#animación — Public Fediverse posts
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Fatal Fury: The Motion Picture, Masami Ōbari, 1994
Para los entusiastas de las adaptaciones de los videojuegos de peleas de los años noventa y de la estética clásica de la animación japonesa, este largometraje representa una de las paradas obligadas de la época de oro de la empresa SNK. A diferencia de las dos producciones previas para televisión que se enfocaban en recrear los torneos y la venganza directa contra el jefe criminal Geese Howard, esta entrega opta por construir una trama completamente original que transforma la dinámica habitual en una aventura de búsqueda de tesoros alrededor del mundo, llevando a los personajes a través de distintas localizaciones globales. La historia arranca cuando una joven misteriosa llamada Sulia Gaudeamus busca la protección de Terry Bogard, el legendario lobo hambriento de Southtown, para detener los planes de su hermano gemelo Laocorn, un hombre obsesionado con recolectar las 6 piezas ocultas de la Armadura de Marte, un antiguo artefacto divino que perteneció a sus ancestros y que promete otorgar el poder de un dios a quien logre portarlo por completo.
Bajo la dirección y el diseño de personajes del realizador Masami Ōbari, el filme destaca de manera inmediata por su identidad visual sumamente marcada, caracterizada por trazos estilizados, sombreados dramáticos y secuencias de combates dotadas de una gran fluidez de movimiento. A la travesía de Terry y Sulia se unen de forma rápida su hermano Andy Bogard, el campeón de Muay Thai Joe Higashi y la habilidosa kunoichi Mai Shiranui, permitiendo que la narrativa dosifique la acción a través de enfrentamientos donde se lucen las técnicas especiales extraídas directamente de las salas de arcades. Aunque el argumento central no busca reinventar el género y recurre a varios clichés del cine de acción de la época, la película se sostiene gracias a su ritmo constante, una banda sonora sumamente enérgica y un nivel de detalle en sus primeros planos que la convierte en una pieza de colección muy disfrutable para comprender el impacto cultural de los juegos de peleas en la última década del siglo XX.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
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Fatal Fury: The Motion Picture, Masami Ōbari, 1994
Para los entusiastas de las adaptaciones de los videojuegos de peleas de los años noventa y de la estética clásica de la animación japonesa, este largometraje representa una de las paradas obligadas de la época de oro de la empresa SNK. A diferencia de las dos producciones previas para televisión que se enfocaban en recrear los torneos y la venganza directa contra el jefe criminal Geese Howard, esta entrega opta por construir una trama completamente original que transforma la dinámica habitual en una aventura de búsqueda de tesoros alrededor del mundo, llevando a los personajes a través de distintas localizaciones globales. La historia arranca cuando una joven misteriosa llamada Sulia Gaudeamus busca la protección de Terry Bogard, el legendario lobo hambriento de Southtown, para detener los planes de su hermano gemelo Laocorn, un hombre obsesionado con recolectar las 6 piezas ocultas de la Armadura de Marte, un antiguo artefacto divino que perteneció a sus ancestros y que promete otorgar el poder de un dios a quien logre portarlo por completo.
Bajo la dirección y el diseño de personajes del realizador Masami Ōbari, el filme destaca de manera inmediata por su identidad visual sumamente marcada, caracterizada por trazos estilizados, sombreados dramáticos y secuencias de combates dotadas de una gran fluidez de movimiento. A la travesía de Terry y Sulia se unen de forma rápida su hermano Andy Bogard, el campeón de Muay Thai Joe Higashi y la habilidosa kunoichi Mai Shiranui, permitiendo que la narrativa dosifique la acción a través de enfrentamientos donde se lucen las técnicas especiales extraídas directamente de las salas de arcades. Aunque el argumento central no busca reinventar el género y recurre a varios clichés del cine de acción de la época, la película se sostiene gracias a su ritmo constante, una banda sonora sumamente enérgica y un nivel de detalle en sus primeros planos que la convierte en una pieza de colección muy disfrutable para comprender el impacto cultural de los juegos de peleas en la última década del siglo XX.
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Fatal Fury: The Motion Picture, Masami Ōbari, 1994
Para los entusiastas de las adaptaciones de los videojuegos de peleas de los años noventa y de la estética clásica de la animación japonesa, este largometraje representa una de las paradas obligadas de la época de oro de la empresa SNK. A diferencia de las dos producciones previas para televisión que se enfocaban en recrear los torneos y la venganza directa contra el jefe criminal Geese Howard, esta entrega opta por construir una trama completamente original que transforma la dinámica habitual en una aventura de búsqueda de tesoros alrededor del mundo, llevando a los personajes a través de distintas localizaciones globales. La historia arranca cuando una joven misteriosa llamada Sulia Gaudeamus busca la protección de Terry Bogard, el legendario lobo hambriento de Southtown, para detener los planes de su hermano gemelo Laocorn, un hombre obsesionado con recolectar las 6 piezas ocultas de la Armadura de Marte, un antiguo artefacto divino que perteneció a sus ancestros y que promete otorgar el poder de un dios a quien logre portarlo por completo.
Bajo la dirección y el diseño de personajes del realizador Masami Ōbari, el filme destaca de manera inmediata por su identidad visual sumamente marcada, caracterizada por trazos estilizados, sombreados dramáticos y secuencias de combates dotadas de una gran fluidez de movimiento. A la travesía de Terry y Sulia se unen de forma rápida su hermano Andy Bogard, el campeón de Muay Thai Joe Higashi y la habilidosa kunoichi Mai Shiranui, permitiendo que la narrativa dosifique la acción a través de enfrentamientos donde se lucen las técnicas especiales extraídas directamente de las salas de arcades. Aunque el argumento central no busca reinventar el género y recurre a varios clichés del cine de acción de la época, la película se sostiene gracias a su ritmo constante, una banda sonora sumamente enérgica y un nivel de detalle en sus primeros planos que la convierte en una pieza de colección muy disfrutable para comprender el impacto cultural de los juegos de peleas en la última década del siglo XX.
