Toriyama, tomó los elementos más icónicos del mito para dar vida a su propio héroe. En la leyenda original, el Rey Mono posee un bastón mágico que cambia de tamaño según sus deseos y viaja por los cielos sobre una nube. Además, destaca por su fuerza descomunal, su naturaleza rebelde y su cola de simio. Al transformar este relato tradicional en una aventura de artes marciales, la animación japonesa logró que una de las figuras más importantes de la mitología oriental siguiera viva en la memoria de millones de personas en todo el mundo.

    — Amber Luna, Bruja y Antropóloga

    #CulturaPop #Mitologia #Goku #ViajeAlOeste #Historia

  22. 🫟 𝑪𝒖𝒓𝒊𝒐𝒔𝒊𝒅𝒂𝒅𝒆𝒔 🫟

    El famoso peinado de la princesa Leia no surgió únicamente de la imaginación de Hollywood ni de una idea futurista salida de la nada.

    Mucho antes de que Star Wars existiera, las jóvenes hopi del suroeste de Estados Unidos ya llevaban un peinado ceremonial muy parecido.
    Se conocía como “flor de calabaza” y consistía en enrollar el cabello a ambos lados de la cabeza formando grandes espirales.
    Entre los hopi, este estilo estaba asociado tradicionalmente a mujeres jóvenes solteras y tenía un fuerte significado cultural y comunitario.

    Los hopi son una nación indígena asentada principalmente en el noreste de Arizona, con una historia milenaria profundamente ligada al desierto, a las ceremonias espirituales y a la preservación de sus tradiciones.

    Décadas después, cuando George Lucas comenzó a diseñar la imagen de Leia para Star Wars, buscaba algo distinto a la estética brillante y futurista típica de la ciencia ficción de los años setenta.
    Según explicó en varias ocasiones, quería que el personaje tuviera una apariencia inspirada en mujeres revolucionarias del México de la época de Pancho Villa y en ciertos estilos del suroeste estadounidense.

    Con el tiempo, muchísimas personas empezaron a notar el parecido evidente entre los icónicos moños laterales de Leia y el antiguo peinado hopi en forma de flor de calabaza.
    Aunque Lucas nunca hizo una referencia oficial y directa exclusivamente a los hopi, la semejanza visual sigue siendo imposible de ignorar.

    Y ahí es donde la historia se vuelve interesante.

    Porque detrás de uno de los peinados más reconocibles de la cultura pop moderna probablemente existían ecos de tradiciones indígenas muchísimo más antiguas que el propio cine.
    Una imagen nacida en comunidades del desierto terminó convertida en símbolo mundial gracias a una saga espacial.

    La mayoría de la gente ve los moños de Leia y piensa en galaxias lejanas, naves y rebeldes.

    Pero detrás de esa imagen también sobreviven rastros de mujeres reales, culturas ancestrales y símbolos que existían siglos antes de Hollywood.

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    #historia #starwars #princesaleia #georgelucas #culturapop #puebloshopi #historiaindígena #cine #curiosidadeshistóricas #tradiciones #hollywood #cultura #arqueologiacultural

  23. #datocurioso

    ¿Sabían que la famosa compañía Marvel Comics no nació con ese nombre ni vendiendo historias de superhéroes con mallas de colores, sino publicando revistas de vaqueros, monstruos y aventuras baratas para poder sobrevivir a una fuerte crisis económica?

    En octubre del año 1939, un empresario de revistas llamado Martin Goodman fundó este negocio bajo el nombre de Timely Publications en la ciudad de Nueva York. Su primera revista se llamó Marvel Comics número uno y fue un éxito rotundo porque traía las aventuras de la Antorcha Humana y de Namor, dos personajes que llamaron la atención de los jóvenes de la época. Sin embargo, cuando la Segunda Guerra Mundial terminó, la gente se aburrió por completo de los superhéroes y las ventas se fueron al suelo de forma alarmante. Para que el negocio no quebrara en los años cincuenta, el dueño tuvo que cambiar el nombre de la empresa a Atlas Comics y se dedicó a publicar cualquier tema que estuviera de moda en los puestos de periódicos, llenando las páginas con historias de terror, romances juveniles, historias del viejo oeste y aventuras espaciales. La salvación definitiva llegó en el año 1961 cuando el escritor Stan Lee y el dibujante Jack Kirby crearon a los Cuatro Fantásticos, lo que hizo que la editorial adoptara el nombre definitivo de Marvel Comics y cambiara la historia del entretenimiento para siempre.