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Fatal Fury: The Motion Picture, Masami Ōbari, 1994
Para los entusiastas de las adaptaciones de los videojuegos de peleas de los años noventa y de la estética clásica de la animación japonesa, este largometraje representa una de las paradas obligadas de la época de oro de la empresa SNK. A diferencia de las dos producciones previas para televisión que se enfocaban en recrear los torneos y la venganza directa contra el jefe criminal Geese Howard, esta entrega opta por construir una trama completamente original que transforma la dinámica habitual en una aventura de búsqueda de tesoros alrededor del mundo, llevando a los personajes a través de distintas localizaciones globales. La historia arranca cuando una joven misteriosa llamada Sulia Gaudeamus busca la protección de Terry Bogard, el legendario lobo hambriento de Southtown, para detener los planes de su hermano gemelo Laocorn, un hombre obsesionado con recolectar las 6 piezas ocultas de la Armadura de Marte, un antiguo artefacto divino que perteneció a sus ancestros y que promete otorgar el poder de un dios a quien logre portarlo por completo.
Bajo la dirección y el diseño de personajes del realizador Masami Ōbari, el filme destaca de manera inmediata por su identidad visual sumamente marcada, caracterizada por trazos estilizados, sombreados dramáticos y secuencias de combates dotadas de una gran fluidez de movimiento. A la travesía de Terry y Sulia se unen de forma rápida su hermano Andy Bogard, el campeón de Muay Thai Joe Higashi y la habilidosa kunoichi Mai Shiranui, permitiendo que la narrativa dosifique la acción a través de enfrentamientos donde se lucen las técnicas especiales extraídas directamente de las salas de arcades. Aunque el argumento central no busca reinventar el género y recurre a varios clichés del cine de acción de la época, la película se sostiene gracias a su ritmo constante, una banda sonora sumamente enérgica y un nivel de detalle en sus primeros planos que la convierte en una pieza de colección muy disfrutable para comprender el impacto cultural de los juegos de peleas en la última década del siglo XX.
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He visto una hora de ‘GTA VI’: los ases en la manga de Rockstar Games
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¿Sabían que la serie X-Men 97 trajo de vuelta a los actores de voz originales de los años 90 pero cambió las reglas del juego para el actor del Profesor X?
El estreno de esta continuación animada en el año 2024 significó un enorme esfuerzo de producción para mantener la continuidad histórica con la serie clásica. Los creadores lograron reunir a las voces originales en inglés más icónicas de la infancia de muchos, como Cal Dodd en el papel de Wolverine y Lenore Zann como Rogue. Sin embargo, el cambio más drástico en el elenco principal ocurrió con el personaje de Charles Xavier, el Profesor X, debido al fallecimiento del actor original Cedric Smith.
Para cubrir esta sensible ausencia con el debido respeto profesional, la producción contrató al actor Ross Marquand para asumir el rol del líder de los mutantes en la temporada de 2024. Lo verdaderamente curioso del asunto es que Marquand ya tenía un historial interpretando a variantes de Charles Xavier dentro del Universo Cinematográfico de Marvel en proyectos previos. Además, para mantener el lazo con la vieja escuela de los años 90, los productores decidieron no dejar fuera a otros veteranos del elenco original cuyos personajes ya no encajaban en la trama principal, reubicándolos en papeles completamente nuevos, como la actriz Catherine Disher, quien pasó de ser la voz original de Jean Grey a interpretar de manera magistral a la abogada Valerie Cooper en los micrófonos.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
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#datocurioso #Historia #XMen97 #Animación #Televisión #CulturaPop #Fediverso
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¿Sabían que la serie X-Men 97 trajo de vuelta a los actores de voz originales de los años 90 pero cambió las reglas del juego para el actor del Profesor X?
El estreno de esta continuación animada en el año 2024 significó un enorme esfuerzo de producción para mantener la continuidad histórica con la serie clásica. Los creadores lograron reunir a las voces originales en inglés más icónicas de la infancia de muchos, como Cal Dodd en el papel de Wolverine y Lenore Zann como Rogue. Sin embargo, el cambio más drástico en el elenco principal ocurrió con el personaje de Charles Xavier, el Profesor X, debido al fallecimiento del actor original Cedric Smith.
Para cubrir esta sensible ausencia con el debido respeto profesional, la producción contrató al actor Ross Marquand para asumir el rol del líder de los mutantes en la temporada de 2024. Lo verdaderamente curioso del asunto es que Marquand ya tenía un historial interpretando a variantes de Charles Xavier dentro del Universo Cinematográfico de Marvel en proyectos previos. Además, para mantener el lazo con la vieja escuela de los años 90, los productores decidieron no dejar fuera a otros veteranos del elenco original cuyos personajes ya no encajaban en la trama principal, reubicándolos en papeles completamente nuevos, como la actriz Catherine Disher, quien pasó de ser la voz original de Jean Grey a interpretar de manera magistral a la abogada Valerie Cooper en los micrófonos.
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¿Sabían que la serie X-Men 97 trajo de vuelta a los actores de voz originales de los años 90 pero cambió las reglas del juego para el actor del Profesor X?
El estreno de esta continuación animada en el año 2024 significó un enorme esfuerzo de producción para mantener la continuidad histórica con la serie clásica. Los creadores lograron reunir a las voces originales en inglés más icónicas de la infancia de muchos, como Cal Dodd en el papel de Wolverine y Lenore Zann como Rogue. Sin embargo, el cambio más drástico en el elenco principal ocurrió con el personaje de Charles Xavier, el Profesor X, debido al fallecimiento del actor original Cedric Smith.
Para cubrir esta sensible ausencia con el debido respeto profesional, la producción contrató al actor Ross Marquand para asumir el rol del líder de los mutantes en la temporada de 2024. Lo verdaderamente curioso del asunto es que Marquand ya tenía un historial interpretando a variantes de Charles Xavier dentro del Universo Cinematográfico de Marvel en proyectos previos. Además, para mantener el lazo con la vieja escuela de los años 90, los productores decidieron no dejar fuera a otros veteranos del elenco original cuyos personajes ya no encajaban en la trama principal, reubicándolos en papeles completamente nuevos, como la actriz Catherine Disher, quien pasó de ser la voz original de Jean Grey a interpretar de manera magistral a la abogada Valerie Cooper en los micrófonos.
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¿Sabían que la serie X-Men 97 trajo de vuelta a los actores de voz originales de los años 90 pero cambió las reglas del juego para el actor del Profesor X?
El estreno de esta continuación animada en el año 2024 significó un enorme esfuerzo de producción para mantener la continuidad histórica con la serie clásica. Los creadores lograron reunir a las voces originales en inglés más icónicas de la infancia de muchos, como Cal Dodd en el papel de Wolverine y Lenore Zann como Rogue. Sin embargo, el cambio más drástico en el elenco principal ocurrió con el personaje de Charles Xavier, el Profesor X, debido al fallecimiento del actor original Cedric Smith.
Para cubrir esta sensible ausencia con el debido respeto profesional, la producción contrató al actor Ross Marquand para asumir el rol del líder de los mutantes en la temporada de 2024. Lo verdaderamente curioso del asunto es que Marquand ya tenía un historial interpretando a variantes de Charles Xavier dentro del Universo Cinematográfico de Marvel en proyectos previos. Además, para mantener el lazo con la vieja escuela de los años 90, los productores decidieron no dejar fuera a otros veteranos del elenco original cuyos personajes ya no encajaban en la trama principal, reubicándolos en papeles completamente nuevos, como la actriz Catherine Disher, quien pasó de ser la voz original de Jean Grey a interpretar de manera magistral a la abogada Valerie Cooper en los micrófonos.
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El estreno de esta continuación animada en el año 2024 significó un enorme esfuerzo de producción para mantener la continuidad histórica con la serie clásica. Los creadores lograron reunir a las voces originales en inglés más icónicas de la infancia de muchos, como Cal Dodd en el papel de Wolverine y Lenore Zann como Rogue. Sin embargo, el cambio más drástico en el elenco principal ocurrió con el personaje de Charles Xavier, el Profesor X, debido al fallecimiento del actor original Cedric Smith.
Para cubrir esta sensible ausencia con el debido respeto profesional, la producción contrató al actor Ross Marquand para asumir el rol del líder de los mutantes en la temporada de 2024. Lo verdaderamente curioso del asunto es que Marquand ya tenía un historial interpretando a variantes de Charles Xavier dentro del Universo Cinematográfico de Marvel en proyectos previos. Además, para mantener el lazo con la vieja escuela de los años 90, los productores decidieron no dejar fuera a otros veteranos del elenco original cuyos personajes ya no encajaban en la trama principal, reubicándolos en papeles completamente nuevos, como la actriz Catherine Disher, quien pasó de ser la voz original de Jean Grey a interpretar de manera magistral a la abogada Valerie Cooper en los micrófonos.
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¿Sabían que la icónica melodía de entrada de los X-Men fue objeto de una demanda internacional por plagio debido a una vieja serie policiaca de Europa del Este?
El famoso tema musical de la serie animada estrenada en 1992, compuesto originalmente por Ron Wasserman bajo las directrices de la productora Saban Entertainment, se convirtió en uno de los elementos más reconocibles de la cultura pop televisiva de los años 90. Sin embargo, en el año 2019, un ciudadano llamado Zoltan Krisko interpuso una demanda formal por infracción de derechos de autor en la Corte del Distrito Sur de Nueva York en contra de Marvel Entertainment, Disney, Fox y Amazon, alegando que la famosa composición de los mutantes era una copia directa de la banda sonora de una producción húngara.
La pieza musical en disputa pertenecía originalmente a Linda, una popular serie de comedia y acción de la televisión de Hungría que se transmitió activamente entre los años 1984 y 1991. La música de este programa policiaco europeo fue compuesta a mediados de la década de 1980 por el músico Gyorgy Vukan. El demandante, quien administraba legalmente los bienes y derechos del fallecido Vukan, argumentó ante el jurado que el pegajoso ritmo de sintetizador y las progresiones de la guitarra eléctrica de los X-Men guardaban una similitud innegable con la obra de los años 80, afirmando que los ejecutivos norteamericanos tuvieron acceso a esa melodía durante sus constantes viajes de negocios por los países que integraban el antiguo bloque comunista. El litigio legal se prolongó durante varios meses en los tribunales estadounidenses y, aunque la defensa de Wasserman siempre sostuvo que la creación de la melodía de los mutantes fue un proceso creativo enteramente en solitario, el caso se resolvió mediante un acuerdo confidencial extrajudicial entre las partes involucradas.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
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#datocurioso #Historia #XMen #Animación #Música #Televisión #Cómics #Fediverso
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¿Sabían que la icónica melodía de entrada de los X-Men fue objeto de una demanda internacional por plagio debido a una vieja serie policiaca de Europa del Este?
El famoso tema musical de la serie animada estrenada en 1992, compuesto originalmente por Ron Wasserman bajo las directrices de la productora Saban Entertainment, se convirtió en uno de los elementos más reconocibles de la cultura pop televisiva de los años 90. Sin embargo, en el año 2019, un ciudadano llamado Zoltan Krisko interpuso una demanda formal por infracción de derechos de autor en la Corte del Distrito Sur de Nueva York en contra de Marvel Entertainment, Disney, Fox y Amazon, alegando que la famosa composición de los mutantes era una copia directa de la banda sonora de una producción húngara.