    — A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso

    Alt text via @altbot y @TeLoDescribot

    #DatosCuriosos #MarvelComics #Historia #Cómics #StanLee #CulturaPop

  24. Jim Carrey se casa en privado en Los Ángeles con Min Ah: es su tercer matrimonio. aidoo.news/noticia/620w0e

    #Cine #Famosos #Hollywood #CulturaPop

  25. Mangafactory 2026

    La Fábrica, sábado, 24 de octubre, 10:00 CEST

    Información sobre el evento:

    (Descripción sobre las características principales del evento, rollo promo.)

    • Entrada: Gratuita (?)

    • Horario: (?)

    Plataformas web:

    Instagram

    Solicitar stand:

    (Descripción sobre detalles del espacio, requisitos, precios...)

    • Bases: (?)

    • Precio: (?)

    • Inscripción: (?)

    • Fecha de apertura: (?)

    • Fecha de cierre: (?)

    Contacto

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  26. ¿Qué pueden tener en común un ícono de la literatura latinoamericana y un genio loco de la animación hollywoodense? Pues bien, conocen el cuento La Continuidad de los Parques, ¿verdad? ¿No? Bueno, pues vayan a leerlo ahora mismo.

    #culturapop #libros #animacion #literatura

    maikciveira.com/2008/01/julio-

  27. Florence Pugh critica la tibieza de Cornell tras reabrirse el caso: una exalumna acusa a 7 de Chi Phi de drogarla y agredirla. Pide a los hombres romper el silencio. aidoo.news/noticia/65JGwZ

    #Noticias #Universidad #Consentimiento #Feminismo #CulturaPop

  28. Si les gusta la música inspirada en las viejas leyendas, hoy les quiero compartir una de las mejores joyas de la televisión de los años 80. Se trata de Robin of Sherwood, una serie británica que cambió por completo la forma de contar la historia de este famoso forajido. A diferencia de las versiones comunes, esta producción se metió de lleno en las raíces del paganismo antiguo y el misticismo celta, mostrando a Robin Hood como el elegido de Herne el Cazador, el dios astado de los bosques ingleses. Era una atmósfera mágica y misteriosa que te atrapaba por completo desde el primer minuto.

    Pero el alma de la serie y lo que a mí me vuelve loco es su música. Todo el apartado sonoro fue creado por la legendaria banda irlandesa Clannad, quienes compusieron piezas inolvidables utilizando arpas, flautas y sintetizadores que te transportaban directo al corazón de Sherwood. El tema principal que escuchamos, titulado Robin (The Hooded Man), es una obra de arte total que llegó a ganar el premio BAFTA en 1984. Cada vez que suenan esas voces y esos acordes, es imposible no sentir una conexión profunda con la naturaleza y con esa magia de la vieja escuela que ya no se ve en las producciones actuales. Un hermoso viaje en el tiempo para disfrutar con el oído y el espíritu.

    — A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y blogger del fediverso

    Alt text via @altbot y @TeLoDescribot

    #RobinOfSherwood #Clannad #Música #SeriesOchenteras #Paganismo #CulturaPop

  29. Se han creado convenciones y lugares comunes alrededor de los clásicos literarios, pero muchas cosas que asumimos son inexactas, o a veces ni tienen su origen en las obras literarias originales. Veamos algunos ejemplos:

    #libros #literatura #culturapop

    maikciveira.com/2008/01/las-ve

  30. #datocurioso

    ¿Sabían que la serie británica Doctor Who rompió esquemas en la televisión mundial al meter personajes de la diversidad sexual como verdaderos héroes espaciales?