La pieza musical en disputa pertenecía originalmente a Linda, una popular serie de comedia y acción de la televisión de Hungría que se transmitió activamente entre los años 1984 y 1991. La música de este programa policiaco europeo fue compuesta a mediados de la década de 1980 por el músico Gyorgy Vukan. El demandante, quien administraba legalmente los bienes y derechos del fallecido Vukan, argumentó ante el jurado que el pegajoso ritmo de sintetizador y las progresiones de la guitarra eléctrica de los X-Men guardaban una similitud innegable con la obra de los años 80, afirmando que los ejecutivos norteamericanos tuvieron acceso a esa melodía durante sus constantes viajes de negocios por los países que integraban el antiguo bloque comunista. El litigio legal se prolongó durante varios meses en los tribunales estadounidenses y, aunque la defensa de Wasserman siempre sostuvo que la creación de la melodía de los mutantes fue un proceso creativo enteramente en solitario, el caso se resolvió mediante un acuerdo confidencial extrajudicial entre las partes involucradas.
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¿Sabían que la icónica melodía de entrada de los X-Men fue objeto de una demanda internacional por plagio debido a una vieja serie policiaca de Europa del Este?
El famoso tema musical de la serie animada estrenada en 1992, compuesto originalmente por Ron Wasserman bajo las directrices de la productora Saban Entertainment, se convirtió en uno de los elementos más reconocibles de la cultura pop televisiva de los años 90. Sin embargo, en el año 2019, un ciudadano llamado Zoltan Krisko interpuso una demanda formal por infracción de derechos de autor en la Corte del Distrito Sur de Nueva York en contra de Marvel Entertainment, Disney, Fox y Amazon, alegando que la famosa composición de los mutantes era una copia directa de la banda sonora de una producción húngara.
La pieza musical en disputa pertenecía originalmente a Linda, una popular serie de comedia y acción de la televisión de Hungría que se transmitió activamente entre los años 1984 y 1991. La música de este programa policiaco europeo fue compuesta a mediados de la década de 1980 por el músico Gyorgy Vukan. El demandante, quien administraba legalmente los bienes y derechos del fallecido Vukan, argumentó ante el jurado que el pegajoso ritmo de sintetizador y las progresiones de la guitarra eléctrica de los X-Men guardaban una similitud innegable con la obra de los años 80, afirmando que los ejecutivos norteamericanos tuvieron acceso a esa melodía durante sus constantes viajes de negocios por los países que integraban el antiguo bloque comunista. El litigio legal se prolongó durante varios meses en los tribunales estadounidenses y, aunque la defensa de Wasserman siempre sostuvo que la creación de la melodía de los mutantes fue un proceso creativo enteramente en solitario, el caso se resolvió mediante un acuerdo confidencial extrajudicial entre las partes involucradas.
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¿Sabían que la icónica melodía de entrada de los X-Men fue objeto de una demanda internacional por plagio debido a una vieja serie policiaca de Europa del Este?
El famoso tema musical de la serie animada estrenada en 1992, compuesto originalmente por Ron Wasserman bajo las directrices de la productora Saban Entertainment, se convirtió en uno de los elementos más reconocibles de la cultura pop televisiva de los años 90. Sin embargo, en el año 2019, un ciudadano llamado Zoltan Krisko interpuso una demanda formal por infracción de derechos de autor en la Corte del Distrito Sur de Nueva York en contra de Marvel Entertainment, Disney, Fox y Amazon, alegando que la famosa composición de los mutantes era una copia directa de la banda sonora de una producción húngara.
La pieza musical en disputa pertenecía originalmente a Linda, una popular serie de comedia y acción de la televisión de Hungría que se transmitió activamente entre los años 1984 y 1991. La música de este programa policiaco europeo fue compuesta a mediados de la década de 1980 por el músico Gyorgy Vukan. El demandante, quien administraba legalmente los bienes y derechos del fallecido Vukan, argumentó ante el jurado que el pegajoso ritmo de sintetizador y las progresiones de la guitarra eléctrica de los X-Men guardaban una similitud innegable con la obra de los años 80, afirmando que los ejecutivos norteamericanos tuvieron acceso a esa melodía durante sus constantes viajes de negocios por los países que integraban el antiguo bloque comunista. El litigio legal se prolongó durante varios meses en los tribunales estadounidenses y, aunque la defensa de Wasserman siempre sostuvo que la creación de la melodía de los mutantes fue un proceso creativo enteramente en solitario, el caso se resolvió mediante un acuerdo confidencial extrajudicial entre las partes involucradas.
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El famoso tema musical de la serie animada estrenada en 1992, compuesto originalmente por Ron Wasserman bajo las directrices de la productora Saban Entertainment, se convirtió en uno de los elementos más reconocibles de la cultura pop televisiva de los años 90. Sin embargo, en el año 2019, un ciudadano llamado Zoltan Krisko interpuso una demanda formal por infracción de derechos de autor en la Corte del Distrito Sur de Nueva York en contra de Marvel Entertainment, Disney, Fox y Amazon, alegando que la famosa composición de los mutantes era una copia directa de la banda sonora de una producción húngara.
La pieza musical en disputa pertenecía originalmente a Linda, una popular serie de comedia y acción de la televisión de Hungría que se transmitió activamente entre los años 1984 y 1991. La música de este programa policiaco europeo fue compuesta a mediados de la década de 1980 por el músico Gyorgy Vukan. El demandante, quien administraba legalmente los bienes y derechos del fallecido Vukan, argumentó ante el jurado que el pegajoso ritmo de sintetizador y las progresiones de la guitarra eléctrica de los X-Men guardaban una similitud innegable con la obra de los años 80, afirmando que los ejecutivos norteamericanos tuvieron acceso a esa melodía durante sus constantes viajes de negocios por los países que integraban el antiguo bloque comunista. El litigio legal se prolongó durante varios meses en los tribunales estadounidenses y, aunque la defensa de Wasserman siempre sostuvo que la creación de la melodía de los mutantes fue un proceso creativo enteramente en solitario, el caso se resolvió mediante un acuerdo confidencial extrajudicial entre las partes involucradas.