    Esta famosísima producción de la BBC de Londres, que lleva décadas al aire viajando por el tiempo y el espacio, se convirtió en todo un referente de inclusión al abrirle la puerta de par en par a personajes que rompían por completo con la heteronorma tradicional. El ejemplo más claro y querido por los fans es el del Capitán Jack Harkness, interpretado por John Barrowman desde el año 2005; un viajero del tiempo del futuro que se identificaba como omnisexual, lo que significaba que no le importaba el género ni la especie de sus parejas, y que salvaba el universo a punta de balazos y carisma sin que su vida afectiva fuera el blanco de burlas en el guion. Más adelante, en 2017, la serie volvió a hacer historia al introducir a Bill Potts, interpretada por Pearl Mackie, quien se convirtió de forma oficial en la primera acompañante principal del Doctor abiertamente lesbiana, viviendo sus aventuras espaciales con total naturalidad y orgullo.

    Lo maravilloso del enfoque de la televisión británica con esta serie es que nunca trataron la orientación sexual de sus personajes como un accesorio forzado o como un drama trágico para hacer llorar al público. Las preferencias de Bill Potts o del Capitán Jack Harkness se presentaban de la misma manera sencilla y común en que se habla del color de ojos de alguien, esto sin duda es un gran logro qué nos demuestra en la pantalla que ser diferente es parte de la riqueza del mundo y que el respeto, la tolerancia y la integración son valores fundamentales tanto en la Tierra como en los confines de la galaxia. Este paso adelante ayudó a que millones de personas que veían la televisión en diferentes idiomas encontraran por fin referentes dignos y valientes con los cuales identificarse, demostrando que en el gran viaje de la vida todos tenemos un lugar sin importar a quién decidamos amar.

    — A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso

    Alt text via @altbot y @TeLoDescribot

    #Historia #DoctorWho #Televisión #Inclusión #CienciaFicción #DatoCurioso #CulturaPop #BBC #LGBTQ

  31. #datocurioso

    ¿Sabían que la famosa transmisión de La Guerra de los Mundos de Orson Welles en 1938 causó más pánico por culpa del silencio que por los gritos?

    La noche del 30 de octubre de 1938, un joven Orson Welles de apenas 23 años armó un alboroto histórico al adaptar la novela de ciencia ficción de H. G. Wells como si fuera un noticiero real de la CBS interrumpiendo un programa de música en vivo. El truco estuvo tan bien hecho que más de 1 millón de personas se tragaron el cuento de que los marcianos habían aterrizado en un pueblo llamado Grover's Mill. Lo curioso del asunto es que el momento que más pánico causó no tuvo gritos exagerados; el actor que hacía de reportero en el lugar describió cómo el rayo de calor de los alienígenas venía hacia él y, de repente, la transmisión se cortó dejando la radio en un silencio total por varios segundos. Ese vacío en las bocinas hizo que la gente pensara que el periodista estaba muerto y que los monstruos ya venían para Nueva York.

    El susto fue tan real que las comisarías y los periódicos se saturaron de llamadas, hubo familias que salieron huyendo en coche y algunos vecinos de Grover's Mill salieron armados con escopetas a dispararle a lo que creían que era una máquina marciana en la niebla, aunque en realidad le estaban tirando al tanque de agua del pueblo. Al día siguiente, Welles tuvo que salir a pedir disculpas muertísimo de miedo ante los reporteros, jurando que nunca pensó que alguien se la fuera a creer, aunque años después admitió que sabía perfectamente lo que estaba haciendo. La prensa escrita exageró muchísimo el caos en sus portadas para atacar a la radio porque la veían como una competencia muy fuerte, pero el empujón le sirvió tanto al joven Welles que Hollywood le abrió las puertas para filmar Ciudadano Kane en 1941, cambiando el cine para siempre.

    — A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso

    Alt text via @altbot y @TeLoDescribot

    #Historia #OrsonWelles #LaGuerraDeLosMundos #Radio #DatoCurioso #MediosDeComunicación #CulturaPop

  32. 🧿 𝑳𝒂 𝒏𝒐𝒄𝒉𝒆 𝒆𝒏 𝒒𝒖𝒆 𝒍𝒂 𝒓𝒂𝒅𝒊𝒐 𝒉𝒊𝒛𝒐 𝒄𝒓𝒆𝒆𝒓 𝒂 𝑨𝒎𝒆́𝒓𝒊𝒄𝒂 𝒒𝒖𝒆 𝒍𝒐𝒔 𝒎𝒂𝒓𝒄𝒊𝒂𝒏𝒐𝒔 𝒉𝒂𝒃𝒊́𝒂𝒏 𝒍𝒍𝒆𝒈𝒂𝒅𝒐 🧿

    La noche del 30 de octubre de 1938, víspera de Halloween, millones de estadounidenses encendieron la radio sin imaginar que estaban a punto de escuchar uno de los episodios más extraños de la historia de los medios.