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https://www.europesays.com/es/732065/ Cómo se verían Las Guerreras K-pop como personajes de Kung Fu Panda #Animación #Cine #Entertainment #Entretenimiento #ES #España #Film #KungFuPanda #LasGuerrerasKPop #Movies #Spain
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📻 ■ 25 años de Tadeo Jones, el personaje animado español más querido por la taquilla ■
https://los40.com/2026/08/26/25-anos-de-tadeo-jones-el-personaje-animado-espanol-mas-querido-por-la-taquilla/?int=MASTODON_WORLD#animacion #cine #tadeojones:elvideojuego #peliculas
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📻 ■ 25 años de Tadeo Jones, el personaje animado español más querido por la taquilla ■
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¿Sabían que el misterioso Tercer Planeta donde aterrizan los Thundercats es en realidad nuestra propia Tierra en un futuro sumamente distante?
Aunque la serie animada original de 1985 presenta este entorno como un mundo alienígena repleto de extrañas criaturas y guerreros mutantes, los creadores dejaron pistas históricas directas a lo largo de los capítulos que confirman que se trata de nuestro planeta tras el colapso de la humanidad. El indicio más claro de todos es la procedencia de Mumm-Ra, el principal antagonista de la historia, quien es explícitamente un sacerdote egipcio inmortal que habita dentro de una pirámide de estilo faraónico en una región geográfica que solía ser el antiguo Egipto, rindiendo culto a los Antiguos Espíritus del Mal.
A esta gran pista geográfica y arqueológica se suman otros elementos de la historia universal humana que aparecen de forma nativa en los episodios. En un fragmento de la trama clásica, León-O y sus aliados interactúan de manera directa con Hachiman, un guerrero de clara herencia samurái que preserva las tradiciones feudales de Japón, así como con una tribu de guerreras Amazonas. Más contundente aún es el capítulo titulado la Espada de Excalibur, donde se establece formalmente que la mítica espada del Rey Arturo se encuentra resguardada en ese mismo suelo. La mitología interna del proyecto detalla que el tercer planeta es un lugar de un periodo post crisis del colapso de la civilización donde la magia y la tecnología de civilizaciones pasadas conviven miles de años después de que los humanos casi se extinguieran de la faz del planeta.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
Alt text via @altbot y @TeLoDescribot
#datocurioso #Historia #Thundercats #Animación #CulturaPop #Televisión
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¿Sabían que el misterioso Tercer Planeta donde aterrizan los Thundercats es en realidad nuestra propia Tierra en un futuro sumamente distante?
Aunque la serie animada original de 1985 presenta este entorno como un mundo alienígena repleto de extrañas criaturas y guerreros mutantes, los creadores dejaron pistas históricas directas a lo largo de los capítulos que confirman que se trata de nuestro planeta tras el colapso de la humanidad. El indicio más claro de todos es la procedencia de Mumm-Ra, el principal antagonista de la historia, quien es explícitamente un sacerdote egipcio inmortal que habita dentro de una pirámide de estilo faraónico en una región geográfica que solía ser el antiguo Egipto, rindiendo culto a los Antiguos Espíritus del Mal.
A esta gran pista geográfica y arqueológica se suman otros elementos de la historia universal humana que aparecen de forma nativa en los episodios. En un fragmento de la trama clásica, León-O y sus aliados interactúan de manera directa con Hachiman, un guerrero de clara herencia samurái que preserva las tradiciones feudales de Japón, así como con una tribu de guerreras Amazonas. Más contundente aún es el capítulo titulado la Espada de Excalibur, donde se establece formalmente que la mítica espada del Rey Arturo se encuentra resguardada en ese mismo suelo. La mitología interna del proyecto detalla que el tercer planeta es un lugar de un periodo post crisis del colapso de la civilización donde la magia y la tecnología de civilizaciones pasadas conviven miles de años después de que los humanos casi se extinguieran de la faz del planeta.
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Aunque la serie animada original de 1985 presenta este entorno como un mundo alienígena repleto de extrañas criaturas y guerreros mutantes, los creadores dejaron pistas históricas directas a lo largo de los capítulos que confirman que se trata de nuestro planeta tras el colapso de la humanidad. El indicio más claro de todos es la procedencia de Mumm-Ra, el principal antagonista de la historia, quien es explícitamente un sacerdote egipcio inmortal que habita dentro de una pirámide de estilo faraónico en una región geográfica que solía ser el antiguo Egipto, rindiendo culto a los Antiguos Espíritus del Mal.
A esta gran pista geográfica y arqueológica se suman otros elementos de la historia universal humana que aparecen de forma nativa en los episodios. En un fragmento de la trama clásica, León-O y sus aliados interactúan de manera directa con Hachiman, un guerrero de clara herencia samurái que preserva las tradiciones feudales de Japón, así como con una tribu de guerreras Amazonas. Más contundente aún es el capítulo titulado la Espada de Excalibur, donde se establece formalmente que la mítica espada del Rey Arturo se encuentra resguardada en ese mismo suelo. La mitología interna del proyecto detalla que el tercer planeta es un lugar de un periodo post crisis del colapso de la civilización donde la magia y la tecnología de civilizaciones pasadas conviven miles de años después de que los humanos casi se extinguieran de la faz del planeta.
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¿Sabían que el misterioso Tercer Planeta donde aterrizan los Thundercats es en realidad nuestra propia Tierra en un futuro sumamente distante?
Aunque la serie animada original de 1985 presenta este entorno como un mundo alienígena repleto de extrañas criaturas y guerreros mutantes, los creadores dejaron pistas históricas directas a lo largo de los capítulos que confirman que se trata de nuestro planeta tras el colapso de la humanidad. El indicio más claro de todos es la procedencia de Mumm-Ra, el principal antagonista de la historia, quien es explícitamente un sacerdote egipcio inmortal que habita dentro de una pirámide de estilo faraónico en una región geográfica que solía ser el antiguo Egipto, rindiendo culto a los Antiguos Espíritus del Mal.
A esta gran pista geográfica y arqueológica se suman otros elementos de la historia universal humana que aparecen de forma nativa en los episodios. En un fragmento de la trama clásica, León-O y sus aliados interactúan de manera directa con Hachiman, un guerrero de clara herencia samurái que preserva las tradiciones feudales de Japón, así como con una tribu de guerreras Amazonas. Más contundente aún es el capítulo titulado la Espada de Excalibur, donde se establece formalmente que la mítica espada del Rey Arturo se encuentra resguardada en ese mismo suelo. La mitología interna del proyecto detalla que el tercer planeta es un lugar de un periodo post crisis del colapso de la civilización donde la magia y la tecnología de civilizaciones pasadas conviven miles de años después de que los humanos casi se extinguieran de la faz del planeta.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
Alt text via @altbot y @TeLoDescribot
#datocurioso #Historia #Thundercats #Animación #CulturaPop #Televisión
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¿Sabían que el misterioso Tercer Planeta donde aterrizan los Thundercats es en realidad nuestra propia Tierra en un futuro sumamente distante?
Aunque la serie animada original de 1985 presenta este entorno como un mundo alienígena repleto de extrañas criaturas y guerreros mutantes, los creadores dejaron pistas históricas directas a lo largo de los capítulos que confirman que se trata de nuestro planeta tras el colapso de la humanidad. El indicio más claro de todos es la procedencia de Mumm-Ra, el principal antagonista de la historia, quien es explícitamente un sacerdote egipcio inmortal que habita dentro de una pirámide de estilo faraónico en una región geográfica que solía ser el antiguo Egipto, rindiendo culto a los Antiguos Espíritus del Mal.
A esta gran pista geográfica y arqueológica se suman otros elementos de la historia universal humana que aparecen de forma nativa en los episodios. En un fragmento de la trama clásica, León-O y sus aliados interactúan de manera directa con Hachiman, un guerrero de clara herencia samurái que preserva las tradiciones feudales de Japón, así como con una tribu de guerreras Amazonas. Más contundente aún es el capítulo titulado la Espada de Excalibur, donde se establece formalmente que la mítica espada del Rey Arturo se encuentra resguardada en ese mismo suelo. La mitología interna del proyecto detalla que el tercer planeta es un lugar de un periodo post crisis del colapso de la civilización donde la magia y la tecnología de civilizaciones pasadas conviven miles de años después de que los humanos casi se extinguieran de la faz del planeta.
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CW: ¡LA PELÍCULA QUE ACME NO QUIERE QUE VEAS! 🗣🔥
Este viernes se viene el estreno mundial de Coyote vs ACME. Aquí hay que esperar hasta el 18 de septiembre, pero aun así:
- Después de que escondieran la película completa, por poder hacer una desgravación fiscal con ella
- Tras una gran lucha sindical del Animation Guild por sus derechos, por la falta de vergüenza de los grandes de Hollywood
- Y luego de que, al fin, una 3ª compañía adquiriera los derechos de distribución
Una peli que ha sufrido un infierno empresarial, justamente sobre el coyote de los #LooneyTunes demandando a la gigantesca ACME, resucita el 28 de agosto de este 2026!!!
https://www.youtube.com/watch?v=vg2cElsk2pI 🔥
Link alternativo por privacidad https://piped.torcon.noho.st/watch?v=vg2cElsk2pI 🔥
#CoyotevsACME #Animación #Cine #Estrenos -
Hola querida familia de Artistas! Este próximo jueves 3 de septiembre tenemos una cita de otro mundo. Publicaré en el canal https://www.youtube.com/@benaubone Multiversal: mi nuevo corto de animación, humor, acción y criaturas de otro universo. Te espero
#blender #greasepencil #scifi #animacion #cartoon #cellshading #multiverse #2d #3d
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Hola querida familia de Artistas! Este próximo jueves 3 de septiembre tenemos una cita de otro mundo. Publicaré en el canal https://www.youtube.com/@benaubone Multiversal: mi nuevo corto de animación, humor, acción y criaturas de otro universo. Te espero
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https://www.youtube.com/shorts/2BklvN0Y5dE
¿Se puede contar la historia del cine español a través de sus iconos, el humor y la metáfora visual? La Mini Enciclopedia crea videoanimaciones sobre películas de todos los tiempos con un lenguaje rápido, directo y colorido que no utiliza IA. ¡Síguenos!#minienciopedia #cineespañol #cine #videoanimación #animación #humor
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📻 ■ Zara Larsson x Winx Club: la versión de 'Midnight Sun' que no sabíamos que necesitábamos ■
https://los40.com/2026/08/22/zara-larsson-x-winx-club-la-version-de-midnight-sun-que-no-sabiamos-que-necesitabamos/?int=MASTODON_WORLD -
📻 ■ Zara Larsson x Winx Club: la versión de 'Midnight Sun' que no sabíamos que necesitábamos ■
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¿Sabías que la idea original para la película Cars de Pixar era completamente diferente y se centraba en un auto eléctrico?
El proyecto comenzó su desarrollo en el año 1998 bajo el título provisional de El pequeño auto amarillo. La trama inicial se estructuraba en torno a un pequeño vehículo eléctrico que debía enfrentarse al rechazo, los prejuicios y la discriminación por parte de una sociedad dominada por automóviles ruidosos que consumían gasolina de forma masiva. El director John Lasseter decidió cancelar por completo este enfoque después de realizar un extenso viaje por carretera de dos meses junto a su familia a través de Estados Unidos. Tras vivir esa experiencia personal, el realizador optó por reescribir toda la historia desde cero para enfocarla en la nostalgia por la histórica Ruta 66 y el estilo de vida rural norteamericano dando origen definitivo al personaje de Rayo McQueen en el año 2006.
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El proyecto comenzó su desarrollo en el año 1998 bajo el título provisional de El pequeño auto amarillo. La trama inicial se estructuraba en torno a un pequeño vehículo eléctrico que debía enfrentarse al rechazo, los prejuicios y la discriminación por parte de una sociedad dominada por automóviles ruidosos que consumían gasolina de forma masiva. El director John Lasseter decidió cancelar por completo este enfoque después de realizar un extenso viaje por carretera de dos meses junto a su familia a través de Estados Unidos. Tras vivir esa experiencia personal, el realizador optó por reescribir toda la historia desde cero para enfocarla en la nostalgia por la histórica Ruta 66 y el estilo de vida rural norteamericano dando origen definitivo al personaje de Rayo McQueen en el año 2006.