    El responsable fue un joven de apenas 23 años: Orson Welles.
    Dirigía entonces un programa dramático en la CBS llamado Mercury Theatre on the Air.
    Aquella noche decidió adaptar la novela "The War of the Worlds", escrita décadas antes por H. G. Wells.

    Pero Welles no quiso hacer una simple narración.

    Su idea fue presentar la historia como si fuera un noticiero en directo.

    El programa comenzó de forma completamente normal: música de orquesta y comentarios tranquilos del locutor. De repente, la emisión se interrumpía con una noticia urgente.
    Los astrónomos, decía el presentador, habían detectado extrañas explosiones en Marte.

    Minutos después llegaba otro boletín:
    un objeto misterioso había caído en un campo cercano a Grover's Mill.

    La narración continuaba con reporteros describiendo la escena.
    Según ellos, el cilindro metálico empezaba a abrirse y de su interior emergían criaturas extrañas.
    En uno de los momentos más recordados, el “periodista” que cubría el suceso gritaba en directo antes de que la transmisión se cortara, supuestamente alcanzado por un rayo de calor marciano.

    Todo estaba cuidadosamente preparado: efectos de sonido realistas, actores que fingían pánico y boletines urgentes que interrumpían la programación musical.

    El problema fue que mucha gente sintonizó tarde y no escuchó el aviso inicial de que era una dramatización.

    Se calcula que alrededor de seis millones de personas escuchaban el programa y que más de un millón llegó a creer que algo real estaba ocurriendo.
    Las líneas telefónicas de periódicos y comisarías se saturaron.
    Algunas personas salieron de sus casas con lo puesto, otras se refugiaron en iglesias y hubo quienes mojaron toallas para cubrirse la cara, convencidos de que los marcianos estaban liberando gases venenosos.

    En el propio Grover’s Mill, el susto llegó a convertirse en leyenda.
    Algunos vecinos salieron armados con escopetas y dispararon contra lo que creían que era una máquina marciana entre la niebla.
    En realidad era el depósito de agua del pueblo.

    Mientras tanto, dentro del estudio de la CBS en Nueva York, la situación también era caótica.
    Cuando el programa estaba terminando, Welles miró por la ventana y vio decenas de policías frente al edificio.
    Las autoridades habían recibido tantas llamadas alarmadas que acudieron a comprobar qué estaba ocurriendo.

    Los actores empezaron a temer que los arrestaran.

    Al día siguiente, 31 de octubre de 1938, Welles compareció ante los periodistas en una rueda de prensa que se volvería casi tan famosa como la propia emisión.
    En las imágenes se le ve joven, serio y visiblemente cansado.
    Pidió disculpas y aseguró que nunca imaginó que alguien pudiera confundir una obra de radio con una noticia real.

    Durante años mantuvo esa versión.

    Sin embargo, con el tiempo el propio Welles admitiría algo diferente: sabía perfectamente que el formato elegido —boletines de noticias interrumpiendo música— hacía que todo sonara extremadamente convincente.
    Y precisamente por eso lo había utilizado.

    La polémica fue enorme.
    Los periódicos dedicaron portadas enteras al supuesto pánico nacional.
    Muchos historiadores creen que parte de ese caos fue exagerado por la prensa, que veía a la radio como un competidor directo y aprovechó el incidente para atacarla.

    Aun así, el efecto sobre la carrera de Welles fue inmediato.

    En menos de 24 horas pasó de ser un joven director teatral relativamente desconocido a una celebridad nacional.
    Poco después Hollywood llamó a su puerta.

    En 1941 dirigiría "Citizen Kane", considerada hoy una de las películas más influyentes de la historia del cine.