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El proyecto comenzó su desarrollo en el año 1998 bajo el título provisional de El pequeño auto amarillo. La trama inicial se estructuraba en torno a un pequeño vehículo eléctrico que debía enfrentarse al rechazo, los prejuicios y la discriminación por parte de una sociedad dominada por automóviles ruidosos que consumían gasolina de forma masiva. El director John Lasseter decidió cancelar por completo este enfoque después de realizar un extenso viaje por carretera de dos meses junto a su familia a través de Estados Unidos. Tras vivir esa experiencia personal, el realizador optó por reescribir toda la historia desde cero para enfocarla en la nostalgia por la histórica Ruta 66 y el estilo de vida rural norteamericano dando origen definitivo al personaje de Rayo McQueen en el año 2006.
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El proyecto comenzó su desarrollo en el año 1998 bajo el título provisional de El pequeño auto amarillo. La trama inicial se estructuraba en torno a un pequeño vehículo eléctrico que debía enfrentarse al rechazo, los prejuicios y la discriminación por parte de una sociedad dominada por automóviles ruidosos que consumían gasolina de forma masiva. El director John Lasseter decidió cancelar por completo este enfoque después de realizar un extenso viaje por carretera de dos meses junto a su familia a través de Estados Unidos. Tras vivir esa experiencia personal, el realizador optó por reescribir toda la historia desde cero para enfocarla en la nostalgia por la histórica Ruta 66 y el estilo de vida rural norteamericano dando origen definitivo al personaje de Rayo McQueen en el año 2006.
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¿Cuándo llega ‘Golden Axe’? Tráiler, reparto y estreno en Paramount+ #GoldenAxe #SEGA #ParamountPlus #Videojuegos #Gaming #Animacion #Series #SeriesAnimadas #RetroGaming #MegaDrive #DeathAdder #Estrenos #felizviernes #21deagosto
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¿Sabías que el Batman animado de la clásica serie de Súper Amigos de 1973 iba a ser interpretado por el mismísimo Adam West?
La primera temporada de la serie de los Súper Amigos de Hanna-Barbera estuvo bajo el impacto directo del éxito del show en live action de la década de 1960. Los productores querían contratar a Adam West para mantener la misma identidad de voz pero la tarifa del actor superaba el presupuesto asignado para el proyecto. Por este motivo la producción contrató a Olan Soule para el papel de Batman y a Casey Kasem para el rol de Robin. De todos modos esta versión mantuvo intacto el tono colorido y el enfoque que caracterizó a la famosa producción televisiva anterior. Décadas después en 1984 Adam West finalmente asumió el doblaje del personaje en las temporadas finales de la franquicia animada.
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La primera temporada de la serie de los Súper Amigos de Hanna-Barbera estuvo bajo el impacto directo del éxito del show en live action de la década de 1960. Los productores querían contratar a Adam West para mantener la misma identidad de voz pero la tarifa del actor superaba el presupuesto asignado para el proyecto. Por este motivo la producción contrató a Olan Soule para el papel de Batman y a Casey Kasem para el rol de Robin. De todos modos esta versión mantuvo intacto el tono colorido y el enfoque que caracterizó a la famosa producción televisiva anterior. Décadas después en 1984 Adam West finalmente asumió el doblaje del personaje en las temporadas finales de la franquicia animada.
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https://www.europesays.com/es/718193/ Cómo se verían Las Guerreras K-pop en el universo de Bob Esponja #Animación #BobEsponja #CulturaPop #Entertainment #Entretenimiento #ES #España #LasGuerrerasKPop #Music #Música #PersonajesFicticios #Spain
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https://www.europesays.com/es/710591/ Kate Winslet se une a la secuela de «Charlie y la fábrica de chocolate» – La Voz de Galicia #Animación #Cine #Entertainment #Entretenimiento #ES #España #Film #KateWinslet #Movies #netflix #Spain
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Hola querida familia de Artistas! Descubre como el Editor de vídeo te permite llegar más lejos en 3D. Un abrazo
https://youtu.be/j-_jVlOTRWg#blender #video #3d #edicion #ahorro #animacion #postproduccion #oc #original
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Revista Balsia Producciones. Boletín Semanal 4.
BALSIA PRODUCTIONS MAGAZINE. WEEKLY NEWSLETTER 4 Tortugas del Zoológico Guadalajara . Fotos: CORTESÍA Enrique Vázquez Lozano. DIRECTOR Feliz inicio de semana. Entre las notas más destacadas de los últimos días en nuestra Revista Digital de Cultura, Espectáculos y Tendencias se encuentra la que hemos dedicado al CORA Dance Festival 2026 de Tarento, al igual que la nota que corresponde a las Fiestas de la Vendimia de Baja California el Simposio Anual sobre Conservación y Biología […]https://balsiaproducciones.com.mx/2026/08/11/revista-balsia-producciones-boletin-semanal-4/
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¿Sabían que el éxito de DuckTales salvó la animación televisiva de Disney y cambió las reglas de las caricaturas vespertinas?
A mediados de los años 80, la industria de la animación en televisión estadounidense estaba saturada de producciones baratas financiadas casi por completo por la venta de juguetes. La compañía Disney decidió arriesgarse con una estrategia diferente al producir una serie basada en los cómics cláscios de Carl Barks sobre el Tío Rico, pero con un presupuesto enorme de 285,000 dólares por episodio, una cifra que duplicaba lo que gastaba cualquier competidor de la época. En lugar de vender el proyecto a las cadenas tradicionales para los sábados por la mañana, la empresa optó por la sindicación independiente, vendiendo los 65 capítulos iniciales directamente a estaciones locales para transmitirse de lunes a viernes por la tarde.
El estreno oficial ocurrió el 18 de septiembre de 1987 con una película para televisión de 2 horas titulada El tesoro de los soles dorados. La enorme inversión económica se reflejó de inmediato en una calidad de dibujo y fondos que no se veía en la televisión abierta, además de contar con una banda sonora grabada por una orquesta real en lugar de usar los sintetizadores comunes de los años 80. El rotundo éxito de audiencia demostró que el público infantil buscaba historias de aventuras complejas y bien animadas, abriendo el camino para crear el famoso bloque de programación vespertino conocido como The Disney Afternoon y rescatando la división televisiva del estudio.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
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#Caricaturas #Televisión #Historia #DuckTales #Disney #Animación
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¿Sabían que el éxito de DuckTales salvó la animación televisiva de Disney y cambió las reglas de las caricaturas vespertinas?
A mediados de los años 80, la industria de la animación en televisión estadounidense estaba saturada de producciones baratas financiadas casi por completo por la venta de juguetes. La compañía Disney decidió arriesgarse con una estrategia diferente al producir una serie basada en los cómics cláscios de Carl Barks sobre el Tío Rico, pero con un presupuesto enorme de 285,000 dólares por episodio, una cifra que duplicaba lo que gastaba cualquier competidor de la época. En lugar de vender el proyecto a las cadenas tradicionales para los sábados por la mañana, la empresa optó por la sindicación independiente, vendiendo los 65 capítulos iniciales directamente a estaciones locales para transmitirse de lunes a viernes por la tarde.
El estreno oficial ocurrió el 18 de septiembre de 1987 con una película para televisión de 2 horas titulada El tesoro de los soles dorados. La enorme inversión económica se reflejó de inmediato en una calidad de dibujo y fondos que no se veía en la televisión abierta, además de contar con una banda sonora grabada por una orquesta real en lugar de usar los sintetizadores comunes de los años 80. El rotundo éxito de audiencia demostró que el público infantil buscaba historias de aventuras complejas y bien animadas, abriendo el camino para crear el famoso bloque de programación vespertino conocido como The Disney Afternoon y rescatando la división televisiva del estudio.
— A. Eldritch, Periodista, Locutor, podcaster y bloger del fediverso
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El estreno oficial ocurrió el 18 de septiembre de 1987 con una película para televisión de 2 horas titulada El tesoro de los soles dorados. La enorme inversión económica se reflejó de inmediato en una calidad de dibujo y fondos que no se veía en la televisión abierta, además de contar con una banda sonora grabada por una orquesta real en lugar de usar los sintetizadores comunes de los años 80. El rotundo éxito de audiencia demostró que el público infantil buscaba historias de aventuras complejas y bien animadas, abriendo el camino para crear el famoso bloque de programación vespertino conocido como The Disney Afternoon y rescatando la división televisiva del estudio.
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A mediados de los años 80, la industria de la animación en televisión estadounidense estaba saturada de producciones baratas financiadas casi por completo por la venta de juguetes. La compañía Disney decidió arriesgarse con una estrategia diferente al producir una serie basada en los cómics cláscios de Carl Barks sobre el Tío Rico, pero con un presupuesto enorme de 285,000 dólares por episodio, una cifra que duplicaba lo que gastaba cualquier competidor de la época. En lugar de vender el proyecto a las cadenas tradicionales para los sábados por la mañana, la empresa optó por la sindicación independiente, vendiendo los 65 capítulos iniciales directamente a estaciones locales para transmitirse de lunes a viernes por la tarde.
El estreno oficial ocurrió el 18 de septiembre de 1987 con una película para televisión de 2 horas titulada El tesoro de los soles dorados. La enorme inversión económica se reflejó de inmediato en una calidad de dibujo y fondos que no se veía en la televisión abierta, además de contar con una banda sonora grabada por una orquesta real en lugar de usar los sintetizadores comunes de los años 80. El rotundo éxito de audiencia demostró que el público infantil buscaba historias de aventuras complejas y bien animadas, abriendo el camino para crear el famoso bloque de programación vespertino conocido como The Disney Afternoon y rescatando la división televisiva del estudio.
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El estreno oficial ocurrió el 18 de septiembre de 1987 con una película para televisión de 2 horas titulada El tesoro de los soles dorados. La enorme inversión económica se reflejó de inmediato en una calidad de dibujo y fondos que no se veía en la televisión abierta, además de contar con una banda sonora grabada por una orquesta real en lugar de usar los sintetizadores comunes de los años 80. El rotundo éxito de audiencia demostró que el público infantil buscaba historias de aventuras complejas y bien animadas, abriendo el camino para crear el famoso bloque de programación vespertino conocido como The Disney Afternoon y rescatando la división televisiva del estudio.
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https://www.europesays.com/es/702924/ Festival Internacional de Cine para Niños: arranca con películas y talleres para los más pequeños estas vacaciones #Animación #Cine #collage #Entertainment #Entretenimiento #ES #España #Film #Huevo #Movies #perro #personaje #Spain
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Ayer vi el especial de #Snoopy #HomeSweetHome. No veia #Peanuts desde pequeña y qué serie más positiva. Con entornos sencillos y muy expresivos, el adorable y carismático Snoopy y la inocencia de los niños. Y todo con un mensaje sobre el hogar y lo que dejamos atrás en las etapas de la vida.
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Ayer vi el especial de #Snoopy #HomeSweetHome. No veia #Peanuts desde pequeña y qué serie más positiva. Con entornos sencillos y muy expresivos, el adorable y carismático Snoopy y la inocencia de los niños. Y todo con un mensaje sobre el hogar y lo que dejamos atrás en las etapas de la vida.
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Ayer vi el especial de #Snoopy #HomeSweetHome. No veia #Peanuts desde pequeña y qué serie más positiva. Con entornos sencillos y muy expresivos, el adorable y carismático Snoopy y la inocencia de los niños. Y todo con un mensaje sobre el hogar y lo que dejamos atrás en las etapas de la vida.