    Dos años después del famoso programa, en 1940, Welles llegó incluso a conocer al propio H. G. Wells en una entrevista radiofónica en Texas.
    El escritor británico al principio estaba molesto con la adaptación, pero la conversación terminó entre risas cuando ambos hablaron del caos que había provocado.

    Hoy, décadas después, aquella emisión sigue siendo uno de los ejemplos más fascinantes del poder de los medios de comunicación.
    Durante menos de una hora, una historia de ciencia ficción logró que miles de personas miraran al cielo convencidas de que los marcianos habían llegado.

    Y en Grover’s Mill, el pequeño pueblo donde “aterrizaron” en la ficción, todavía existe un monumento que recuerda aquella noche en la que la radio consiguió algo casi imposible: hacer que todo un país dudara de lo que era real.

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    𝘈𝘳𝘤𝘩𝘪𝘷𝘰 𝘏𝘪𝘴𝘵𝘰́𝘳𝘪𝘤𝘰 : 𝘭𝘰𝘴 60 𝘮𝘪𝘯𝘶𝘵𝘰𝘴 𝘪́𝘯𝘵𝘦𝘨𝘳𝘰𝘴 𝘦𝘯 𝘢𝘭𝘵𝘢 𝘤𝘢𝘭𝘪𝘥𝘢𝘥.
    "𝘛𝘩𝘦 𝘞𝘢𝘳 𝘰𝘧 𝘵𝘩𝘦 𝘞𝘰𝘳𝘭𝘥𝘴" (1938).

    youtu.be/qSXYiwJFfDc ➡️𝐷𝑜𝑐𝑢𝑚𝑒𝑛𝑡𝑎𝑙

    #historia #orsonwelles #laguerradelosmundos #1938 #historiadelaradio #mediosdecomunicacion #curiosidadeshistoricas #historiareal #culturapop #citizenkane

  33. Los astrónomos por fin habían desarrollado telescopios capaces de ver con gran claridad y precisión la superficie de la Luna. En ella, se decía, habitaban toda clase de criaturas extrañas, y la especie dominante eran unos hombres murciélago.

    #cienciaficcion #luna #espacio #culturapop

    maikciveira.com/2009/07/en-la-

  34. #DatoCurioso

    ¿De dónde viene la maña de presumir con cosas ridículas?

    El impulso de comprar porquerías exageradas para aparentar dinero o poder no lo inventaron los nuevos ricos ni los artistas de moda de nuestro siglo. Esta fascinación por el mal gusto pretencioso tiene un nombre histórico muy claro: estética kitsch. Aunque hoy en día lo vemos en excentricidades absurdas como retretes con chapa de oro, cadenas gigantescas o mansiones repletas de figuras de porcelana barata, el origen de esta palabra nació en las calles de Múnich, Alemania, entre los años 1860 y 1870.

    En esa época, los marchantes de arte usaban el término de forma despectiva para burlarse de los recuerdos corrientes y las imitaciones corrientes que los turistas ricos compraban sin tener la menor idea de arte. La palabra viene de vocablos alemanes que significan fabricar barato o recoger basura de la calle para parchar muebles viejos. El fenómeno explotó con el crecimiento de las masas urbanas; al no tener dinero real ni linaje, la gente empezó a consumir reproducciones baratas hechas de yeso o plástico, pero decoradas con un exceso ridículo. El objetivo nunca fue la belleza, sino gritarle a los demás una falsa sensación de estatus. La historia demuestra que la urgencia por presumir siempre prefiere el impacto visual escandaloso antes que el verdadero sentido común.

    S.P. Filósofa Urbana

    #Historia #DatosCuriosos #EsteticaKitsch #CulturaPop #Sociedad #Aparentar

  35. “Não importa quantas pessoas você perca, você não tem escolha a não ser continuar vivendo.”
    — Tanjiro Kamado, Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba

    “No matter how many people you may lose, you have no choice but to go on living.”
    — Tanjiro Kamado, Demon Slayer

    #culturapop #ficcao #popculture #fiction

  36. “Eu sou o rei do mundo!”
    — Jack Dawson, Titanic

    “I'm the king of the world!”
    — Jack Dawson, Titanic

    #culturapop #ficcao #popculture #fiction

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